Les Tableaux
« La sortie du vieux port de La Rochelle »
Huile sur toile, encadrée
Représente la sortie du vieux port de La Rochelle, vue de l’intérieur du port, avec les deux tours historiques de la ville, sur la droite, la tour « de la chaîne » et sur la gauche, la tour « Saint-Nicolas »
Signé en bas à droite « P. Perrotin »
Epoque XXe siècle
Dimensions : 54 x 65 cm (toile) / 73 x 84 cm (avec cadre)
Prix de vente : 80,00 €
Chef-lieu du département de la Charente-Maritime (17) et premier port économique du Poitou-Charentes, La Rochelle, avec près de 80000 habitants, est une ville en plein essor.
L’histoire de La Rochelle est particulièrement riche depuis le Moyen-âge, notamment pendant les guerres de religion qui ont vu le siège de la ville par le cardinal de Richelieu (1585-1642), pendant plus de 13 mois, de septembre 1627 à octobre 1628.
Réputée ensuite pour ses activités maritimes, la notoriété historique de la ville s’appuie sur son port et notamment sur les deux tours emblématiques construites de chaque côté de sa sortie : à droite, la tour « de la chaîne » et à gauche, la tour « Saint-Nicolas » (vue de l’intérieur du port).
Témoins de l’histoire médiévale de La Rochelle au XIVe siècle, les deux tours ont été érigées dans le but de défendre l’entrée du port. A l’époque, une chaîne était tendue entre ces deux tours pour empêcher toute entrée par bateau, d’où le nom de l’une d’entre elles.
Il est à noter qu’à leur origine, les tours servaient de logements aux capitaines du port, en charge de surveiller les activités portuaires et de récolter les taxes liées à ces activités.
Au XIXe siècle, la hauteur de la tour « de la chaîne » est réduite ainsi que les bâtiments attenants afin d’élargir l’entrée du port. C’est à la fin de ce même siècle qu’elle sera classée aux Monuments historiques. De nouveaux travaux de rénovation sont réalisés au XXe siècle. Historiquement haute de plus de 30 mètres, la tour a une hauteur aujourd’hui d’une vingtaine de mètre et abrite depuis 1998 un musée présentant au public des collections retraçant le passé protestant de la ville.
La tour « Saint-Nicolas » présente une anecdotique légende selon laquelle elle aurait été construite à l’aide de pierres abandonnées sur le site par la fée Mélusine.
Au-delà de la légende, la tour prend le nom de « Saint-Nicolas » au XVe siècle. Partie intégrante du système de défense de la ville, elle devient une prison au XVIIe et au XVIIIe siècle. Classée également monument historique à la fin du XIXe siècle, elle est également restaurée au XXe siècle.
D’une hauteur de plus de 40 mètres, la tour a conservé son aspect de forteresse médiévale, avec ses nombreux escaliers intérieurs en colimaçons ou en double révolution.
A noter qu’entre les années 2009 et 2016, un concours de plongeons dans les eaux du port de La Rochelle a été organisé depuis cette tour.
Le passé maritime de La Rochelle s’inscrit également dans les armoiries de la ville. L’un des premiers sceaux de la ville représente un navire. Au début du XVe siècle, les armoiries rochelaises arborent ce même navire doré sur un fond rouge. Les années 1480 verront apparaître le « chef de France » sur le haut du blason, avec 3 fleurs de lis sur fond bleu. En 1497, les armoiries sont officiellement définies héraldiquement : « De gueules au vaisseau d’or, habillé d’argent, voguant sur une mer de sinople, au chef d’azur, chargé de trois fleurs de lis d’or ».
La devise latine de la ville, « Servabor Rectore Deo », figure en partie supérieure de son blason. Les historiens ne s’accordent pas sur une traduction unique et plusieurs sont actuellement reconnues, avec par exemple « Je serai sauvé sous la garde de Dieu » ou « Je suis gardé, Dieu étant mon guide ».
Par sa représentation très contemporaine des deux tours emblématiques de la sortie du vieux port de La Rochelle, notre tableau apportera une note particulièrement originale dans une décoration d’intérieur, alliant modernité et témoignage historique dans une même œuvre.
VENDU
Charles Cuzin (1907-1975)
« Lac savoyard enneigé »
Huile sur panneau
Représente un lac avec les rives enneigées
Signé en bas à droite « Charles Cuzin »
Dimensions : 35 x 24 cm
Prix de vente : 20,00 €
Charles Cuzin, artiste peintre régional français, est réputé pour ses peintures hivernales, le plus fréquemment en petit format sur panneau.
La justesse des couleurs et la précision du dessin plongent le public au cœur de paysages enneigés, probablement situés en Savoie, région particulièrement appréciée par l’artiste qui y a vécu de nombreuses années au cours de sa vie.
S’inscrivant pleinement dans l’œuvre artistique de Charles Cuzin, notre huile sur panneau de petit format représente un bord de lac enneigé saisi par l’artiste un jour d’hiver.
Le ciel chargé de nuages gris plane au-dessus d’arbres effeuillés bordant un lac. La qualité de peinture de Charles Cuzin s’exprime pleinement dans ce tableau, avec la couleur grise du lac, reflet direct du ciel. La blancheur de la neige apporte une note lumineuse à l’ensemble de l’œuvre.
Empreint d’une réelle douceur hivernale, notre tableau apportera dans un intérieur la quiétude du silence d’un paysage d’hiver.
Charles Cuzin est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
Louis Icart (1888-1950)
« Elégante à la balustrade »
Eau-forte originale, encadrée
Représente une élégante des années 1920-1930, assise sur une balustrade
Signé au crayon par l’artiste, en bas à droite
Cadre d’époque, à décor de palmettes et de feuilles de lauriers
Epoque Art Déco (années 1920-1930)
Dimensions : 9 x 13 cm (à vue) / 21 x 26 cm (avec cadre)
Prix de vente : 115,00 €
Artiste peintre, graveur et illustrateur français, Louis Icart (1888-1950) est reconnu dès son jeune âge pour ses talents de dessinateur. Ses premières activités sont consacrées aux illustrations de mode, notamment dans les catalogues de haute couture.
Il se forme ensuite à la gravure et ses portraits de femmes des années 1920-1930 sont appréciées par un public de plus en plus nombreux. C’est à cette même époque que plusieurs expositions nationales et internationales viendront confirmer son succès grandissant.
S’inscrivant totalement dans le style Art Déco, ses œuvres sont tombées dans l’oubli pendant les années 1940, mais la réapparition de certaines d’entre elles au cours des années 1950 le font de nouveau connaître. Aujourd’hui, ses gravures sont particulièrement recherchées par les amateurs d’art et les collectionneurs de l’Art Déco.
Dans son cadre d’époque et signée au crayon par l’artiste lui-même, notre gravure est caractéristique des œuvres de Louis Icart pendant sa période Art Déco (années 1920-1930).
Pour rappel, l’eau-forte est un procédé de gravure en taille indirecte ou taille-douce sur une plaque métallique à l’aide d’un acide, appelé « mordant chimique ». A l’origine, l’appellation « eau-forte » fait référence à l’usage d’une solution d’acide nitrique diluée d’eau (« Aqua Fortis »).
L’artiste dessine son motif à la pointe métallique sur la plaque de métal préalablement recouverte d’un vernis à graver. Cette même plaque est ensuite placée dans le bain d’acide qui « mord » les zones à découvert et laisse intactes les parties protégées. Après nettoyage du vernis, la plaque est encrée et mise sous presse.
Louis Icart est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
VENDU
Charles Cuzin (1907-1975)
« Paysage de Savoie enneigé »
Huile sur panneau
Représente un paysage de campagne enneigé
Signé en bas à droite « Charles Cuzin »
Dimensions : 35 x 24 cm
Prix de vente : 20,00 €
Charles Cuzin, artiste peintre régional français, est réputé pour ses peintures hivernales, le plus fréquemment en petit format sur panneau.
La justesse des couleurs et la précision du dessin plongent le public au cœur de paysages enneigés, probablement situés en Savoie, région particulièrement appréciée par l’artiste qui y a vécu de nombreuses années au cours de sa vie.
S’inscrivant pleinement dans l’œuvre artistique de Charles Cuzin, notre huile sur panneau de petit format représente un paysage de campagne enneigé saisi par l’artiste un jour d’hiver.
Le ciel chargé de nuages gris plane au-dessus d’arbres effeuillés. La qualité de peinture de Charles Cuzin s’exprime pleinement dans ce tableau, avec la blancheur de la neige qui vient apporter une note lumineuse à l’ensemble de l’œuvre.
Empreint d’une réelle douceur hivernale, notre tableau apportera dans un intérieur la quiétude du silence d’un paysage d’hiver.
Charles Cuzin est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
Réservé
« Scène de campagne »
Huile sur toile, encadrée
Représente une scène de campagne, animée d’un personnage
Signé en bas à gauche
Cadre d’époque, en bois doré, de style Louis XV, à décor de coquilles, de rinceaux et de fleurs
Epoque Fin XIXe siècle Début XXe siècle
Dimensions : 41 x 33 cm (toile) / 59 x 51 cm (avec cadre)
Prix de vente : 70,00 €
Notre huile sur toile représente un paysage de campagne, probablement au soleil couchant d’une journée d’automne au vu des tonalités de couleurs utilisées par l’artiste. La scène est animée d’un personnage féminin avançant sur un chemin tandis qu’une meule de foin en arrière-plan vient renforcer la sérénité de l’ensemble de l’œuvre.
Une signature est présente en bas à gauche de la toile, mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier l’artiste avec certitude.
La particularité de notre tableau est la qualité de son encadrement en bois doré, probablement d’époque début XXe siècle, voire fin XIXe siècle. La richesse des ornements présents, associant coquilles, rinceaux et fleurs entrelacées l’inscrit dans un style « Louis XV ».
VENDU
« Batelier du marais poitevin »
Huile sur panneau, encadrée
Représente un batelier à bord de sa « plate », dans le marais poitevin
Signé dans le coin inférieur gauche « M.G. Tourneur »
Epoque XXe siècle
Dimensions : 35.5 x 43 cm (panneau) / 40 x 48 cm (avec cadre)
Prix de vente : 25,00 €
Notre huile sur panneau, signée « M.G. Tourneur », représente probablement un batelier du marais poitevin, sur sa « plate », barque traditionnelle à fond plat du marais poitevin.
Notre tableau a certainement été peint par Marcel G. Tourneur, reconnu pour ses réalisations de scènes traditionnelles de campagne. Avec ses touches de peinture déposées par l’artiste, il s’inscrit dans un réel style postimpressionniste, accentuant le relief et la profondeur de l’œuvre.
« Littoral méditerranéen au couchant »
Huile sur toile, encadrée
Représente un bord de mer méditerranéen au soleil couchant
Signée en bas à droite
Dédicacée et datée « 1993 » au dos
Dimensions : toile 54.5 x 46 cm / avec cadre 66.5 x 57.5 cm
Prix de vente : 45,00 €
Notre tableau représente un paysage caractéristique de la côte méditerranéenne, avec ses pins parasols. L’ambiance de fin de journée est parfaitement rendue avec un soleil couchant se reflétant dans l’eau. L’effet de perspective est accentué grâce à des rehauts de peinture probablement réalisés au couteau par l’artiste.
L’œuvre est signée mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier l’auteur avec certitude. La date « 1993 » figure au dos du tableau, accompagnée d’une dédicace.
Par sa luminosité et sa profondeur, notre tableau éclairera une décoration d’intérieur en y ajoutant une touche de calme et de sérénité.
VENDU
Charles Cuzin (1907-1975)
« Bord de lac en hiver »
Huile sur panneau
Représente un bord de lac enneigé
Signé en bas à droite « Charles Cuzin »
Dimensions : 35 x 24 cm
Prix de vente : 25,00 €
Charles Cuzin, artiste peintre régional français, est réputé pour ses peintures hivernales, le plus fréquemment en petit format sur panneau.
La justesse des couleurs et la précision du dessin plongent le public au cœur de paysages enneigés, probablement situés en Savoie, région particulièrement appréciée par l’artiste qui y a vécu de nombreuses années au cours de sa vie.
S’inscrivant pleinement dans l’œuvre artistique de Charles Cuzin, notre huile sur panneau de petit format représente un bord de lac enneigé saisi par l’artiste un jour d’hiver.
Le ciel chargé de nuages gris plane au-dessus d’arbres effeuillés bordant un lac. La qualité de peinture de Charles Cuzin s’exprime pleinement dans ce tableau, avec la couleur grise du lac, reflet direct du ciel. La blancheur de la neige apporte une note lumineuse à l’ensemble de l’oeuvre.
Empreint d’une réelle douceur hivernale, notre tableau apportera dans un intérieur la quiétude du silence d’un paysage d’hiver.
Charles Cuzin est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
« Scène pastorale »
Derk Anthonij van de Wart
(1767-1824)
Aquarelle ancienne, encadrée
Représente une scène pastorale avec bergère et berger gardant leur troupeau
Ecole flamande
Signée en bas à droite, avec cachet en creux
Epoque fin XVIIIe siècle début XIXe siècle
Dimensions : 47 x 35 cm (à vue) / 66 x 55 cm (avec cadre)
Prix de vente : 180,00 €
Notre aquarelle ancienne représente une scène de campagne, dans le style « Ecole flamande », probablement d’époque fin XVIIIe siècle début XIXe siècle
Portant une signature en bas à droite « Derk A. van de Wart. fec. », elle peut être attribuée à l’artiste hollandais Derk Anthonij van de Wart, ce qui est confirmé par le cachet en creux visible en bas à droitre et figurant un « W » inscrit dans un cercle.
Peu d’informations sont disponibles sur cet artiste, né en 1767 à Amsterdam et décédé en 1824. Il est cependant reconnu pour la qualité et la finesse de ses œuvres, représentant plus particulièrement des scènes de campagne.
Très peu de tableaux de Derk Anthonij van de Wart existent sur le Marché de l’Art.
Cela confère une réelle rareté à notre aquarelle qui s’inscrit pleinement dans le style des tableaux réalisés par cet artiste hollandais.
Derk Anthonij van de Wart est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
VENDU
Félix Jasinski (1862-1911)
« Portrait de Mme Récamier »
Eau forte encadrée, d’après le tableau de Jacques-Louis David (1748-1825)
Collection « Musée National du Louvre – Les chefs d’œuvre – 9 »
Titré dans la gravure « Portrait de Mme Récamier »
Signé dans la gravure « Louis David pinx » et « Jasinski sc »
Cadre d’époque dit « Barbizon », en bois et stuc doré, à décor d’une frise de lauriers, de feuilles d’acanthes et d’un pourtour de perles
Epoque Fin XIXe siècle
Dimensions : 30 x 21 cm (à vue) / 48 x 39 cm (avec cadre)
Prix de vente : 130,00 €
Félix Jazinski (1862-1901), graveur de nationalité polonaise, né en Pologne et décédé en France, est renommé pour la qualité de ses gravures réalisées à la fin du XIXe siècle. Il est notamment reconnu pour sa maîtrise de la technique de gravure appelée « Eau-forte ».
Pour rappel, l’eau-forte est un procédé de gravure en taille-douce sur une plaque métallique à l’aide d’un mordant chimique (un acide). Sur la plaque de métal préalablement recouverte d’un vernis à graver, l’artiste dessine son motif à la pointe métallique. La plaque est ensuite placée dans un bain d’acide qui « mord » les zones à découvert et laisse intactes les parties protégées. Après nettoyage du vernis, la plaque est encrée et mise sous presse.
La gravure que nous présentons ici est réalisée par Félix Jasinski, d’après le tableau du peintre Jacques-Louis David (1748-1825). Ce tableau original, titré « Le portrait de Madame Récamier », est toujours exposé aujourd’hui au Musée du Louvre à Paris.
Commencé en 1800 et resté volontairement inachevé par l’artiste, le tableau représente Juliette Récamier (1777-1849), agée de 23 ans. Née Jeanne Bernard et fille d’un notaire lyonnais, conseiller du Roi Louis XVI (1754-1793), elle est l’épouse du banquier Jacques-Rose Récamier (1751-1830) qui est à l’origine de la commande du portrait de son épouse.
Renommée pour sa beauté et son intérêt pour les idées novatrices de son époque, elle tient salon dans son hôtel particulier parisien, fréquenté par les plus illustres intellectuels, romanciers et philosophes de la fin du XVIIIe siècle.
Dans un style volontairement très épuré, Juliette Récamier est représentée en position semi-allongée sur une méridienne, vétue d’une longue robe blanche au drapé antique. Le candélabre peint à la gauche du tableau vient accentuer la note « antique » de l’ensemble de l’œuvre, qui s’inscrit dans la recherche de la mise en valeur de la grande bourgeoisie de la fin du XVIIIe siècle.
Felix Jasinski est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
VENDU
« La passerelle Launay à Hennebont »
Huile sur toile, encadrée
Représente une vue animée de la passerelle de la rue Launay, à Hennebont (Morbihan)
Situé « Hennebont » et daté « 1900 » en bas à gauche
Monogrammé « AD » en bas à gauche
Cadre d’époque de style Barbizon, en bois et stuc doré, à décor d’une frise de lauriers et de feuilles d’acanthes
Dimensions : 27 x 35 cm (toile) / 40 x 48 cm (avec cadre)
Prix de vente : 60,00 €
Daté « 1900 » et situé à « Hennebont », notre tableau représente une célèbre vue animée ancienne de cette commune du Sud-Ouest du département du Morbihan.
Nos recherches nous ont permis d’identifier avec certitude la passerelle en pierre de la rue Launay, construite au XVIIe siècle et classée « Monument Historique » en 1925. Cette passerelle n’est plus visible aujourd’hui car elle aurait été démontée au moment de la reconstruction de la ville suite aux destructions dues à la seconde guerre mondiale.
De même que certaines cartes postales anciennes sur lesquelles figure ce monument, notre tableau est un réel témoignage historique du riche patrimoine de la Bretagne, et plus particulièrement de celui de la ville d’Hennebont à la fin du XVIIIe siècle.
Edouard Athénosy (1859-1934)
« Matinée de printemps »
Huile sur carton, encadrée
Représente un paysage d’arbres fleuris, au printemps
Signée « Ed. Athénosy », en bas à droite
Datée « 19 3 1911 » en bas à gauche
Titrée au dos
Dédicace écrite à la plume de la main de l’artiste au dos du carton, signée et datée « Mai 1912 »
Cadre en bois doré, à décor perlé
Dimensions : panneau 17.5 x 9 cm / avec cadre 23.5 x 15 cm
Prix de vente : 90,00 €
Artiste français né dans le Vaucluse, Edouard Athénosy (1859-1934) est renommé pour ses réprésentations de la campagne avignonnaise à différentes saisons, très fréquemment en petits formats sur carton.
Ses œuvres se distinguent par la précision du dessin et la finesse des touches de peinture déposées par l’artiste, avec une lumière jouant avec le ciel qui a toujours une part importante dans les œuvres d’Edouard Athénosy.
Avec son petit format s’inscrivant totalement dans les oeuvres de l’artiste, notre tableau peut s’apparenter à une autre création du peintre réalisée dans les environs de la commune des « Angles » dans le Gard et limitrophe de la ville d’Avignon.
Les arbres sont peints avec une réelle finesse et sont probablement des amandiers en fleurs, la production d’amandes étant une activité importante dans le département du Vaucluse jusqu’au début du XXe siècle.
L’originalité de notre tableau réside dans la présence au dos du carton d’une dédicace d’Edouard Athénosy, écrite de sa main à la plume, signée et datée « Mai 1912 ». L’artiste a également inscrit lui-même le titre de son œuvre : « Matinée de printemps ».
Véritable témoignage historique, cette dédicace confère ainsi une rélle rareté émouvante à notre tableau, qui apportera, par la douceur qui en émane, une note très poétique dans une décoration d’intérieur.
Edouard Athénosy est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
Raphaël Drouart (1894-1972)
« Maisons de pêcheurs
à Saint-Martin-de-Ré »
Gravure rehaussée de couleurs
Représentation de maisons de pêcheurs, dans le port de Saint-Martin-de-Ré, sur l’île de Ré
Située dans le coin inférieur gauche
Signée en bas à droite « R. Drouart »
Dimensions : gravure 21 x 14.5 cm / avec cadre 41 x 31 cm
Prix de vente : 155,00 €
Raphaël Drouart (1894-1972)
Graveur français, Raphaël Drouart est reconnu également pour ses activités de peintre et d’illustrateur. Mais sa renommée est essentiellement due à sa maîtrise de l’ensemble des techniques de gravures, telles que l’eau-forte et la lithographie.
Après avoir travaillé en tant qu’illustrateur de revues dans les années 1920, il se consacre ensuite plus particulièrement à l’art de la gravure. Dans les années 1930, il publiera plusieurs recueils de lithographies, composés de portraits, de nus ou de natures mortes. De nombreux musées nationaux et internationaux présentent encore aujourd’hui au public les œuvres de Raphaël Drouart.
Des années 1940 aux années 1960, il installe son atelier sur l’île de Ré, dans le village des Portes-en-Ré. Il y réalisera plusieurs gravures des villages et paysages qui l’entourent.
Notre gravure s’inscrit donc totalement dans les réalisations de l’artiste pendant cette période, avec la représentation de maisons de pêcheurs du port de Saint-Martin-de-Ré dans les années 1950.
A une vingtaine de kilomètres des Portes-en-Ré, Saint-Martin-de-Ré, chef-lieu de l’île de Ré, est l’un des ports les plus importants de l’île. La richesse de la commune s’appuie principalement sur ses activités de pêche et de tourisme.
Fondé au Moyen-Age, Saint-Martin-de-Ré est également célèbre pour sa citadelle et ses fortifications érigées au XVIIe siècle par le Marquis de Vauban (1633-1707), ingénieur militaire du Roi Louis XIV (1638-1715). Ce patrimoine historique a permis à la commune d’être inscrite en 2008 au patrimoine mondial de l’UNESCO.
Raphaël Drouart est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
VENDU
« Promenade au parc »
Aquarelle ancienne « Miniature », encadrée sous verre
Scène champêtre représentant 3 jeunes femmes aristocrates en promenade au parc
Signée en bas à droite
Ecole française du XVIIIe siècle
Epoque Fin XVIIIe
Dimensions : 7 x 8.5 cm (à vue) / 9.5 x 11 cm (avec cadre)
Prix de vente : 35,00 €
Caractéristique du XVIIIe siècle la scène champêtre montre des personnages de l’aristocratie de l’époque, représentés au milieu de la nature.
Notre aquarelle « Miniature » s’inscrit totalement dans ce genre artistique, avec une scène champêtre animée de trois jeunes femmes aristocrates se promenant dans un parc.
L’aquarelle fait plusieurs fois référence au XVIIIe siècle, par la tenue vestimentaire des personnages et le style du jardin.
Habillées à la française, nos trois promeneuses portent un corsage serré, aux manches s’arrêtant aux coudes. Leurs jupes, dites « à la française », sont caractéristiques par leur largeur, obtenue par l’usage d’un « panier » placé sous la jupe.
Nous pouvons également imaginer nos trois aristocrates amusées par la découverte d’une statue antique cachée au détour d’une allée d’un parc, travaillé dans le style des jardins à la française et entourant probablement un château du XVIIIe siècle.
Notre aquarelle porte une signature en bas à droite, mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier l’artiste avec certitude.
Probablement d’époque Fin XVIIIe siècle, notre aquarelle signée possède un réel charme par la scène représentée, accentué par son format « Miniature » qui lui confère une vraie originalité.
VENDU
Blanche-Marie Baraban-Cahagnet (1865-milieu XXe siècle)
« L’église Saint-André de Niort »
Huile sur panneau, encadrée
Représente l’église Saint-André de la ville de Niort, vue des rives de la Sèvre niortaise
Signée « Bl. Baraban » en bas à droite
Cadre doré d’époque, à décor de perles et de palmettes
Epoque Fin XIXe siècle Début XXe siècle
Dimensions : panneau 12 x 18 cm / avec cadre 21 x 27 cm
Prix de vente : 40,00 €
Blanche-Marie Baraban-Cahagnet (1865-vers 1950)
Artiste peintre française, Blanche-Marie Baraban-Cahagnet est reconnue pour ses œuvres représentant des natures mortes ou des compositions florales.
Le petit tableau que nous présentons ici est donc original par sa rareté dans les réalisations de l’artiste.
Nos recherches nous ont permis de trouver une trace du mariage de l’artiste à la fin du XIXe siècle avec Louis Charles Cahagnet dans la ville de Niort, à la fin du XIXe siècle. Nous avons réussi ainsi à identifier avec certitude l’église représentée par Blanche-Marie Baraban-Cahagnet sur notre tableau. Il s’agit de l’église Saint-André de la ville de Niort, l’un des plus anciens monuments religieux de la ville.
Bâtie pendant la seconde moitié du XIXe siècle sur l’une des deux collines de Niort, elle domine le vieux port et la Sèvre niortaise. Inscrite aux Monuments Historiques depuis 2015 et parfaitement reconnaissable avec ses deux tours surmontées de flèches, elle se caractérise par son style néogothique.
D’époque tout début XXe siècle, voire de la fin du XIXe siècle, notre tableau est particulièrement mis en valeur par son cadre doré d’époque, au décor de perles et de palmettes.
Remarquable par la finesse de ses traits, particulièrement dans la représentation du reflet dans la rivière des deux flèches de l’église, le petit format de notre huile sur panneau lui permettra de s’intégrer aisément dans une décoration d’intérieur en apportant un réel témoignage historique de la ville de Niort à l’aube du XXe siècle.
Blanche-Marie Baraban-Cahagnet est une artiste cotée dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
Lucien Quénard (1902-1995)
« Crique à Saint-Raphaël »
Huile sur panneau, vernissée
Représente une crique du massif de l’Esterel, proche de Saint-Raphaël
Signé en bas à gauche
Certificat d’expertise au dos du tableau
Epoque XXe siècle
Dimensions : panneau 73 x 40 cm (à vue) / avec cadre 80 x 47 cm
Prix de vente : 70,00 €
Lucien Quénard (1902-1995)
Artiste français, Lucien Quénard avait son atelier en Isère, dans la ville de Grenoble. Membre de la Société dauphinoise des Beaux Arts et de l’Académie de Peinture du Dauphiné, il est particulièrement renommé pour ses œuvres réprésentant des paysages de montagnes.
Son style post-impressioniste et plutôt classique lui a permis de remporter de nombreux prix dans les salons et expositions auxquels il a participé en France, notamment à Paris, Grenoble et Nice.
C’est probablement au cours de l’un de ses séjours dans le sud de la France que Lucien Quénard a peint le tableau que nous présentons aujourd’hui.
Titré « Crique à Saint-Raphaël », il s’inscrit pleinement dans le style post-impressioniste de l’artiste, avec cette représentation des rochers du Massif de l’Esterel, plongeant dans le bleu de la mer Méditerranée. Les formes ondulantes et les couleurs données aux rochers font ressentir la chaleur du paysage.
Le massif montagneux volcanique de l’Esterel, entre Provence et Méditerranée, se caractérise effectivement par ses roches rouges créant des reliefs très accidentés, se jetant dans la Mer Méditerranée entre les départements des Alpes Maritimes et du Var. Le Mont Vinaigre, point culminant du massif avec une altitude d’un peu plus de 610 mètres, offre une superbe vue sur les baies de St-Raphaël et de Cannes.
Lucien Quénard est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art. Pour information, un certificat d’expertise est associé à notre tableau.
Nicolas Arnoult (1650-1722)
« Homme de Qualité »
Estampe ancienne
Gravure Eau-forte et burin
Représente un Noble d’époque Louis XIV
Titrée, signée et datée 1687 en bas à droite
Cadre en bois et stuc doré (Fin XIXe siècle)
Epoque XVIIe siècle
Dimensions : gravure 17 x 28 cm / avec cadre 28 x 40 cm
Prix de vente : 70,00 €
Nicolas Arnoult (1650-1722)
Né en 1650 et mort à Paris en 1722, Nicolas Arnoult est un graveur français en taille douce, spécialisé dans l’édition d’estampes de mode réalisées à l’eau-forte et au burin. Son atelier était installé Rue de la Fromagerie à Paris, rue qui n’existe plus depuis le milieu du XIXe siècle.
Très renommé pour l’ensemble de ses gravures toutes réalisées entre la fin du XVIIIe siècle et le début du XIXe siècle, Nicolas Arnoult est présent dans toutes les collections des plus grands musées nationaux et internationaux. Nos recherches nous ont permis de vérifier qu’un exemplaire de notre gravure est présent dans les collections du Musée du Louvre à Paris.
Présentée dans un cadre en bois et stuc doré probablement d’époque XIXe siècle et rehaussée de couleurs, notre estampe s’inscrit totalement dans les œuvres de l’artiste, avec la représentation d’un noble de l’époque de Louis XIV. La texture du papier utilisé est de nature à attester qu’il s’agit bien d’une œuvre de la fin du XVIIe siècle, ce qui est confirmé par la date «1687» indiquée sur la gravure.
Notre gravure possède également la particularité d’indiquer l’adresse de l’atelier de Nicolas Arnoult, avec la mention «Se vend à Paris chez N. Arnoult, rue de la fromagerie à l’image St. Claude, aux halles, avec Privilège du Roy». Pour rappel, le Privilège du Roi permet de publier un ouvrage ou une estampe avec l’accord de l’autorité royale, après examen et approbation par les censeurs royaux.
Nicolas Arnoult est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
Gravure Eau-forte et burin
L’eau-forte est un procédé de gravure en taille indirecte ou taille-douce sur une plaque métallique à l’aide d’un acide. A l’origine, cette appellation «eau-forte» fait référence au nom d’une solution d’acide nitrique diluée d’eau («Aqua Fortis»).
Technique de gravure déjà présente chez les artisans du Moyen-Age pour l’impression sur papier, elle est souvent associée à la gravure au burin. Dans ce cas, un dessin préliminaire est créé à l’eau-forte avant d’être finalisé au burin.
Ce mode d’association «Eau-forte / Burin» est souvent cité pour les estampes réalisées par Nicolas Arnoult.
VENDU
« Le port de Bordeaux face au pont de pierre »
Huile sur toile, marouflée sur carton
Représente des péniches amarrées dans le port de Bordeaux, près du pont de pierre
Epoque Milieu XXe siècle
Dimensions : panneau 64 x 55 cm / avec cadre 70 x 59 cm
Prix de vente : 40,00 €
Avec sa représentation de péniches amarrées dans le port de Bordeaux, près du pont de pierre, notre tableau nous donne l’occasion de redécouvrir succinctement l’histoire de ce port, appelé « Port de la Lune ».
Traversée par la Garonne et idéalement placée à l’embouchure de l’estuaire de la Gironde, la ville de Bordeaux a toujours bénéficié depuis ses origines d’un accès privilégié à l’océan atlantique.
Bordeaux est ainsi devenu un grand port français, connu sous le nom de « Port de la lune ». Cette appellation peu commune ferait allusion au large méandre en forme de croissant décrit par la Garonne pendant sa traversée de la ville. Il est à noter que le croissant de lune figure sur les armoiries de Bordeaux, même dans leur version la plus ancienne remontant au Moyen-Age.
Cette partie du fleuve longeant le cœur historique de Bordeaux a été le symbole pendant des décennies de la prospérité économique portuaire de la ville. Après le déplacement des activités portuaires en aval de la Garonne et le long des bords de l’estuaire de la Gironde, ce quartier de Bordeaux est surtout dédié aux animations touristiques. C’est ce même quartier qui est inscrit depuis 2007 au Patrimoine Mondial de l’Unesco, sous l’appellation « Bordeaux, Port de la Lune », ce qui a remis sous les feux de l’actualité le nom historique du port de Bordeaux.
Notre tableau présente également le « pont de pierre », le plus ancien et le plus célèbre des 8 ponts qui traversent la Garonne à Bordeaux.
Premier pont de l’histoire de Bordeaux, la construction du pont de pierre est due à l’empereur Napoléon 1er. Commencé en 1810, le pont est achevé en 1822. D’une longueur de près de 500 mètres, il est constitué de 17 arches et sera jusqu’au début des années 1970 le seul pont réunissant les rives droite et gauche au niveau du centre historique de la ville.
Véritable emblème architectural du cœur de la ville de Bordeaux, le pont de pierre est inscrit depuis fin 2002 au titre des monuments historiques.
Véritable témoignage du port de Bordeaux probablement vers le milieu du XXe siècle, notre tableau se caractérise par le jeu des couleurs utilisées par l’artiste et un style pictural amenant une réelle profondeur à l’ensemble de l’œuvre.
« Le port de Camaret-sur-Mer »
Joseph Radan (XIXe-XXe)
Huile sur toile
Représente une vue du port de Camaret-sur-Mer en Bretagne, animée de plusieurs personnages
Signée et datée « 36 » pour 1936
Ecole postimpressioniste
Dimensions : 65 x 50 cm
Prix de vente : 150,00 €
Très peu d’informations sont disponibles sur Joseph Radan, peintre français probablement né à la fin du XIXe siècle et actif dans la première moitié du XXe siècle.
Quelques-unes de ses toiles sont identifiées sur le marché de l’Art et sont d’un style très caractéristique de l’artiste, inspiré de l’école impressionniste avec des touches de couleurs dans les tons pastel.
Signé par Joseph Radan et daté « 36 » pour 1936, notre tableau représente le port de Camaret-sur-Mer, dans le département du Finistère, en Bretagne.
Port breton typique situé à la pointe de la presqu’île de Crozon, Camaret-sur-Mer est célèbre pour ses deux monuments construits sur sa jetée, appelée « sillon » : la chapelle Notre-Dame de Rocamadour et la tour Vauban.
Erigée au début du XVIe siècle, la chapelle Notre-Dame de Rocamadour a été ensuite détruite au cours de combats navals entre Français et Anglais, puis reconstruite au XVIIe siècle. Aujourd’hui, le pardon de Notre-Dame de Rocamadour est célébré chaque année en septembre.
La Tour Vauban est une tour de défense, construite à la fin du XVIIe siècle, à la demande de l’ingénieur militaire français Sébastien Le Prestre de Vauban, dit « Vauban » (1633-1707). Elle avait pour but essentiel de protéger la rade de Brest contre les invasions ennemies. Son utilisation militaire perdurera jusqu’à la fin du XIXe siècle. Classée Monument historique depuis le début du XXe siècle et inscrite au patrimoine mondial de l’UNESCO depuis 2008, la tour Vauban figure sur les armoiries de la ville de Camaret-sur-Mer.
Ces deux monuments célèbres de Camaret-sur-Mer apparaissent en fond sur notre tableau, dans sa partie haute centrale. Au vu des perspectives, nous pouvons penser que Joseph Radan avait posé son chevalet sur le quai Gustave Doudouze qui fait face au « sillon ».
Gustave Doudouze (1847-1904), célèbre écrivain aimait passer ses étés à Camaret-sur-Mer. Il y a d’ailleurs côtoyé Eugène Boudin (1824-1898) qui y séjournait également régulièrement depuis le milieu du XIXe siècle et qui a fréquemment peint le port, la chapelle Notre-Dame de Rocamadour et la tour Vauban.
Aujourd’hui, une partie du port de plaisance de Camaret-sur-Mer s’est étendu à l’est de la tour Vauban, mais bien évidemment, il ne figure pas sur notre tableau car il n’existait pas en 1936, date de réalisation de notre tableau.
Joseph Radan nous apporte donc par son œuvre un réel témoignage historique sur le port de Camaret-sur-Mer, tel qu’il était dans les années 1930.
Il émane de l’ensemble du tableau l’atmosphère d’activité portuaire de l’époque , avec l’entrée et la sortie de barques, associées à une sensation de calme serein créé par le ton pastel des couleurs déposées par l’artiste par petites touches de pinceau, dans un style postimpressioniste.
VENDU
« Bouquet de fleurs »
Huile au couteau, sur panneau, encadrée
Représente un bouquet de fleurs dans un pichet
Signé « Patricia M » en bas à droite
Etiquette anglaise d’encadrement
Epoque Milieu XXe siècle
Dimensions : 29 x 39 cm (panneau) / 38 x 48 cm (avec cadre)
Prix de vente : 20,00 €
Nos recherches n’ont pas permis d’identifier précisément l’artiste qui signe ses œuvres du nom de « Patricia M ». En revanche, l’étiquette d’encadrement présente au dos du tableau pourrait laisser penser qu’elle est de nationalité anglaise.
La spécificité de l’œuvre réalisée sur panneau réside dans les ajouts de peinture au couteau, avec d’importants empâtements accentuant le relief des pétales des fleurs.
Par la finesse de ses traits et sa richesse de couleurs, notre tableau d’époque probablement milieu du XXe siècle, pourra participer pleinement à une décoration d’intérieur.
VENDU
André-Charles Nauleau
(1908-1986)
« Moulin du bocage – Bournezeau »
Huile sur toile, encadrée
Représente un moulin situé à Bournezeau, dans le bocage vendéen
Signé en bas à droite et titré au dos
Etiquette et Numéro d’exposition au dos
Cadre ancien, en bois, dans le style « Montparnasse »
Epoque Mileu des années 1970
Dimensions : 55 x 46 cm (toile) / 72 x 63 cm (avec cadre)
Prix de vente : 60,00 €
Artiste français né en 1908 et décédé en 1986, André-Charles Nauleau a passé sa vie à la Roche-sur-Yon, ville du département de la Vendée. Avec ses œuvres très influencées par la campagne vendéenne, il participe dès la fin des années 1940 à plusieurs expositions et salons tel que le Salon National des beaux-Arts.
C’est à partir des années 1960 qu’André-Charles Nauleau acquiert une réelle renommée, avec des tableaux faisant preuve d’une vraie plénitude, et ce jusque ses dernières réalisations dans les années 1980.
Le bocage vendéen, avec ses marais, ses fermes et ses moulins reste pour l’artiste une source inépuisable d’inspiration.
D’après le titre indiqué au dos de la toile, nous pouvons affirmer que notre tableau est caractéristique de l’œuvre d’André-Charles Nauleau, avec la représentation d’un moulin du bocage, situé à Bournezeau, commune vendéenne d’environ 4000 habitants. Il est probable que le moulin peint par l’artiste est celui qui est présent à l’entrée de cette commune, réputée pour ses moulins dès le XIXe siècle.
Avec son cadre d’époque en bois de style « Montparnasse », notre tableau a probablement fait l’objet d’une exposition au milieu des années 1970, ce qui est confirmé par le numéro et l’étiquette d’exposition présents au dos de la toile. L’étiquette retrace l’historique des Salons, des expositions et des prix reçus par Andre-Charles Nauleau jusqu’en 1973.
André-Charles Nauleau est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
VENDU
« Dans les fougères »
Jean-Pierre Blaess (?-2017)
Huile sur toile, encadrée
Représente un sous-bois automnal
Signé en bas à droite
Contresigné, titré et daté « 94 » au dos
Dimensions : Toile 55 x 46 cm / avec cadre 68 x 59 cm
Prix de vente : 30,00 €
Issu d’une famille de peintres, Jean-Pierre Blaess est un artiste local à l’origine de la création à la fin des années 90 de l’Ecole des Bords de Marne dans le département du Val-de-Marne.
Reconnu par ses réalisations de paysages extérieurs dans un style rappelant la peinture impressionniste, il expose régulièrement ses œuvres en Ile-de-France.
C’est au début des années 2000 que Jean-Pierre Blaess vient se fixer dans le Nord du Médoc, à Soulac-sur-Mer.
Fidèle à ses envies de partage de la peinture en plein air, il est à l’origine de la création de l’Association « Médoc en Peinture », toujours existante aujourd’hui. Accompagné de ses amis artistes, il a présenté régulièrement ses œuvres dans diverses expositions locales.
Avec ses rehauts de peinture, notre tableau s’inscrit pleinement dans le style impressionniste de Jean-Pierre Blaess. La richesse des tonalités et les touches de couleurs déposées par l’artiste confèrent à l’œuvre une réelle profondeur.
VENDU
Jean-Claude Barthel (1955)
« Kerguelen »
Acrylique sur toile, encadrée
Représentation abstraite de l’île de Kerguelen
Signé en bas à droite
Titré, daté « 2006 » et contresigné au dos
Dimensions : 55 x 46 cm (toile) / 68 x 49 cm (avec cadre)
Prix de vente : 35,00 €
L’art abstrait a pour volonté d’explorer les formes et les couleurs, en transfigurant le réel. Très présent dans le monde de l’art contemporain, il est particulièrement appécié pour sa mise en valeur des émotions tout en s’affranchissant du réalisme du thème traité. L’approche fréquemment minimaliste des œuvres renforce le jeu des couleurs utilisées par l’artiste.
Artiste peintre français, Jean-Claude Barthel s’inscrit totalement dans ce mouvement de l’art abstrait, avec ses représentations d’environnements naturels et fragiles, aux lignes très épurées et aux couleurs accentuant toujours les reliefs et les mouvements.
Titré « Kerguelen » et daté « 2006 », notre tableau est un réel témoignage de l’œuvre de Jean-Claude Barthel par son évocation abstraite de l’île de Kerguelen, s’appuyant sur une finesse du trait et sur une rélle luminosité qui exalte les couleurs posées sur la toile.
Petite île inhabitée se situant au milieu de la Loire (commune d’Ancenis-Saint-Géréon en Loire-Atlantique), Kerguelen est riche d’un habitat naturel typique des prairies humides. Plusieurs actions de préservation de la biodiversité y sont menées par le Conservatoire des espaces naturels des Pays de Loire.
« Au bord du chemin »
Huile sur panneau
Paysage en clair-obscur
Signé « FA MI » en bas à droite, pour Michel Favreau
Titré, signé et daté « 1943 » au dos
Cadre Bois et Stuc doré, à décor de lauriers, perles et torsades
Dimensions : 16 x 13 cm (panneau) / 34 x 29.5 cm (avec cadre)
Prix de vente : 55,00 €
Remarquable par la qualité et l’ancienneté de son encadrement d’époque XIXe siècle, notre tableau représente une scène campagnarde, avec deux personnages au bord d’un chemin.
Daté « 1943 » et signé au dos, l’artiste Michel Favreau précise de sa main que le tableau a été « peint d’imagination », avec un clair-obscur particulièrement bien exécuté. La finesse des détails de l’œuvre vient ajouter au réalisme et à la profondeur de la scène.
Très peu d’informations sont disponibles sur Michel Favreau et nos recherches n’ont pas permis de retracer sa biographie.
Le décor de l’encadrement, aux feuilles de lauriers et aux perles incrustées dans une torsade, permettra à ce tableau d’apporter une note très douce et très XIXe siècle dans une décoration d’intérieur.
VENDU
« Port de pêche en Bretagne »
Huile sur toile, encadrée
Représente une vue d’un port de pêche breton, animée de personnages
Ecole française classique XIXe siècle
Trace de signature, en bas à gauche
Cadre d’époque en bois doré à décor de feuillages et de médaillons
Epoque Début XIXe siècle
Dimensions : toile 65 x 50 cm / avec cadre 83 x 67 cm
Prix de vente : 200,00 €
Dans le plus pur style de l’Ecole Française classique du XIXe siècle, notre tableau représente un port de pêche animé du début du XIXe siècle. Le port est très probablement situé en Bretagne au vu des vêtements portés par les personnages féminins.
La toile porte une trace de signature en bas à gauche, peu lisible. Suite à nos recherches, le tableau pourrait être attribué à Charles Goureau, peintre français actif au début du XIXe siècle. Ceci reste cependant à confirmer car peu d’informations sont disponibles sur cet artiste qui aurait exposé quelques œuvres dans différents salons artistiques du début du XIXe siècle.
Avec son cadre d’époque en bois doré agrémenté de médaillons, notre tableau est un véritable témoignage de l’Ecole Française classique du début du XIXe siècle. Il s’inscrit pleinement dans le style de cette école, alliant la tourmente d’un ciel chargé de nuages à la finesse des personnages représentés.
VENDU
« Gerbe fleurie »
Peinture sur tôle, encadrée
Représente une gerbe de fleurs
Signée en bas à gauche
Cadre en bois doré, à ouverture ovale, à décor de feuilles et de rinceaux
Epoque Début XXe siècle
Dimensions : Tôle 16 x 48 cm (à vue) / avec cadre 29.5 x 63 cm
Prix de vente : 60,00 €
L’originalité de notre tableau réside dans l’utilisation d’une tôle comme support de la gerbe de fleurs représentée par l’artiste. La signature de ce dernier est présente en bas à gauche, mais nos recherches n’ont pas permis de l’identifier avec certitude.
Il est à noter que cet artiste se caractérise par la finesse du dessin des fleurs et des feuilles, associée parfaitement à une palette de couleurs particulièrement variée, ce qui confère à l’œuvre une réelle profondeur.
D’époque probablement début XXe siècle, le cadre en bois doré se caractérise par son ouverture de forme ovale, cernée d’un riche décor sculpté de feuilles et de rinceaux.
VENDU
« Bords de quai »
Jean-Pierre Blaess (?-2017)
Huile sur toile, encadrée
Représente un bord de quai, proche d’un pont
Situé probablement en bord de Marne, dans le Val de Marne
Signé en bas à droite
Daté « 92 » pour l’année 1992
Dimensions : Toile 46 x 38 cm / avec cadre 59 x 51 cm
Prix de vente : 20,00 €
Issu d’une famille de peintres, Jean-Pierre Blaess est un artiste local à l’origine de la création à la fin des années 90 de l’Ecole des Bords de Marne dans le département du Val-de-Marne.
Reconnu par ses réalisations de paysages extérieurs dans un style rappelant la peinture impressionniste, il expose régulièrement ses œuvres en Ile-de-France.
C’est au début des années 2000 que Jean-Pierre Blaess vient se fixer dans le Nord du Médoc, à Soulac-sur-Mer.
Fidèle à ses envies de partage de la peinture en plein air, il est à l’origine de la création de l’Association « Médoc en Peinture », toujours existante aujourd’hui. Accompagné de ses amis artistes, il a présenté régulièrement ses œuvres dans diverses expositions locales.
Concernant notre tableau qui s’inscrit pleinement dans le style de Jean-Pierre Blaess, nous pouvons supposer qu’il représente un bord de Marne, au vu de la date figurant en bas de l’œuvre (1992).
VENDU
« Homme à la moustache »
Huile sur toile, encadrée
Représente le visage d’un homme portant une moustache
Signé en haut à gauche
Cadre en bois doré
Epoque Fin XIXe siècle Début XXe siècle
Dimensions : toile 46 x 55 cm / avec cadre 55 x 64 cm
Prix de vente : 50,00 €
Probablement d’époque Fin XIXe siècle Début XXe siècle, notre huile sur toile représente un homme d’âge mûr, portant une moustache. L’encadrement en bois doré est certainement plus tardif, de la première moitié du XXe siècle.
L’originalité de notre tableau réside dans l’autorité naturelle qui émane du portrait, accentuée par le regard du personnage.
L’œuvre est signée en haut à gauche, mais nos recherches ne nous ont pas permis d’identifier l’artiste qui a réalisé ce portrait.
VENDU
« Homme à la barbe blanche »
Huile sur carton, encadrée
Représente le visage d’un homme âgé
Signé en bas à droite et daté « 49 » pour 1949
Cadre Fin XIXe siècle, en bois doré, de style Régence, à décor de coquilles et d’entrelacements de branches
Dimensions : carton 33 x 43 cm / avec cadre 53 x 63 cm
Prix de vente : 90,00 €
Représentant le portait d’un homme âgé et datée en bas à droite « 49 » pour 1949, notre huile sur carton est signée mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier avec certitude l’artiste qui a réalisé ce portrait.
La particularité de notre tableau est la qualité de son encadrement en bois doré, probablement d’époque XIXe siècle. La richesse des ornements présents, associant coquilles, feuilles d’acanthes et entrelacements de branches, l’inscrit dans un style « Régence » s’inspirant de décors de l’époque Louis XIV.