Les Tableaux

Edouard Athénosy (1859-1934)

« Matinée de printemps »

Huile sur carton, encadrée

Représente un paysage d’arbres fleuris, au printemps

Signée « Ed. Athénosy », en bas à droite

Datée « 19 3 1911 » en bas à gauche

Titrée au dos

Dédicace écrite à la plume de la main de l’artiste au dos du carton, signée et datée « Mai 1912 »

Cadre en bois doré, à décor perlé

Dimensions : panneau 17.5 x 9 cm / avec cadre 23.5 x 15 cm 

Prix de vente : 95,00 €

Artiste français né dans le Vaucluse, Edouard Athénosy (1859-1934) est renommé pour ses réprésentations de la campagne avignonnaise à différentes saisons, très fréquemment en petits formats sur carton.

Ses œuvres se distinguent par la précision du dessin et la finesse des touches de peinture déposées par l’artiste, avec une lumière jouant avec le ciel qui a toujours une part importante dans les œuvres d’Edouard Athénosy.

Avec son petit format s’inscrivant totalement dans les oeuvres de l’artiste, notre tableau peut s’apparenter à une autre création du peintre réalisée dans les environs de la commune des « Angles » dans le Gard et limitrophe de la ville d’Avignon.

Les arbres sont peints avec une réelle finesse et sont probablement des amandiers en fleurs, la production d’amandes étant une activité importante dans le département du Vaucluse jusqu’au début du XXe siècle.

L’originalité de notre tableau réside dans la présence au dos du carton d’une dédicace d’Edouard Athénosy, écrite de sa main à la plume, signée et datée « Mai 1912 ». L’artiste a également inscrit lui-même le titre de son œuvre : « Matinée de printemps ».

Véritable témoignage historique, cette dédicace confère ainsi une rélle rareté émouvante à notre tableau, qui apportera, par la douceur qui en émane, une note très poétique dans une décoration d’intérieur.

Edouard Athénosy est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

 Raphaël Drouart (1894-1972)

« Maisons de pêcheurs

à Saint-Martin-de-Ré »

Gravure rehaussée de couleurs

               Représentation de maisons de pêcheurs, dans le port           de Saint-Martin-de-Ré, sur l’île de Ré

Située dans le coin inférieur gauche

Signée en bas à droite « R. Drouart »

Dimensions : gravure 21 x 14.5 cm / avec cadre 41 x 31 cm

Prix de vente : 165,00 €

Raphaël Drouart (1894-1972)

Graveur français, Raphaël Drouart est reconnu également pour ses activités de peintre et d’illustrateur. Mais sa renommée est essentiellement due à sa maîtrise de l’ensemble des techniques de gravures, telles que l’eau-forte et la lithographie.

Après avoir travaillé en tant qu’illustrateur de revues dans les années 1920, il se consacre ensuite plus particulièrement à l’art de la gravure. Dans les années 1930, il publiera plusieurs recueils de lithographies, composés de portraits, de nus ou de natures mortes. De nombreux musées nationaux et internationaux présentent encore aujourd’hui au public les œuvres de Raphaël Drouart.

Des années 1940 aux années 1960, il installe son atelier sur l’île de Ré, dans le village des Portes-en-Ré. Il y réalisera plusieurs gravures des villages et paysages qui l’entourent.

Notre gravure s’inscrit donc totalement dans les réalisations de l’artiste pendant cette période, avec la représentation de maisons de pêcheurs du port de Saint-Martin-de-Ré dans les années 1950.

A une vingtaine de kilomètres des Portes-en-Ré, Saint-Martin-de-Ré, chef-lieu de l’île de Ré, est l’un des ports les plus importants de l’île. La richesse de la commune s’appuie principalement sur ses activités de pêche et de tourisme.

Fondé au Moyen-Age, Saint-Martin-de-Ré est également célèbre pour sa citadelle et ses fortifications érigées au XVIIe siècle par le Marquis de Vauban (1633-1707), ingénieur militaire du Roi Louis XIV (1638-1715). Ce patrimoine historique a permis à la commune d’être inscrite en 2008 au patrimoine mondial de l’UNESCO.

Raphaël Drouart est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Andrée Michel (1908 – 1975)

« Bouquet de fleurs »

Aquarelle sur papier, encadrée 

Signée en bas à droite 

Dimensions : à vue 30 x 40 cm / avec cadre 37 x 47 cm

Prix de vente : 35,00 €

Andrée MICHEL (1908-1975)

Andrée Michel est une artiste contemporaine du XXe siècle.

Elle obtient le Prix de la Ville de Paris en 1945 pour ses œuvres consacrées aux paysages parisiens.

Ses représentations de bouquets de fleurs sont également réputées et l’aquarelle que nous présentons ici s’inscrit dans cette partie des œuvres de l’artiste.

Andrée Michel est une artiste cotée dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

« Promenade au parc »

Aquarelle ancienne « Miniature », encadrée sous verre

Scène champêtre représentant 3 jeunes femmes aristocrates en promenade au parc

Signée en bas à droite

Ecole française du XVIIIe siècle

Epoque Fin XVIIIe

Dimensions : 7 x 8.5 cm (à vue) / 9.5 x 11 cm (avec cadre)

Prix de vente : 40,00 €

Caractéristique du XVIIIe siècle la scène champêtre montre des personnages de l’aristocratie de l’époque, représentés au milieu de la nature.

Notre aquarelle « Miniature » s’inscrit totalement dans ce genre artistique, avec une scène champêtre animée de trois jeunes femmes aristocrates se promenant dans un parc.

L’aquarelle fait plusieurs fois référence au XVIIIe siècle, par la tenue vestimentaire des personnages et le style du jardin.

Habillées à la française, nos trois promeneuses portent un corsage serré, aux manches s’arrêtant aux coudes. Leurs jupes, dites « à la française », sont caractéristiques par leur largeur, obtenue par l’usage d’un « panier » placé sous la jupe.

Nous pouvons également imaginer nos trois aristocrates amusées par la découverte d’une statue antique cachée au détour d’une allée d’un parc, travaillé dans le style des jardins à la française et entourant probablement un château du XVIIIe siècle.

Notre aquarelle porte une signature en bas à droite, mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier l’artiste avec certitude.

Probablement d’époque Fin XVIIIe siècle, notre aquarelle signée possède un réel charme par la scène représentée, accentué par son format « Miniature » qui lui confère une vraie originalité.

Blanche-Marie Baraban-Cahagnet (1865-milieu XXe siècle)

« L’église Saint-André de Niort »

Huile sur panneau, encadrée

Représente l’église Saint-André de la ville de Niort, vue des rives de la Sèvre niortaise

Signée « Bl. Baraban » en bas à droite

Cadre doré d’époque, à décor de perles et de palmettes

Epoque Fin XIXe siècle Début XXe siècle

Dimensions : panneau 12 x 18 cm / avec cadre 21 x 27 cm 

Prix de vente : 40,00 €

Blanche-Marie Baraban-Cahagnet (1865-vers 1950)

Artiste peintre française, Blanche-Marie Baraban-Cahagnet est reconnue pour ses œuvres représentant des natures mortes ou des compositions florales.

Le petit tableau que nous présentons ici est donc original par sa rareté dans les réalisations de l’artiste.

Nos recherches nous ont permis de trouver une trace du mariage de l’artiste à la fin du XIXe siècle avec Louis Charles Cahagnet dans la ville de Niort, à la fin du XIXe siècle. Nous avons réussi ainsi à identifier avec certitude l’église représentée par Blanche-Marie Baraban-Cahagnet sur notre tableau. Il s’agit de l’église Saint-André de la ville de Niort, l’un des plus anciens monuments religieux de la ville.

Bâtie pendant la seconde moitié du XIXe siècle sur l’une des deux collines de Niort, elle domine le vieux port et la Sèvre niortaise. Inscrite aux Monuments Historiques depuis 2015 et parfaitement reconnaissable avec ses deux tours surmontées de flèches, elle se caractérise par son style néogothique.

D’époque tout début XXe siècle, voire de la fin du XIXe siècle, notre tableau est particulièrement mis en valeur par son cadre doré d’époque, au décor de perles et de palmettes.

Remarquable par la finesse de ses traits, particulièrement dans la représentation du reflet dans la rivière des deux flèches de l’église, le petit format de notre huile sur panneau lui permettra de s’intégrer aisément dans une décoration d’intérieur en apportant un réel témoignage historique de la ville de Niort à l’aube du XXe siècle.

Blanche-Marie Baraban-Cahagnet est une artiste cotée dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Lucien Quénard (1902-1995)

« Crique à Saint-Raphaël »

Huile sur panneau, vernissée

Représente une crique du massif de l’Esterel, proche de Saint-Raphaël

Signé en bas à gauche

Certificat d’expertise au dos du tableau

Epoque XXe siècle

Dimensions : panneau 73 x 40 cm (à vue) / avec cadre 80 x 47 cm

Prix de vente : 70,00 €

Lucien Quénard (1902-1995)

Artiste français, Lucien Quénard avait son atelier en Isère, dans la ville de Grenoble. Membre de la Société dauphinoise des Beaux Arts et de l’Académie de Peinture du Dauphiné, il est particulièrement renommé pour ses œuvres réprésentant des paysages de montagnes.

Son style post-impressioniste et plutôt classique lui a permis de remporter de nombreux prix dans les salons et expositions auxquels il a participé en France, notamment à Paris, Grenoble et Nice.

C’est probablement au cours de l’un de ses séjours dans le sud de la France que Lucien Quénard a peint le tableau que nous présentons aujourd’hui.

Titré « Crique à Saint-Raphaël », il s’inscrit pleinement dans le style post-impressioniste de l’artiste, avec cette représentation des rochers du Massif de l’Esterel, plongeant dans le bleu de la mer Méditerranée. Les formes ondulantes et les couleurs données aux rochers font ressentir la chaleur du paysage.

Le massif montagneux volcanique de l’Esterel, entre Provence et Méditerranée, se caractérise effectivement  par ses roches rouges créant des reliefs très accidentés, se jetant dans la Mer Méditerranée entre les départements des Alpes Maritimes et du Var. Le Mont Vinaigre, point culminant du massif avec une altitude d’un peu plus de 610 mètres, offre une superbe vue sur les baies de St-Raphaël et de Cannes.

Lucien Quénard est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art. Pour information, un certificat d’expertise est associé à notre tableau.

Nicolas Arnoult (1650-1722)

« Homme de Qualité »

Estampe ancienne

Gravure Eau-forte et burin

Représente un Noble d’époque Louis XIV

Titrée, signée et datée 1687 en bas à droite

Cadre en bois et stuc doré (Fin XIXe siècle)

Epoque XVIIe siècle

Dimensions : gravure 17 x 28 cm / avec cadre 28 x 40 cm

Prix de vente : 70,00 €

Nicolas Arnoult (1650-1722)

Né en 1650 et mort à Paris en 1722, Nicolas Arnoult est un graveur français en taille douce, spécialisé dans l’édition d’estampes de mode réalisées à l’eau-forte et au burin. Son atelier était installé Rue de la Fromagerie à Paris, rue qui n’existe plus depuis le milieu du XIXe siècle.

Très renommé pour l’ensemble de ses gravures toutes réalisées entre la fin du XVIIIe siècle et le début du XIXe siècle, Nicolas Arnoult est présent dans toutes les collections des plus grands musées nationaux et internationaux. Nos recherches nous ont permis de vérifier qu’un exemplaire de notre gravure est présent dans les collections du Musée du Louvre à Paris.

Présentée dans un cadre en bois et stuc doré probablement d’époque XIXe siècle et rehaussée de couleurs, notre estampe s’inscrit totalement dans les œuvres de l’artiste, avec la représentation d’un noble de l’époque de Louis XIV. La texture du papier utilisé est de nature à attester qu’il s’agit bien d’une œuvre de la fin du XVIIe siècle, ce qui est confirmé par la date «1687» indiquée sur la gravure.

Notre gravure possède également la particularité d’indiquer l’adresse de l’atelier de Nicolas Arnoult, avec la mention «Se vend à Paris chez N. Arnoult, rue de la fromagerie à l’image St. Claude, aux halles, avec Privilège du Roy». Pour rappel, le Privilège du Roi permet de publier un ouvrage ou une estampe avec l’accord de l’autorité royale, après examen et approbation par les censeurs royaux.

Nicolas Arnoult est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Gravure Eau-forte et burin

L’eau-forte est un procédé de gravure en taille indirecte ou taille-douce sur une plaque métallique à l’aide d’un acide. A l’origine, cette appellation «eau-forte» fait référence au nom d’une solution d’acide nitrique diluée d’eau («Aqua Fortis»).

Technique de gravure déjà présente chez les artisans du Moyen-Age pour l’impression sur papier, elle est souvent associée à la gravure au burin. Dans ce cas, un dessin préliminaire est créé à l’eau-forte avant d’être finalisé au burin.

Ce mode d’association «Eau-forte / Burin» est souvent cité pour les estampes réalisées par Nicolas Arnoult.

« Le port de Bordeaux face au pont de pierre »

Huile sur toile, marouflée sur carton

Représente des péniches amarrées dans le port de Bordeaux, près du pont de pierre

Epoque Milieu XXe siècle

Dimensions : panneau  64 x 55 cm / avec cadre 70 x 59 cm 

Prix de vente : 40,00 €

Avec sa représentation de péniches amarrées dans le port de Bordeaux, près du pont de pierre, notre tableau nous donne l’occasion de redécouvrir succinctement l’histoire de ce port, appelé « Port de la Lune ».

Traversée par la Garonne et idéalement placée à l’embouchure de l’estuaire de la Gironde, la ville de Bordeaux a toujours bénéficié depuis ses origines d’un accès privilégié à l’océan atlantique.

Bordeaux est ainsi devenu un grand port français, connu sous le nom de « Port de la lune ». Cette appellation peu commune ferait allusion au large méandre en forme de croissant décrit par la Garonne pendant sa traversée de la ville. Il est à noter que le croissant de lune figure sur les armoiries de Bordeaux, même dans leur version la plus ancienne remontant au Moyen-Age.

Cette partie du fleuve longeant le cœur historique de Bordeaux a été le symbole pendant des décennies de la prospérité économique portuaire de la ville. Après le déplacement des activités portuaires en aval de la Garonne et le long des bords de l’estuaire de la Gironde, ce quartier de Bordeaux est surtout dédié aux animations touristiques. C’est ce même quartier qui est inscrit depuis 2007 au Patrimoine Mondial de l’Unesco, sous l’appellation « Bordeaux, Port de la Lune », ce qui a remis sous les feux de l’actualité le nom historique du port de Bordeaux.

Notre tableau présente également le « pont de pierre », le plus ancien et le plus célèbre des 8 ponts qui traversent la Garonne à Bordeaux.

Premier pont de l’histoire de Bordeaux, la construction du pont de pierre est due à l’empereur Napoléon 1^er. Commencé en 1810, le pont est achevé en 1822. D’une longueur de près de 500 mètres, il est constitué de 17 arches et sera jusqu’au début des années 1970 le seul pont réunissant les rives droite et gauche au niveau du centre historique de la ville.

Véritable emblème architectural du cœur de la ville de Bordeaux, le pont de pierre est inscrit depuis fin 2002 au titre des monuments historiques.

Véritable témoignage du port de Bordeaux probablement vers le milieu du XXe siècle, notre tableau se caractérise par le jeu des couleurs utilisées par l’artiste et un style pictural amenant une réelle profondeur à l’ensemble de l’œuvre. 

« Le port de Camaret-sur-Mer »

Joseph Radan (XIXe-XXe)

Huile sur toile

Représente une vue du port de Camaret-sur-Mer en Bretagne, animée de plusieurs personnages

Signée et datée « 36 » pour 1936

Ecole postimpressioniste

Dimensions : 65 x 50 cm 

Prix de vente : 150,00 €

Très peu d’informations sont disponibles sur Joseph Radan, peintre français probablement né à la fin du XIXe siècle et actif dans la première moitié du XXe siècle.

Quelques-unes de ses toiles sont identifiées sur le marché de l’Art et sont d’un style très caractéristique de l’artiste, inspiré de l’école impressionniste avec des touches de couleurs dans les tons pastel.

Signé par Joseph Radan et daté « 36 » pour 1936, notre tableau représente le port de Camaret-sur-Mer, dans le département du Finistère, en Bretagne.

Port breton typique situé à la pointe de la presqu’île de Crozon, Camaret-sur-Mer est célèbre pour ses deux monuments construits sur sa jetée, appelée « sillon » : la chapelle Notre-Dame de Rocamadour et la tour Vauban.

Erigée au début du XVIe siècle, la chapelle Notre-Dame de Rocamadour a été ensuite détruite au cours de combats navals entre Français et Anglais, puis reconstruite au XVIIe siècle. Aujourd’hui, le pardon de Notre-Dame de Rocamadour est célébré chaque année en septembre.

La Tour Vauban est une tour de défense, construite à la fin du XVIIe siècle, à la demande de l’ingénieur militaire français Sébastien Le Prestre de Vauban, dit « Vauban » (1633-1707). Elle avait pour but essentiel de protéger la rade de Brest contre les invasions ennemies. Son utilisation militaire perdurera jusqu’à la fin du XIXe siècle. Classée Monument historique depuis le début du XXe siècle et inscrite au patrimoine mondial de l’UNESCO depuis 2008, la tour Vauban figure sur les armoiries de la ville de Camaret-sur-Mer.

Ces deux monuments célèbres de Camaret-sur-Mer apparaissent en fond sur notre tableau, dans sa partie haute centrale. Au vu des perspectives, nous pouvons penser que Joseph Radan avait posé son chevalet sur le quai Gustave Doudouze qui fait face au « sillon ».

Gustave Doudouze (1847-1904), célèbre écrivain aimait passer ses étés à Camaret-sur-Mer. Il y a d’ailleurs côtoyé Eugène Boudin (1824-1898) qui y séjournait également régulièrement depuis le milieu du XIXe siècle et qui a fréquemment peint le port, la chapelle Notre-Dame de Rocamadour et la tour Vauban.

Aujourd’hui, une partie du port de plaisance de Camaret-sur-Mer s’est étendu à l’est de la tour Vauban, mais bien évidemment, il ne figure pas sur notre tableau car il n’existait pas en 1936, date de réalisation de notre tableau.

Joseph Radan nous apporte donc par son œuvre un réel témoignage historique sur le port de Camaret-sur-Mer, tel qu’il était dans les années 1930.

Il émane de l’ensemble du tableau l’atmosphère d’activité portuaire de l’époque , avec l’entrée et la sortie de barques, associées à une sensation de calme serein créé par le ton pastel des couleurs déposées par l’artiste par petites touches de pinceau, dans un style postimpressioniste.

« Bouquet de fleurs »

Huile au couteau, sur panneau, encadrée

Représente un bouquet de fleurs dans un pichet

Signé « Patricia M » en bas à droite

Etiquette anglaise d’encadrement

Epoque Milieu XXe siècle

Dimensions : 29 x 39 cm (panneau) / 38 x 48 cm (avec cadre)

Prix de vente : 20,00 €

Nos recherches n’ont pas permis d’identifier précisément l’artiste qui signe ses œuvres du nom de « Patricia M ». En revanche, l’étiquette d’encadrement présente au dos du tableau pourrait laisser penser qu’elle est de nationalité anglaise.

La spécificité de l’œuvre réalisée sur panneau réside dans les ajouts de peinture au couteau, avec d’importants empâtements accentuant le relief des pétales des fleurs.

Par la finesse de ses traits et sa richesse de couleurs, notre tableau d’époque probablement milieu du XXe siècle, pourra participer pleinement à une décoration d’intérieur.

André-Charles Nauleau

(1908-1986)

« Moulin du bocage – Bournezeau »

Huile sur toile, encadrée

Représente un moulin situé à Bournezeau, dans le bocage vendéen

Signé en bas à droite et titré au dos

Etiquette et Numéro d’exposition au dos

Cadre ancien, en bois, dans le style « Montparnasse »

Epoque Mileu des années 1970

Dimensions : 55 x 46 cm (toile) / 72 x 63 cm (avec cadre)

Prix de vente : 60,00 €

Artiste français né en 1908 et décédé en 1986, André-Charles Nauleau a passé sa vie à la Roche-sur-Yon, ville du département de la Vendée. Avec ses œuvres très influencées par la campagne vendéenne, il participe dès la fin des années 1940 à plusieurs expositions et salons tel que le Salon National des beaux-Arts.

C’est à partir des années 1960 qu’André-Charles Nauleau acquiert une réelle renommée, avec des  tableaux faisant preuve d’une vraie plénitude, et ce jusque ses dernières réalisations dans les années 1980.

Le bocage vendéen, avec ses marais, ses fermes et ses moulins reste pour l’artiste une source inépuisable d’inspiration.

D’après le titre indiqué au dos de la toile, nous pouvons affirmer que notre tableau est caractéristique de l’œuvre d’André-Charles Nauleau, avec la représentation d’un moulin du bocage, situé à Bournezeau, commune vendéenne d’environ 4000 habitants. Il est probable que le moulin peint par l’artiste est celui qui est présent à l’entrée de cette commune, réputée pour ses moulins dès le XIXe siècle.

Avec son cadre d’époque en bois de style « Montparnasse », notre tableau a probablement fait l’objet d’une exposition au milieu des années 1970, ce qui est confirmé par le numéro et l’étiquette d’exposition présents au dos de la toile. L’étiquette retrace l’historique des Salons, des expositions et des prix reçus par Andre-Charles Nauleau jusqu’en 1973.

André-Charles Nauleau est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

« Dans les fougères »

Jean-Pierre Blaess (?-2017)

Huile sur toile, encadrée

Représente un sous-bois automnal

Signé en bas à droite

Contresigné, titré et daté « 94 » au dos

Dimensions : Toile 55 x 46 cm / avec cadre 68 x 59 cm

Prix de vente : 30,00 €

Issu d’une famille de peintres, Jean-Pierre Blaess est un artiste local à l’origine de la création à la fin des années 90 de l’Ecole des Bords de Marne dans le département du Val-de-Marne.

Reconnu par ses réalisations de paysages extérieurs dans un style rappelant la peinture impressionniste, il expose régulièrement ses œuvres en Ile-de-France.

C’est au début des années 2000 que Jean-Pierre Blaess vient se fixer dans le Nord du Médoc, à Soulac-sur-Mer.

Fidèle à ses envies de partage de la peinture en plein air, il est à l’origine de la création de l’Association « Médoc en Peinture », toujours existante aujourd’hui. Accompagné de ses amis artistes, il a présenté régulièrement ses œuvres dans diverses expositions locales.

Avec ses rehauts de peinture, notre tableau s’inscrit pleinement dans le style impressionniste de Jean-Pierre Blaess. La richesse des tonalités et les touches de couleurs déposées par l’artiste confèrent à l’œuvre une réelle profondeur.

Jean-Claude Barthel (1955)

« Kerguelen »

Acrylique sur toile, encadrée

Représentation abstraite de l’île de Kerguelen

Signé en bas à droite

Titré, daté « 2006 » et contresigné au dos

Dimensions : 55 x 46 cm (toile) / 68 x 49 cm (avec cadre)

Prix de vente : 35,00 €

L’art abstrait a pour volonté d’explorer les formes et les couleurs, en transfigurant le réel. Très présent dans le monde de l’art contemporain, il est particulièrement appécié pour sa mise en valeur des émotions tout en s’affranchissant du réalisme du thème traité. L’approche fréquemment minimaliste des œuvres renforce le jeu des couleurs utilisées par l’artiste.

Artiste peintre français, Jean-Claude Barthel s’inscrit totalement dans ce mouvement de l’art abstrait, avec ses représentations d’environnements naturels et fragiles, aux lignes très épurées et aux couleurs accentuant toujours les reliefs et les mouvements.

 Titré « Kerguelen » et daté « 2006 », notre tableau est un réel témoignage de l’œuvre de Jean-Claude Barthel par son évocation abstraite de l’île de Kerguelen, s’appuyant sur une finesse du trait et sur une rélle luminosité qui exalte les couleurs posées sur la toile.

Petite île inhabitée se situant au milieu de la Loire (commune d’Ancenis-Saint-Géréon en Loire-Atlantique), Kerguelen est riche d’un habitat naturel typique des prairies humides. Plusieurs actions de préservation de la biodiversité y sont menées par le Conservatoire des espaces naturels des Pays de Loire. 

« Au bord du chemin »

Huile sur panneau

Paysage en clair-obscur

Signé « FA MI » en bas à droite, pour Michel Favreau

Titré, signé et daté « 1943 » au dos

Cadre Bois et Stuc doré, à décor de lauriers, perles et torsades

Dimensions : 16 x 13 cm (panneau) / 34 x 29.5 cm (avec cadre)

Prix de vente : 55,00 €

Remarquable par la qualité et l’ancienneté de son encadrement d’époque XIXe siècle, notre tableau représente une scène campagnarde, avec deux personnages au bord d’un chemin.

Daté « 1943 » et signé au dos, l’artiste Michel Favreau précise de sa main que le tableau a été « peint d’imagination », avec un clair-obscur particulièrement bien exécuté. La finesse des détails de l’œuvre vient ajouter au réalisme et à la profondeur de la scène.

Très peu d’informations sont disponibles sur Michel Favreau et nos recherches n’ont pas permis de retracer sa biographie.

Le décor de l’encadrement, aux feuilles de lauriers et aux perles incrustées dans une torsade, permettra à ce tableau d’apporter une note très douce et très XIXe siècle dans une décoration d’intérieur. 

« Port de pêche en Bretagne »

Huile sur toile, encadrée

Représente une vue d’un port de pêche breton, animée de personnages

Ecole française classique XIXe siècle

Trace de signature, en bas à gauche

Cadre d’époque en bois doré à décor de feuillages et de médaillons

Epoque Début XIXe siècle

Dimensions : toile 65 x 50 cm / avec cadre 83 x 67 cm 

Prix de vente : 200,00 €

Dans le plus pur style de l’Ecole Française classique du XIXe siècle, notre tableau représente un port de pêche animé du début du XIXe siècle. Le port est très probablement situé en Bretagne au vu des vêtements portés par les personnages féminins.

La toile porte une trace de signature en bas à gauche, peu lisible. Suite à nos recherches, le tableau pourrait être attribué à Charles Goureau, peintre français actif au début du XIXe siècle. Ceci reste cependant à confirmer car peu d’informations sont disponibles sur cet artiste qui aurait exposé quelques œuvres dans différents salons artistiques du début du XIXe siècle.

Avec son cadre d’époque en bois doré agrémenté de médaillons, notre tableau est un véritable témoignage de l’Ecole Française classique du début du XIXe siècle. Il s’inscrit pleinement dans le style de cette école, alliant la tourmente d’un ciel chargé de nuages à la finesse des personnages représentés.

« Gerbe fleurie »

Peinture sur tôle, encadrée

Représente une gerbe de fleurs

Signée en bas à gauche

Cadre en bois doré, à ouverture ovale, à décor de feuilles et de rinceaux

Epoque Début XXe siècle

Dimensions : Tôle 16 x 48 cm (à vue) / avec cadre 29.5 x 63 cm

Prix de vente : 60,00 €

L’originalité de notre tableau réside dans l’utilisation d’une tôle comme support de la gerbe de fleurs représentée par l’artiste. La signature de ce dernier est présente en bas à gauche, mais nos recherches n’ont pas permis de l’identifier avec certitude.

Il est à noter que cet artiste se caractérise par la finesse du dessin des fleurs et des feuilles, associée parfaitement à une palette de couleurs particulièrement variée, ce qui confère à l’œuvre une réelle profondeur.

D’époque probablement début XXe siècle, le cadre en bois doré se caractérise par son ouverture de forme ovale, cernée d’un riche décor sculpté de feuilles et de rinceaux.

« Bords de quai »

Jean-Pierre Blaess (?-2017)

Huile sur toile, encadrée

Représente un bord de quai, proche d’un pont

Situé probablement en bord de Marne, dans le Val de Marne

Signé en bas à droite

Daté « 92 » pour l’année 1992

Dimensions : Toile 46 x 38 cm / avec cadre 59 x 51 cm

Prix de vente : 20,00 €

Issu d’une famille de peintres, Jean-Pierre Blaess est un artiste local à l’origine de la création à la fin des années 90 de l’Ecole des Bords de Marne dans le département du Val-de-Marne.

Reconnu par ses réalisations de paysages extérieurs dans un style rappelant la peinture impressionniste, il expose régulièrement ses œuvres en Ile-de-France.

C’est au début des années 2000 que Jean-Pierre Blaess vient se fixer dans le Nord du Médoc, à Soulac-sur-Mer.

Fidèle à ses envies de partage de la peinture en plein air, il est à l’origine de la création de l’Association « Médoc en Peinture », toujours existante aujourd’hui. Accompagné de ses amis artistes, il a présenté régulièrement ses œuvres dans diverses expositions locales.

Concernant notre tableau qui s’inscrit pleinement dans le style de Jean-Pierre Blaess, nous pouvons supposer qu’il représente un bord de Marne, au vu de la date figurant en bas de l’œuvre (1992). 

« Homme à la moustache »

Huile sur toile, encadrée

Représente le visage d’un homme portant une moustache

Signé en haut à gauche

Cadre en bois doré

Epoque Fin XIXe siècle Début XXe siècle

Dimensions : toile 46 x 55 cm / avec cadre 55 x 64 cm 

Prix de vente : 50,00 €

Probablement d’époque Fin XIXe siècle Début XXe siècle, notre huile sur toile représente un homme d’âge mûr, portant une moustache. L’encadrement en bois doré est certainement plus tardif, de la première moitié du XXe siècle.

L’originalité de notre tableau réside dans l’autorité naturelle qui émane du portrait, accentuée par le regard du personnage.

L’œuvre est signée en haut à gauche, mais nos recherches ne nous ont pas permis d’identifier l’artiste qui a réalisé ce portrait.

« Homme à la barbe blanche »

Huile sur carton, encadrée

Représente le visage d’un homme âgé

Signé en bas à droite et daté « 49 » pour 1949

Cadre Fin XIXe siècle, en bois doré, de style Régence, à décor de coquilles et d’entrelacements de branches

Dimensions : carton 33 x 43 cm / avec cadre 53 x 63 cm 

Prix de vente : 90,00 €

Représentant le portait d’un homme âgé et datée en bas à droite « 49 » pour 1949, notre huile sur carton est signée mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier avec certitude l’artiste qui a réalisé ce portrait.

La particularité de notre tableau est la qualité de son encadrement en bois doré, probablement d’époque XIXe siècle. La richesse des ornements présents, associant coquilles, feuilles d’acanthes et entrelacements de branches, l’inscrit dans un style « Régence » s’inspirant de décors de l’époque Louis XIV.