Nouveautés

Vase « aux fleurs » Capodimonte

Vase en porcelaine, à deux anses

Décor fleuri, en relief

Emaux polychromes

Cachet Capodimonte sous la base (« N Couronné » -Made in Italy)

Epoque Italie Années 1950

Dimensions: hauteur 36 cm / largeur 27 cm 

Prix de vente : 25,00 € 

La manufacture de porcelaine Capodimonte est apparue vers le milieu du XVIIIe siècle en Italie, dans la région de Naples. Le nom de Capodimonte fait référence à une colline napolitaine portant le même nom.

A la fin du XVIIIe siècle et au début du XIXe siècle, la manufacture se spécialise dans la création de céramiques à décor antique, style très recherché à cette période. De la fin du XIXe siècle jusqu’aux années 1930, les décors fleuris aux couleurs très marquées deviendront typiques de la production Capodimonte.

Les artistes napolitains ont fait perdurer la manufacture à travers le temps et continuent à perpétuer de nos jours dans le monde entier une célèbre forme de l’art italien.

Une importante collection de céramiques est également présentée dans le musée Capodimonte à Naples.

Avec son décor de fleurs polychromes faisant référence aux années 1930, notre vase à deux anses s’inscrit totalement dans la production de la manufacture Capodimonte au début des années 1950. Il est également remarquable par ses ornements en relief de palmettes et de tresses, caractéristiques de cette époque. L’origine et l’époque de fabrication du vase sont confirmées par le cachet présent sous la base, un « N couronné », surmontant l’inscription « Made in Italy ».

Avec ses fleurs aux couleurs vives, notre vase trouvera sa place sur un centre de table ou ornera de façon très originale un dessus de commode.

« La sortie du vieux port de La Rochelle »

Huile sur toile, encadrée

Représente la sortie du vieux port de La Rochelle, vue de l’intérieur du port, avec les deux tours historiques de la ville, sur la droite, la tour « de la chaîne » et sur la gauche, la tour « Saint-Nicolas »

Signé en bas à droite « P. Perrotin »

Epoque XXe siècle

Dimensions : 54 x 65 cm (toile) / 73 x 84 cm (avec cadre)

Prix de vente : 80,00 €

Chef-lieu du département de la Charente-Maritime (17) et premier port économique du Poitou-Charentes, La Rochelle, avec près de 80000 habitants, est une ville en plein essor.

L’histoire de La Rochelle est particulièrement riche depuis le Moyen-âge, notamment pendant les guerres de religion qui ont vu le siège de la ville par le cardinal de Richelieu (1585-1642), pendant plus de 13 mois, de septembre 1627 à octobre 1628.

Réputée ensuite pour ses activités maritimes, la notoriété historique de la ville s’appuie sur son port et notamment sur les deux tours emblématiques construites de chaque côté de sa sortie : à droite, la tour « de la chaîne » et à gauche, la tour « Saint-Nicolas » (vue de l’intérieur du port).

Témoins de l’histoire médiévale de La Rochelle au XIVe siècle, les deux tours ont été érigées dans le but de défendre l’entrée du port. A l’époque, une chaîne était tendue entre ces deux tours pour empêcher toute entrée par bateau, d’où le nom de l’une d’entre elles.

Il est à noter qu’à leur origine, les tours servaient de logements aux capitaines du port, en charge de surveiller les activités portuaires et de récolter les taxes liées à ces activités.

Au XIXe siècle, la hauteur de la tour « de la chaîne » est réduite ainsi que les bâtiments attenants afin d’élargir l’entrée du port. C’est à la fin de ce même siècle qu’elle sera classée aux Monuments historiques. De nouveaux travaux de rénovation sont réalisés au XXe siècle. Historiquement haute de plus de 30 mètres, la tour a une hauteur aujourd’hui d’une vingtaine de mètre et abrite depuis 1998 un musée présentant au public des collections retraçant le passé protestant de la ville.

La tour « Saint-Nicolas » présente une anecdotique légende selon laquelle elle aurait été construite à l’aide de pierres abandonnées sur le site par la fée Mélusine.

Au-delà de la légende, la tour prend le nom de « Saint-Nicolas » au XVe siècle. Partie intégrante du système de défense de la ville, elle devient une prison au XVIIe et au XVIIIe siècle. Classée également monument historique à la fin du XIXe siècle, elle est également restaurée au XXe siècle.

D’une hauteur de plus de 40 mètres, la tour a conservé son aspect de forteresse médiévale, avec ses nombreux escaliers intérieurs en colimaçons ou en double révolution.

A noter qu’entre les années 2009 et 2016, un concours de plongeons dans les eaux du port de La Rochelle a été organisé depuis cette tour.

Le passé maritime de La Rochelle s’inscrit également dans les armoiries de la ville. L’un des premiers sceaux de la ville représente un navire. Au début du XVe siècle, les armoiries rochelaises arborent ce même navire doré sur un fond rouge. Les années 1480 verront apparaître le « chef de France » sur le haut du blason, avec 3 fleurs de lis sur fond bleu. En 1497, les armoiries sont officiellement définies héraldiquement : « De gueules au vaisseau d’or, habillé d’argent, voguant sur une mer de sinople, au chef d’azur, chargé de trois fleurs de lis d’or ».

La devise latine de la ville, « Servabor Rectore Deo », figure en partie supérieure de son blason. Les historiens ne s’accordent pas sur une traduction unique et plusieurs sont actuellement reconnues, avec par exemple « Je serai sauvé sous la garde de Dieu » ou « Je suis gardé, Dieu étant mon guide ».

Par sa représentation très contemporaine des deux tours emblématiques de la sortie du vieux port de La Rochelle, notre tableau apportera une note particulièrement originale dans une décoration d’intérieur, alliant modernité et témoignage historique dans une même œuvre.

Assiette révolutionnaire

Assiette dite « calotte », en faïence, datée 1790

Faïence ancienne à décor polychrome

Représente deux cerfs ayant perdu leurs bois, posés sur un petit tertre

Porte l’inscription « Les cerfs dolens: Je pleure ce que les hommes voudraient avoir perdus »

Probablement Faïence de Nevers de la fin du XVIIIe siècle

Diamètre: 23 cm 

Prix de vente : 5,00 € 

Notre assiette révolutionnaire présente un décor très rare aux deux cerfs ayant perdu leurs bois, avec ces mêmes bois posés sur un petit tertre placé entre les deux animaux.

Ce décor fait manifestement référence à l’allégorie du cerf, symbole de longévité, de noblesse et de renaissance par le renouvellement de ses bois chaque année.

Par le style du dessin des cerfs et de leurs bois, notre assiette est caractéristique des ornementations animalières des assiettes des faïenceries de Nevers du XVIIIe siècle. De plus, elle s’inscrit pleinement dans le genre des assiettes révolutionnaires de ces mêmes faïenceries à la fin du XVIIIe siècle. Ceci reste cependant à être confirmé, nos recherches n’ayant pas permis de l’établir avec certitude au vu du sigle présent sous l’assiette.

Pour rappel, les faïenceries de Nevers sont apparues à la fin du XVIe siècle et sont renommées pour leur création d’objets en lien avec les arts de la table. Au XVIIe siècle, la ville de Nevers devient l’un des centres de production de céramiques les plus importants de France.

Avec plus de 10 manufactures actives dans la ville de Nevers, l’apogée de la production est atteinte au XVIIIe siècle. Les années 1780-1790 sont alors marquées par la production des célèbres assiettes aux décors animaliers et révolutionnaires. Ces assiettes patriotiques sont encore aujourd’hui de véritables témoignages historiques et imagés de la Révolution française.         

L’activité des manufactures décline ensuite pendant plusieurs dizaines d’années avant de connaître un nouvel essor à la fin du XIXe siècle avec Antoine Montagnon (1838-1899) qui crée sa nouvelle faïencerie. Ses différents héritiers, ainsi que quelques autres faïenceries, vont maintenir l’activité traditionnelle de Nevers jusqu’au début des années 2000. Seules deux faïenceries perpétuent actuellement le savoir-faire faïencier de la ville de Nevers.

Aujourd’hui, la riche histoire faïencière de Nevers peut se découvrir grâce aux collections présentées au public par le Musée des de la Faïence et des Beaux-Arts de Nevers.

 Charles Cuzin (1907-1975)

« Lac savoyard enneigé »

Huile sur panneau

Représente un lac avec les rives enneigées

Signé en bas à droite « Charles Cuzin »

Dimensions : 35 x 24 cm

Prix de vente : 20,00 €

Charles Cuzin, artiste peintre régional français, est réputé pour ses peintures hivernales, le plus fréquemment en petit format sur panneau.

La justesse des couleurs et la précision du dessin plongent le public au cœur de paysages enneigés, probablement situés en Savoie, région particulièrement appréciée par l’artiste qui y a vécu de nombreuses années au cours de sa vie.

S’inscrivant pleinement dans l’œuvre artistique de Charles Cuzin, notre huile sur panneau de petit format représente un bord de lac enneigé saisi par l’artiste un jour d’hiver.

Le ciel chargé de nuages gris plane au-dessus d’arbres effeuillés bordant un lac. La qualité de peinture de Charles Cuzin s’exprime pleinement dans ce tableau, avec la couleur grise du lac, reflet direct du ciel. La blancheur de la neige apporte une note lumineuse à l’ensemble de l’œuvre.

Empreint d’une réelle douceur hivernale, notre tableau apportera dans un intérieur la quiétude du silence d’un paysage d’hiver.

Charles Cuzin est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Clochette en cristal

Cloche de table, en cristal taillé

Manche en cristal

Décor coloré à l’oiseau

Caractéristique de la série « Oiseaux » (Collection « Byrdes ») de la cristallerie allemande Hofbauer

Epoque Années 1970-1980

Dimensions: hauteur 14,5 cm / diamètre de la clochette 8 cm 

Prix de vente : 10,00 € 

S’inscrivant totalement dans le style de la collection « Byrdes » de la cristallerie allemande Hofbauer, notre clochette décorative, en cristal taillé, présente un décor coloré à l’oiseau.

Plus particulièrement active dans la seconde moitié du XXe siècle, cette société allemande possède une vraie notoriété dans la production d’objets très décoratifs en cristal taillé.

Avec sa sonorité très pure, notre clochette pourra être utilisée pendant un service de table, mais elle répondra également parfaitement aux attentes d’un collectionneur d’objets de vitrine en cristal.

Chandelier en bronze

Chandelier à 3 bras et 4 lumières

Fût et bras garnis de feuillages et de perles

Base circulaire à décor de perles et de palmettes

Style Louis XVI

Epoque XXe siècle

Hauteur: 37 cm 

Prix de vente : 35,00 € 

Notre chandelier en bronze, à 3 bras et 4 lumières, présente des ornements de feuillages, de perles et de palmettes, ce qui l’inscrit pleinement dans un style « Louis XVI ».

D’époque XXe siècle, il décorera de façon très originale une table de réception. Il pourra également s’intégrer dans une décoration intérieure de style classique.

Assiette révolutionnaire

Assiette dite « calotte », en faïence, datée 1791

Faïence ancienne à décor polychrome

Représentation de l’arrestation du Roi Louis XVI à Varennes en 1791

Porte l’inscription « Arrestation du roi à Varenne le 22 juin 1791 »

Probablement Faïence de Nevers de la fin du XVIIIe siècle

Diamètre: 23 cm 

Prix de vente : 5,00 € 

Notre assiette révolutionnaire nous rappelle un évènement historique majeur de la Révolution française : la fuite manquée du Roi de France Louis XVI en 1791 et son arrestation dans la ville de Varennes le 21 juin de cette même année.

En début d’année 1791, l’Assemblée nationale édite des décrets limitant les droits du Roi.

Afin d’échapper aux révolutionnaires français et sur les demandes insistantes de la Reine Marie-Antoinette, un plan de fuite est préparé pour gagner l’Autriche et rejoindre au préalable Montmédy, ville restée fidèle aux valeurs royalistes et tenue par le Marquis de Bouillé, général en chef des troupes de l’Est de la France.

Dans la nuit du 20 juin 1791, le Roi Louis XVI et la Reine Marie-Antoinette, accompagnés de leurs enfants et d’amis proches quittent en calèche le palais des Tuileries à Paris.

La famille royale est travestie et dispose de sauf-conduits leur procurant de fausses identités. Mais le roi est reconnu par plusieurs personnes au cours du trajet, notamment le 20 juin 1791 par le Maître de poste Jean-Baptiste Drouet, à Sainte-Menehould dans la région de Reims. Les voyageurs finissent par être arrétés le 21 juin 1791 dans la ville de Varenne en Lorraine (département de la Meuse).

Le 22 juin 1791, la famille royale est reconduite à Paris qu’elle atteint le 26 juin 1791. Le peuple se sent trahi par le Roi qu’il qualifie de « traître à la nation ». Dès lors, Louis XVI est démis de ses fonctions et il est emprisonné avec sa famille aux Tuileries.

Par son décor très coloré et rappelant un style « naïf », notre assiette s’inscrit pleinement dans le genre des assiettes révolutionnaires des faïenceries de Nevers à la fin du XVIIIe siècle. Ceci reste cependant à être confirmé, nos recherches n’ayant pas permis de l’établir avec certitude au vu du sigle présent sous l’assiette.

Pour rappel, les faïenceries de Nevers sont apparues à la fin du XVIe siècle et sont renommées pour leur création d’objets en lien avec les arts de la table. Au XVIIe siècle, la ville de Nevers devient l’un des centres de production de céramiques les plus importants de France.

Avec plus de 10 manufactures actives dans la ville de Nevers, l’apogée de la production est atteinte au XVIIIe siècle. Les années 1780-1790 sont alors marquées par la production des célèbres assiettes aux décors animaliers et révolutionnaires. Ces assiettes patriotiques sont encore aujourd’hui de véritables témoignages historiques et imagés de la Révolution française.         

L’activité des manufactures décline ensuite pendant plusieurs dizaines d’années avant de connaître un nouvel essor à la fin du XIXe siècle avec Antoine Montagnon (1838-1899) qui crée sa nouvelle faïencerie. Ses différents héritiers, ainsi que quelques autres faïenceries, vont maintenir l’activité traditionnelle de Nevers jusqu’au début des années 2000. Seules deux faïenceries perpétuent actuellement le savoir-faire faïencier de la ville de Nevers.

Aujourd’hui, la riche histoire faïencière de Nevers peut se découvrir grâce aux collections présentées au public par le Musée des de la Faïence et des Beaux-Arts de Nevers.

Louis Icart (1888-1950)

« Elégante à la balustrade »

Eau-forte originale, encadrée

Représente une élégante des années 1920-1930, assise sur une balustrade

Signé au crayon par l’artiste, en bas à droite

Cadre d’époque, à décor de palmettes et de feuilles de lauriers

Epoque Art Déco (années 1920-1930)

Dimensions : 9 x 13 cm (à vue) / 21 x 26 cm (avec cadre)

Prix de vente : 115,00 €

Artiste peintre, graveur et illustrateur français, Louis Icart (1888-1950) est reconnu dès son jeune âge pour ses talents de dessinateur. Ses premières activités sont consacrées aux illustrations de mode, notamment dans les catalogues de haute couture.

Il se forme ensuite à la gravure et ses portraits de femmes des années 1920-1930 sont appréciées par un public de plus en plus nombreux. C’est à cette même époque que plusieurs expositions nationales et internationales viendront confirmer son succès grandissant.

S’inscrivant totalement dans le style Art Déco, ses œuvres sont tombées dans l’oubli pendant les années 1940, mais la réapparition de certaines d’entre elles au cours des années 1950 le font de nouveau connaître. Aujourd’hui, ses gravures sont particulièrement recherchées par les amateurs d’art et les collectionneurs de l’Art Déco.

Dans son cadre d’époque et signée au crayon par l’artiste lui-même, notre gravure est caractéristique des œuvres de Louis Icart pendant sa période Art Déco (années 1920-1930).

Pour rappel, l’eau-forte est un procédé de gravure en taille indirecte ou taille-douce sur une plaque métallique à l’aide d’un acide, appelé « mordant chimique ». A l’origine, l’appellation « eau-forte » fait référence à l’usage d’une solution d’acide nitrique diluée d’eau (« Aqua Fortis »).                

L’artiste dessine son motif à la pointe métallique sur la plaque de métal préalablement recouverte d’un vernis à graver. Cette même plaque est ensuite placée dans le bain d’acide qui « mord » les zones à découvert et laisse intactes les parties protégées. Après nettoyage du vernis, la plaque est encrée et mise sous presse.                                                                     

Louis Icart est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Encrier en bronze

Encrier tripode en bronze, en forme d’urne

Fermé par un couvercle à charnière

Fixé au centre d’un plateau circulaire tripode à décor strié

Porte-plume en bronze, en forme de rameaux

Style « Second Empire »

Epoque Début XXe siècle

Dimensions: hauteur 13 cm / diamètre base 15 cm 

Prix de vente : 60,00 € 

D’inspiration « Second Empire », notre encrier tripode en bronze se présente en forme d’urne fermée par un couvercle à charnière.

L’urne est fixée au centre d’un plateau circulaire, et l’ensemble est décoré de motifs rappelant le style de la fin du XIXe siècle.

Un porte-plume est également présent, constitué de deux ornements en bronze en forme de rameaux.

Probablement d’époque Début XXe siècle, notre encrier se distingue par sa forme et son décor qui lui confèrent une rare et réelle élégance.

 Charles Cuzin (1907-1975)

« Paysage de Savoie enneigé »

Huile sur panneau

Représente un paysage de campagne enneigé

Signé en bas à droite « Charles Cuzin »

Dimensions : 35 x 24 cm

Prix de vente : 20,00 €

Charles Cuzin, artiste peintre régional français, est réputé pour ses peintures hivernales, le plus fréquemment en petit format sur panneau.

La justesse des couleurs et la précision du dessin plongent le public au cœur de paysages enneigés, probablement situés en Savoie, région particulièrement appréciée par l’artiste qui y a vécu de nombreuses années au cours de sa vie.

S’inscrivant pleinement dans l’œuvre artistique de Charles Cuzin, notre huile sur panneau de petit format représente un paysage de campagne enneigé saisi par l’artiste un jour d’hiver.

Le ciel chargé de nuages gris plane au-dessus d’arbres effeuillés. La qualité de peinture de Charles Cuzin s’exprime pleinement dans ce tableau, avec la blancheur de la neige qui vient apporter une note lumineuse à l’ensemble de l’œuvre.

Empreint d’une réelle douceur hivernale, notre tableau apportera dans un intérieur la quiétude du silence d’un paysage d’hiver.

Charles Cuzin est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Aiguière en porcelaine de Limoges

Aiguière en porcelaine de Limoges, avec anse dorée

Couleur Bleu de four (Bleu Cobalt)

Décor à la fleur dorée, avec incrustations d’or sous forme d’une frise feuillagée fleurie

Cachet sous la base « A. Prévot – Limoges – France »

Mention sous la base en couleur Or « Véritable incrustation Double Dorure Polie à l’Agate »

Base octogonale dorée

Epoque 2nde moitié du XXe siècle

Hauteur: 33 cm 

Prix de vente : 25,00 € 

Objet de toilette, mais aussi de décoration, une aiguière est habituellement un vase très élégant doté d’une large anse et d’un bec effilé, pouvant contenir une boisson pour les repas ou de l’eau pour la toilette.

Comme indiqué sous sa base, notre aiguière est une pièce en porcelaine de Limoges, de couleur Bleu de four caractéristique des porcelaines de cette ville. Le bleu de four est obtenu par trempage des pièces de porcelaine dans un bain d’émail bleu au cobalt puis cuisson à haute température afin de garantir l’éclat de la couleur.

Elle a été réalisée par André Prévot, artisan porcelainier ayant eu son atelier dans la ville de Limoges. Principalement actif dans la seconde moitié du XXe siècle, André Prévot est reconnu pour ses créations à vocation ornementale.

Notre aiguière s’inscrit totalement dans la production artistique de cet artisan, avec ses décors à l’or sur un fond Bleu de Four. Les incrustations d’or, véritable signature des porcelaines André Prévot, se présentent sous forme d’une frise feuillagée fleurie, spectaculaire par la finesse de ses détails.

Réel objet de décoration, notre aiguière vase est un véritable témoin de la production des porcelaines décoratives de la ville de Limoges dans la seconde moitié du XXe siècle.

Par la brillance de son décor à l’or et la luminosité de sa couleur Bleu de Four, elle réhaussera d’une façon très originale l’éclat d’une décoration d’intérieur.

Assiette révolutionnaire

Assiette dite « calotte », en faïence, datée 1791

Faïence ancienne à décor polychrome

Représente deux personnages de la période révolutionnaire

Porte l’inscription « Irez vous toujours voir Mll Colette »

Probablement Faïence de Nevers de la fin du XVIIIe siècle

Diamètre: 23 cm 

Prix de vente : 4,00 € 

Notre assiette révolutionnaire présente un décor particulièrement rare mettant en scène deux personnages de la période révolutionnaire. Nos recherches ne nous ont pas permis de retrouver de références bibliographiques concernant cette ornement d’assiette ou de plat.

Le personnage féminin porte une baguette de pain et pourrait être une allusion à la révolte des femmes les 5 et 6 octobre 1789. Face aux manques de nourriture et à leur misère grandissante, les femmes marchent vers le château de Versailles pour réclamer du pain à la famille royale. Le 6 octobre, le château est envahi et sous la pression de la foule, le roi et sa famille vont s’installer au Palais des Tuileries à Paris.

Par le style du dessin et du décor, notre assiette peut s’inscrire dans le genre des assiettes révolutionnaires des faïenceries de Nevers à la fin du XVIIIe siècle. Ceci reste à être confirmé, nos recherches n’ayant pas permis de l’établir avec certitude au vu du sigle présent sous l’assiette.

Pour rappel, les faïenceries de Nevers sont apparues à la fin du XVIe siècle et sont renommées pour leur création d’objets en lien avec les arts de la table. Au XVIIe siècle, la ville de Nevers devient l’un des centres de production de céramiques les plus importants de France.

Avec plus de 10 manufactures actives dans la ville de Nevers, l’apogée de la production est atteinte au XVIIIe siècle. Les années 1780-1790 sont alors marquées par la production des célèbres assiettes aux décors animaliers et révolutionnaires. Ces assiettes patriotiques sont encore aujourd’hui de véritables témoignages historiques et imagés de la Révolution française.         

L’activité des manufactures décline ensuite pendant plusieurs dizaines d’années avant de connaître un nouvel essor à la fin du XIXe siècle avec Antoine Montagnon (1838-1899) qui crée sa nouvelle faïencerie. Ses différents héritiers, ainsi que quelques autres faïenceries, vont maintenir l’activité traditionnelle de Nevers jusqu’au début des années 2000. Seules deux faïenceries perpétuent actuellement le savoir-faire faïencier de la ville de Nevers.

Aujourd’hui, la riche histoire faïencière de Nevers peut se découvrir grâce aux collections présentées au public par le Musée des de la Faïence et des Beaux-Arts de Nevers.

« Scène de campagne »

Huile sur toile, encadrée

Représente une scène de campagne, animée d’un personnage

Signé en bas à gauche

Cadre d’époque, en bois doré, de style Louis XV, à décor de coquilles, de rinceaux et de fleurs

Epoque Fin XIXe siècle Début XXe siècle

Dimensions : 41 x 33 cm (toile) / 59 x 51 cm (avec cadre)

Prix de vente : 70,00 €

Notre huile sur toile représente un paysage de campagne, probablement au soleil couchant d’une journée d’automne au vu des tonalités de couleurs utilisées par l’artiste. La scène est animée d’un personnage féminin avançant sur un chemin tandis qu’une meule de foin en arrière-plan vient renforcer la sérénité de l’ensemble de l’œuvre.

Une signature est présente en bas à gauche de la toile, mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier l’artiste avec certitude.

La particularité de notre tableau est la qualité de son encadrement en bois doré, probablement d’époque début XXe siècle, voire fin XIXe siècle. La richesse des ornements présents, associant coquilles, rinceaux et fleurs entrelacées l’inscrit dans un style « Louis XV ».

Cipriano Cipriani (XIXe-XXe)

« Buste de jeune femme »

Buste en albâtre

Représente le visage d’une jeune femme, coiffée d’un voile

Signature en cursives en creux « C. Cipriani » au dos

Base octogonale en marbre

Epoque Fin XIXe siècle Début XXe siècle

Dimensions: hauteur 30 cm / base 27.5 x 13 cm 

Prix de vente : 120,00 €

Notre buste en albâtre représente avec une estrême finesse le visage d’une jeune femme aux cheveux bouclés, coiffée d’un voile. La sculpture repose sur une base en marbre hexagonale.

La douceur de l’ensemble de l’œuvre pourrait faire penser à la représentation du visage d’une Madone italienne, mais nos recherches ne nous ont pas permis de le confirmer avec certitude. En revanche, le buste s’inscrit pleinement dans un style « Renaissance italienne ».

La sculpture est signée en creux au dos en cursives « C. Cipriani », signature de l’artiste italien Cipriano Cipriani, actif de la fin du XIXe siècle au début du XXe siècle. Ce sculpteur est réputé pour ses œuvres toujours empreintes d’une réelle délicatesse et s’inscrivant dans l’art italien du début du XXe siècle.

La sérénité du visage de notre jeune femme et la transparence de l’albâtre face à un éclairage indirect apportera une réelle note de douceur dans une décoration intérieure.

Cipriano Cipriani est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Pedro Garcia de Diego (1904-1969)

« Sur le chemin du marché »

Vase en grès peint de Ciboure

Décor peint à la main

Signature « GARCIA » et cachet « R.F. Ciboure » sous la base

Epoque Fin des années 1940

Dimensions: hauteur 10 cm / diamètre 8 cm 

Prix de vente : 70,00 € 

Créée officiellement sur la côte basque en 1922 par Etienne Vilotte (1881 – 1957), la poterie de CIBOURE est réputée à ses débuts pour son style antique, associant l’Art Déco et la culture basque locale. Elle propose alors des objets décoratifs en grès, matériau très en vogue depuis la fin du XIXe siècle.

La poterie est rachetée par Rodolphe Fischer en 1945. Le cachet historique de la marque « VE CIBOURE » est alors remplacé par « RF CIBOURE ». L’activité se développe fortement, notamment avec les grands magasins parisiens.

Max Fischer, fils de Rodolphe Fischer, prendra ensuite la direction de la poterie at apposera alors son cachet « MF CIBOURE ».

La poterie Ciboure doit sa réputation aux principaux décorateurs qui y ont été actifs, notamment Louis Floutier, des débuts de l’entreprise jusqu’en 1922. Après 1945, Marie Fernandez est présente de 1946 à 1952, Maurice David de 1948 à 1958 et Roger Berne, de 1951 à 1968.

Le vase que nous présentons date de l’époque pendant laquelle l’artiste espagnol Pedro Garcia de Diego (1904-1969) a été actif à Ciboure. A l’origine artiste peintre, il est ensuite réputé pour son travail de céramiste dès les années 1920 à la poterie de Ciboure. Il sera à l’origine de la création à l’époque des années 1930-1940 de nombreuses pièces aux décors traditionnels basques, illustrant les scènes de la vie quotidienne rurale du Pays Basque.

Notre poterie est donc typique de la production CIBOURE à l’époque de Pedro Garcia de Diego, avec la représentation d’une femme basque portant sur la tête un panier chargé de fruits et légumes. Accompagné de son âne au milieu de la campagne basque, elle est probablement en chemin vers le marché local.

Véritable objet de collection, notre vase est un réel témoin des productions de la poterie de Ciboure à la fin des années 1940.

Pedro Garcia de Diego est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

 Charles Cuzin (1907-1975)

« Bord de lac en hiver »

Huile sur panneau

Représente un bord de lac enneigé

Signé en bas à droite « Charles Cuzin »

Dimensions : 35 x 24 cm

Prix de vente : 25,00 €

Charles Cuzin, artiste peintre régional français, est réputé pour ses peintures hivernales, le plus fréquemment en petit format sur panneau.

La justesse des couleurs et la précision du dessin plongent le public au cœur de paysages enneigés, probablement situés en Savoie, région particulièrement appréciée par l’artiste qui y a vécu de nombreuses années au cours de sa vie.

S’inscrivant pleinement dans l’œuvre artistique de Charles Cuzin, notre huile sur panneau de petit format représente un bord de lac enneigé saisi par l’artiste un jour d’hiver.

Le ciel chargé de nuages gris plane au-dessus d’arbres effeuillés bordant un lac. La qualité de peinture de Charles Cuzin s’exprime pleinement dans ce tableau, avec la couleur grise du lac, reflet direct du ciel. La blancheur de la neige apporte une note lumineuse à l’ensemble de l’oeuvre.

Empreint d’une réelle douceur hivernale, notre tableau apportera dans un intérieur la quiétude du silence d’un paysage d’hiver. 

Charles Cuzin est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

« Déesse à l’amphore »

Statue en biscuit de porcelaine

Représente une déesse à l’antique, portant une amphore

Epoque Début XXe siècle

Hauteur: 36.5 cm 

Prix de vente : 25,00 €

Evocation du marbre blanc des sculptures antiques, le biscuit de porcelaine est obtenu par cuisson à haute température de porcelaine blanche naturelle, sans émaillage et sans décor de couleurs. Son usage est fréquemment utilisé dans la création de statues décoratives telle que celle que nous présentons ici.

Notre statue en biscuit s’inscrit totalement dans les œuvres de style antique réalisées au début du XXe siècle. Elle représente une jeune femme drapée, en position debout et tenant une amphore sur son épaule gauche. Le socle, également en biscuit, est intégré à la statue.

Apparue dans l’Antiquité, l’amphore était fréquemment utilisée pour transporter ou stocker des liquides, tels que le vin ou l’huile d’olive. Il en existait de différentes formes et de différentes tailles mais elles se présentaient très souvent en forme de jarre ovoïde à deux anses, reposant sur une pointe qui permettait probablement un rangement plus aisé. L’étanchéité était assurée par un revêtement interne de poix (colle à base de résines végétales ou de goudrons de bois) et un bouchon de liège recouvert d’argile.

A la base des échanges commerciaux maritimes en mer Méditerranée, l’amphore a été particulièrement utilisée sur les navire Phéniciens et Grecs au milieu du deuxième millénaire avant Jésus-Christ.

Le style antique de notre sculpture est souligné par le mode de coiffure du personnage, les cheveux en chignon et ornés d’un bandeau.

La finesse des plis du drapé et la douceur du visage féminin participent pleinement à l’impression de sérénité qui émane de la statue.

« Cheval de Carrousel »

Ancien jouet en carton bouilli

Représente un cheval peint, de style « cheval de Manège Carrousel »

Décor polychrome de sellerie, peint à la main

Harnachement à la corde tressée bicolore

Probablement Epoque Début XXe siècle

Dimensions: longueur 55 cm / hauteur 59 cm 

Prix de vente : 25,00 € 

Notre ancien jouet en carton bouilli représente un cheval de style « Cheval de Manège Carrousel ».

Le harnachement du cheval est illustré par un décor polychrome peint à la main, complété par une corde tressée bicolore.

Probablement d’époque Début XXe siècle, notre cheval est d’une rareté réelle et apportera une note particulièrement originale dans une décoration très « Vintage ».

Carreaux « Vallauris »

Série de six carreaux émaillés

Céramique de Vallauris

Signé « Emaux Décors Vallauris »

Epoque Milieu XXe siècle

Dimension de chaque carreau: 15 x 15 cm 

Prix de vente : 20,00 € 

Vallauris, commune des Alpes Maritimes dans laquelle a séjourné le peintre Pablo Picasso, est réputée par sa tradition potière.

De premières références à la fabrication de la poterie dans cette commune datent du XVIe siècle avec un essor important de la production à partir du XVIIIe siècle vers les objets culinaires.

C’est au début du XXe siècle que la renommée de Vallauris va être portée par la fabrication de céramiques décoratives, notamment avec les ateliers de la famille Massier.

Aujourd’hui, les collections du musée « Magnelli », inauguré en 1996 et installé dans un ancien prieuré de la ville, permettent aux visiteurs de découvrir l’histoire de la céramique étroitement associée depuis toujours à l’essor de la commune de Vallauris.

Par leur décor émaillé moucheté et très coloré, nos carreaux sont caractéristiques des productions de la ville de Vallauris au milieu du XXe siècle.

Ceci est confirmé par l’inscription « Emaux Décors Vallauris » intégrée au décor de l’un des carreaux.

« Littoral méditerranéen au couchant »

Huile sur toile, encadrée

Représente un bord de mer méditerranéen au soleil couchant

Signée en bas à droite

Dédicacée et datée « 1993 » au dos

Dimensions : 54.5 x 46 cm (toile) / 66.5 x 57.5 cm (avec cadre)

Prix de vente : 45,00 €

Notre tableau représente un paysage caractéristique de la côte méditerranéenne, avec ses pins parasols. L’ambiance de fin de journée est parfaitement rendue avec un soleil couchant se reflétant dans l’eau. L’effet de perspective est accentué grâce à des rehauts de peinture probablement réalisés au couteau par l’artiste.

L’œuvre est signée mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier l’auteur avec certitude. La date « 1993 » figure au dos du tableau, accompagnée d’une dédicace.

Par sa luminosité et sa profondeur, notre tableau éclairera une décoration d’intérieur en y ajoutant une touche de calme et de sérénité.

« Oeufs peints à la main » 

Série de dix oeufs de Pâques décorés

Véritables coquilles d’oeufs peintes à la main

Inscription sur l’une d’entre elles: « Vajicko Malované, Z Lasky Darované »

Décors d’animaux, de fleurs et de personnages en costumes traditionnels

Artisanat d’art en provenance de la République Tchèque

Epoque contemporaine

  Dimensions « oeufs »: de 6 à 9 cm de longueur  

Prix de vente : 18,00 € 

Symboles de renouveau de la vie et de fertilité avec l’arrivée du printemps, nos œufs peints sont emblématiques des fêtes de Pâques en République Tchèque.

Véritables objets d’art artisanal local, les œufs de poules ou de canes sont vidés par soufflage. Les coquilles sont ensuite peintes à la main à l’aide de cire et de différentes peintures, essentiellement de couleurs vives, tels que le jaune, le rouge et le vert.

Les décors s’inscrivent dans les traditions régionales et les teintes font référence à des symbolismes particuliers, par exemple le jaune et le rouge rappelant respectivement la chaleur du soleil et les origines de la vie.

Aujourd’hui utilisés principalement pour décorer les intérieurs des habitations, les œufs sont fréquemment vendus sur les marchés locaux avant les fêtes de Pâques. Il est également possible de découvrir dans certains musées tchèques des collections anciennes d’œufs décorés.

Les dix œufs que nous présentons ici sont décorés de fleurs, d’animaux et de personnages en costumes traditionnels tchèques, peints avec des détails d’une extrême finesse.

A noter que l’un des œufs porte l’inscription tchèque « Vajicko Malované, Z Lasky Darované » que l’on pourrait traduire en français par la phrase suivante : « Un œuf peint, offert avec amour ».

Associés à une décoration originale d’intérieur, nos œufs peints à la main seront un véritable témoignage de la culture traditionnelle de la République Tchèque.

« Batelier du marais poitevin »

Huile sur panneau, encadrée

Représente un batelier à bord de sa « plate », dans le marais poitevin

Signé dans le coin inférieur gauche « M.G. Tourneur »

Epoque XXe siècle

Dimensions : 35.5 x 43 cm (panneau) / 40 x 48 cm (avec cadre)

Prix de vente : 25,00 €

Notre huile sur panneau, signée « M.G. Tourneur », représente probablement un batelier du marais poitevin, sur sa « plate », barque traditionnelle à fond plat du marais poitevin.

Notre tableau a certainement été peint par Marcel G. Tourneur, reconnu pour ses réalisations de scènes traditionnelles de campagne. Avec ses touches de peinture déposées par l’artiste, il s’inscrit dans un réel style postimpressionniste, accentuant le relief et la profondeur de l’œuvre.

Assiettes parlantes

 » Proverbes et Militaires » 

Série de cinq assiettes en porcelaine à bords festonnés, dans leur coffret d’origine

Assiettes parlantes sur le thème « Proverbes et Militaires »

Bords décorés de fleurs et de feuilles

Cachets Gien dit « aux 3 tours » (utilisé dans les années 1970)

Mot « France » ajouté pour l’exportation

Epoque Années 1970

  Diamètre de chaque assiette: 20 cm  

Prix de vente : 70,00 € 

La manufacture de Gien est fondée en 1821 dans le Loiret, dans la ville du même nom. Son âge d’or s’inscrit essentiellement dans la seconde moitié du XIXe siècle, avec la découverte d’un nouveau procédé de décor dit « sous émail ».

C’est en 1875 que la société prend le nom de faïencerie de Gien et dans les années suivantes, les exportations deviennent mondiales. La réputation de la faïencerie est à son apogée en 1889 avec l’obtention d’un grand prix à l’exposition universelle de Paris et la fabrication de services de tables ou d’objets décoratifs inspirés des XVIIe et XVIIIe siècles. Le célèbre décor « Renaissance » sur fond bleu inspiré de l’art italien du XVe siècle participe alors à la forte renommée européenne de la faïencerie.

Après s’être lancé à la fin du XIXe siècle dans la fabrication de carreaux de céramique, la faïencerie obtient le marché pour la décoration des stations du métro parisien au début des années 1900 (célèbre carrelage biseauté « Métro », le plus souvent de couleur blanche).

Tout au long du XXe siècle, l’activité va décroître de façon régulière, notamment dans les années d’entre-deux guerres.

La manufacture connaît de graves difficultés financières au début des années 1980 mais parvient à préserver aujourd’hui une production contemporaine ainsi que des rééditions de modèles historiques de la faïencerie.

Depuis 1985, le Musée de la faïencerie de Gien présente des collections de céramiques avec des modèles datant du début du XIXe siècle jusqu’à nos jours.

Dans la première moitié du XIXe siècle, la faïencerie de Gien est renommée pour l’édition de séries d’assiettes dites « parlantes ». Chaque série illustre un sujet particulier et les assiettes que nous présentons ici sont effectivement répertoriées dans la production de la faïencerie de Gien, sous leur titre « Proverbes et Militaires ».

Présentées dans leur coffret d’origine, nos cinq assiettes s’inscrivent dans cette lignée historique de la faïencerie avec une édition réalisée au cours des années 1970, le cachet présent sous chacune d’entre elles ayant été utilisé à cette époque.

Au-delà de leur valeur patrimoniale et esthétique, notre série d’assiettes répondra aux attentes d’un collectionneur, mais elle pourra également être utilisée lors d’un service de desserts en étant une réelle référence à l’histoire des productions de la faïencerie de Gien.

Cadre Porte-photo

Cadre Porte-photo, à poser

Forme ovale, avec pourtour en bronze

Epoque Début XXe siècle

Hauteur: 18 cm 

Prix de vente : 45,00 € 

L’originalité de notre cadre réside dans sa forme ovale et sa bordure ornées de volutes en bronze.

Probablement d’époque début XXe siècle, il est parfaitement adapté à la mise en valeur d’un portrait dans une décoration intérieure.

Plat « aux oiseaux et au chevreuil »

Céramique portugaise émaillée de Coimbra

Décor aux oiseaux et au chevreuil dans une scène de nature

Décor peint à la main, inspiré du XVIIe siècle

Signé et situé au dos du plat

Epoque XXe siècle

Diamètre: 27 cm 

Prix de vente : 8,00 € 

Ville du centre-ouest du Portugal, Coimbra a été fondée au IVe siècle. Capital du Portugal jusqu’au XIIe siècle (capitale actuelle : Lisbonne), la ville accueille au début du XIVe siècle la plus ancienne université du Portugal. Aujourd’hui encore, l’université de Coimbra est réputée pour sa bibliothèque renfermant plusieurs milliers de manuscrits anciens, certains d’entre eux datant du XVIe siècle.

Plusieurs monuments historiques tels que l’ancienne cathédrale romane du XIIe siècle et le Monastère de Santa Cruz confèrent à la ville une réelle richesse architecturale.

La ville de Coimbra est également réputée pour sa production de céramique qui débute dès le XVIe siècle. Sa renommée deviendra mondiale au cours des siècles suivants. Plus de 10 manufactures de céramique sont actives à la fin du XIXe siècle mais le XXe siècle a été synonyme de déclin pour la fabrication de céramique à Coimbra.

Aujourd’hui, quelques artisans continuent à produire des céramiques inspirées des décors floraux du XVIIe siècle en maintenant les procédés historiques de fabrication. Chaque pièce est unique car basée sur l’inspiration de chacun des artisans qui restent en activité aujourd’hui à Coimbra.

D’époque XXe siècle, notre plat s’inscrit totalement dans cette production de céramique de Coimbra, avec un décor aux oiseaux et au chevreuil dans une scène de nature, inspirée du XVIIe siècle. Ceci est confirmé par les différentes notations visibles au dos, parmi lesquelles « Sec-XVII » pour l’origine XVIIe siècle du décor et « Coimbra » pour indiquer la ville de fabrication.  

Petit paravent « Vietnam » 

Petit paravent de table en bois, à 6 vantaux

Laque noire et ornementations dorées

Décor représentant sur une face une scène de campagne vietnamienne

Décor de fleurs sur l’autre face

Probablement signé et situé sur deux vantaux

  Dimensions: longueur déployée 49 cm / Hauteur: 25 cm 

Prix de vente : 30,00 € 

Notre petit paravent est un très bel objet de décoration de table, en bois laqué noir.

Les deux faces sont très richement et finement décorées, une face représentant une scène de campagne au Vietnam, l’autre face ornée de motifs floraux.

A noter que cette seconde face porte probablement la signature de l’artiste auteur de ce paravent, ainsi que son lieu de création, deux vantaux portant des idéogrammes asiatiques.

Cet objet très particulier participera de façon originale à une décoration de table ou amènera une note asiatique à une décoration d’intérieur.

Miroir de table

Miroir biseauté, à poser

Cadre en bronze doré

Décor de volutes et de coquilles

Style Louis XV

Epoque XIXe siècle

Dimensions: 22 x 33 cm 

Prix de vente : 170,00 € 

Notre miroir de table, à poser, s’inscrit pleinement dans le style Louis XV.

L’éclat du miroir biseauté est parfaitement mis en valeur par la richesse et la qualité des sculptures en bronze qui l’entourent.

Avec son décor aux volutes et aux coquilles, notre miroir apportera une réelle pureté lumineuse dans une décoration d’intérieur.

 Félix Jasinski (1862-1911)

« Portrait de Mme Récamier »

Eau forte encadrée, d’après le tableau de Jacques-Louis David (1748-1825)

Collection « Musée National du Louvre – Les chefs d’œuvre – 9 »

Titré dans la gravure « Portrait de Mme Récamier »

Signé dans la gravure « Louis David pinx » et « Jasinski sc »

Cadre d’époque dit « Barbizon », en bois et stuc doré, à décor d’une frise de lauriers, de feuilles d’acanthes et d’un pourtour de perles

Epoque Fin XIXe siècle

Dimensions : 30 x 21 cm (à vue) / 48 x 39 cm (avec cadre)

Prix de vente : 130,00 €

Félix Jazinski (1862-1901), graveur de nationalité polonaise, né en Pologne et décédé en France, est renommé pour la qualité de ses gravures réalisées à la fin du XIXe siècle. Il est notamment reconnu pour sa maîtrise de la technique de gravure appelée « Eau-forte ».

Pour rappel, l’eau-forte est un procédé de gravure en taille-douce sur une plaque métallique à l’aide d’un mordant chimique (un acide). Sur la plaque de métal préalablement recouverte d’un vernis à graver, l’artiste dessine son motif à la pointe métallique. La plaque est ensuite placée dans un bain d’acide qui « mord » les zones à découvert et laisse intactes les parties protégées. Après nettoyage du vernis, la plaque est encrée et mise sous presse.     

La gravure que nous présentons ici est réalisée par Félix Jasinski, d’après le tableau du peintre Jacques-Louis David (1748-1825). Ce tableau original, titré « Le portrait de Madame Récamier », est toujours exposé aujourd’hui au Musée du Louvre à Paris.

Commencé en 1800 et resté volontairement inachevé par l’artiste, le tableau représente Juliette Récamier (1777-1849), agée de 23 ans. Née Jeanne Bernard et fille d’un notaire lyonnais, conseiller du Roi Louis XVI (1754-1793), elle est l’épouse du banquier Jacques-Rose Récamier (1751-1830) qui est à l’origine de la commande du portrait de son épouse.

Renommée pour sa beauté et son intérêt pour les idées novatrices de son époque, elle tient salon dans son hôtel particulier parisien, fréquenté par les plus illustres intellectuels, romanciers et  philosophes de la fin du XVIIIe siècle. 

Dans un style volontairement très épuré, Juliette Récamier est représentée en position semi-allongée sur une méridienne, vétue d’une longue robe blanche au drapé antique. Le candélabre peint à la gauche du tableau vient accentuer la note « antique » de l’ensemble de l’œuvre, qui s’inscrit dans la recherche de la mise en valeur de la grande bourgeoisie de la fin du XVIIIe siècle.

Felix Jasinski est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

« Sapho à la lyre »

Statue ancienne représentant la poétesse grecque Sapho 

Epreuve en plâtre polychrome avec dorures

Cartel « Sapho » sur le devant de la terrasse

Numérotée 101 sur l’arrière de la terrasse

Style à l’Antique

Epoque « Année 1900 »

Hauteur 65 cm 

Prix de vente : 110,00 €

Née sur l’île de Lesbos au VIIe siècle avant notre ère, Sapho est une poétesse lyrique grecque connue pour ses chants et ses compositions musicales à la lyre. Elle est également réputée par son animation d’un cercle pour l’éducation des jeunes femmes basée principalement sur la musique.

Figure de la poésie lyrique grecque entre la fin du VIIe siècle et le début du VIe siècle avant notre ère, seuls quelques fragments de son œuvre existent encore aujourd’hui, notamment un texte dédié à la déesse Aphrodite. Il est admis qu’une grande partie de ses écrits a été détruite par les autorités religieuses à la fin du XIe siècle. En revanche, certaines références aux textes de Sapho peuvent se retrouver dans les textes ou citations d’auteurs de l’Antiquité tels que Platon.

Les premières représentations de Sapho apparaissent sur les céramiques grecques du Ve siècle avant notre ère mais très peu de sculptures lui sont dédiées.

Dès la fin du XVIIIe siècle, la poétesse Sapho est associée aux grandes figures du romantisme, ce qui va perdurer tout au long du XIXe siècle. Dans cette mouvance romantique, en 1884, Alphonse Daudet (1840-1897) publie un livre intitulé « Sapho, mœurs parisiennes », qui décrit la vie d’un couple vivant dans la bohême artistique parisienne de la fin du XIXe siècle et qui s’inspire de la légende de Sapho.

Au début des années 1900, l’admiration sera encore plus forte pour la poétesse Sapho et de nombreux opéras lyriques lui seront consacrés.

D’époque 1900, notre statue s’inscrit donc pleinement dans cette tendance du début du XXe siècle, avec la représentation de Sapho, dont la main gauche repose sur un vase à la lyre, instrument mythique de la légendaire poétesse grecque.

Paul Dubois (1829-1905)

Médaille « Exposition Universelle -Liège – 1905 »

Médaille en bronze

Au droit, personnification au centre de l’Exposition Universelle, entourée respectivement à droite et à gauche des allégories de la Science et de la Médecine

Au revers, personnification de la trompette de la Renommée, surplombant un écu aux armes de la ville de Liège

Titrée « Exposition Universelle – Liège » au droit

Inscription « Royaume de Belgique » au revers

Signée « Paul Dubois » au droit, sous la marche de l’estrade, à droite

Monogrammée « PDB » en bas à gauche au revers

Datée « 1905 » au droit et au revers

Dimensions: Diamètre 70 mm / épaisseur 3 mm / poids 122 grammes 

Prix de vente : 30,00 € 

Paul Dubois, sculpteur, médailleur et peintre français, est notamment réputé pour ses sculptures qui lui ont permis d’obtenir de nombreuses médailes dans les Salons Artistiques où il a régulièrement exposé ses œuvres, des années 1860 aux années 1870. Il a également reçu la Médaille d’Honneur de l’Exposition Universelle qui s’est tenue à Paris de mai à novembre 1878.

Entré en 1858 à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris, il va poursuivre sa formation en Italie où il sera particulièrement influencé par le style de la Renaissance italienne.

Après avoir passé quatre années à Rome, Paul Dubois revient à Paris et au début des années 1870, il est nommé Conservateur du Musée du Luxembourg avant de devenir ensuite en 1878 Directeur de l’Ecole des Beaux-Arts. Il conservera ce poste de Directeur jusqu’à sa mort en 1905 et c’est dans cette école qu’il aura pour élève Camille Claudel (1864-1943) avant qu’elle ne rencontre Auguste Rodin (1840-1917).

Le savoir-faire de graveur de Paul Dubois lui a permis d’être à l’origine de notre ancienne médaille en bronze.

Datée « 1905 », elle affiche au droit une allégorie personnifiée de l’Exposition Universelle qui s’est tenue dans la ville de Liège en Belgique.

Cette Exposition Universelle de Liège a permis de célébrer le 75ième anniversaire de l’indépendance du Royaume de Belgique, en mettant en valeur les connaissances belges principalement dans les domaines scientifiques et médicaux. S’étendant sur plus de soixante hectares et à l’origine notamment de la construction du Palais des Beaux-Arts de Liège qui existe encore de nos jours, cette Exposition a réuni une quarantaine de pays et près de vingt mille exposants.

Notre médaille est donc un véritable témoignage historique des Expositions Universelles du début du XXe siècle, mais elle est également une illustration des qualités de médailleur de Paul Dubois.

Paul Dubois est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

 « La passerelle Launay à Hennebont »

Huile sur toile, encadrée

Représente une vue animée de la passerelle de la rue Launay, à Hennebont (Morbihan)

Situé « Hennebont » et daté « 1900 » en bas à gauche

Monogrammé « AD » en bas à gauche

Cadre d’époque de style Barbizon, en bois et stuc doré, à décor d’une frise de lauriers et de feuilles d’acanthes

Dimensions : 27 x 35 cm (toile) / 40 x 48 cm (avec cadre)

Prix de vente : 60,00 €

Daté « 1900 » et situé à « Hennebont », notre tableau représente une célèbre vue animée ancienne de cette commune du Sud-Ouest du département du Morbihan.

Nos recherches nous ont permis d’identifier avec certitude la passerelle en pierre de la rue Launay, construite au XVIIe siècle et classée « Monument Historique » en 1925. Cette passerelle n’est plus visible aujourd’hui car elle aurait été démontée au moment de la reconstruction de la ville suite aux destructions dues à la seconde guerre mondiale.

De même que certaines cartes postales anciennes sur lesquelles figure ce monument, notre tableau est un réel témoignage historique du riche patrimoine de la Bretagne, et plus particulièrement de celui de la ville d’Hennebont à la fin du XVIIIe siècle.

« Personnification de la Connaissance »

Statuette en biscuit de porcelaine

Représente un putto assis, lisant un livre

Porte une signature au dos de la base

Epoque Début XXe siècle

Hauteur: 21 cm 

Prix de vente : 25,00 €

Inspiré de la Grèce antique, puis de l’art romain, le « putto » est un personnage qui a été repris au XVe siècle en Italie.

Elément essentiel de l’ornementation architecturale italienne, il représente initialement un angelot nu et ailé. Il évolue ensuite vers un nourrisson joufflu, quasiment toujours de sexe masculin.

Les monuments de la renaissance italienne ont particulièrement mis en valeur les « putti » et ces derniers sont cités comme étant caractéristiques de l’art baroque sicilien.

Allégorie de la connaissance, notre putto, en biscuit de porcelaine, est une réelle personnification du lecteur en position assise.

La pièce présentée ici porte une signature au dos de sa base, mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier avec certitude le sculpteur mentionné.

Evocation du marbre blanc des sculptures antiques, le biscuit de porcelaine est obtenu par cuisson à haute température de porcelaine blanche naturelle, sans émaillage et sans décor de couleurs. Son usage est fréquemment utilisé dans la création de statuettes décoratives, comme dans le cas de notre putto « lecteur ».

Aiguière en verre 

Importante aiguière en verre de couleur bleue

Pied et anse de l’aiguière en verre translucide

Style Vénitien

Epoque XXe siècle

  Hauteur: 43 cm

Prix de vente : 30,00 € 

Objet de toilette, mais aussi de décoration, une aiguière est habituellement un vase très élégant doté d’une large anse et d’un bec effilé, pouvant contenir une boisson pour les repas ou de l’eau pour la toilette.

De taille importante, l’aiguière que nous présentons ici est en verre, majoritairement de couleur bleue.

L’association de cette couleur avec le pied et l’anse en verre translucide confère une réelle élégance à cette aiguière et l’inscrit pleinement dans un style vénitien.

Miroir mural 

Petit miroir mural

Cadre en bois doré

Décor d’arabesques

Epoque Début XXe siècle

Dimensions: miroir 10 x 15 cm / avec cadre 13.5 x 18.5 cm

Prix de vente : 4,00 € 

Notre petit miroir mural, avec son cadre aux arabesques en bois doré, s’inscrit dans une réelle simplicité décorative.

Probablement d’époque début XXe siècle, il apportera une note de style classique dans un intérieur à l’élégance « Vintage ».

« Scène pastorale »

Derk Anthonij van de Wart

(1767-1824)

Aquarelle ancienne, encadrée

Représente une scène pastorale avec bergère et berger gardant leur troupeau

Ecole flamande

Signée en bas à droite, avec cachet en creux

Epoque fin XVIIIe siècle début XIXe siècle

Dimensions : 47 x 35 cm (à vue) / 66 x 55 cm (avec cadre)

Prix de vente : 180,00 €

Notre aquarelle ancienne représente une scène de campagne, dans le style « Ecole flamande », probablement d’époque fin XVIIIe siècle début XIXe siècle

Portant une signature en bas à droite « Derk A. van de Wart. fec. », elle peut être attribuée à l’artiste hollandais Derk Anthonij van de Wart, ce qui est confirmé par le cachet en creux visible en bas à droitre et figurant un « W » inscrit dans un cercle.

Peu d’informations sont disponibles sur cet artiste, né en 1767 à Amsterdam et décédé en 1824. Il est cependant reconnu pour la qualité et la finesse de ses œuvres, représentant plus particulièrement des scènes de campagne.

Très peu de tableaux de Derk Anthonij van de Wart existent sur le Marché de l’Art.

Cela confère une réelle rareté à notre aquarelle qui s’inscrit pleinement dans le style des tableaux réalisés par cet artiste hollandais.

Derk Anthonij van de Wart est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Vase Céramique 

Grand vase en céramique allemande

Décor de coulures et glaçures polychromes

Cachet « Germany » sous la base

Numéroté sous la base

Epoque Milieu XXe siècle

Dimensions: hauteur 41 cm / diamètre 25 cm

Prix de vente : 45,00 € 

Porteur d’un cachet « Germany » et numéroté sous sa base, notre vase en céramique allemande présente un décor très original, à base de coulures et de glaçures polychromes.

Avec un éclat particulièrement brillant et imposant par ses dimensions, il apportera une note très lumineuse dans un intérieur moderne. 

Boîte de puzzles anciens 

Boîte contenant 3 puzzles anciens en bois

Puzzles légendés « La Belle au Bois dormant », « La Chaperon rouge » et « Les enfants dans les bois »

Couvercle de boîte orné d’un dessin ancien légendé « Le Petit Poiucet »

Probablement Epoque Années 1950

Dimensions: puzzle 24 x 33 cm / boîte 27 x 33.5 cm

Prix de vente : 12,00 € 

Notre boîte de trois puzzles anciens en bois est probablement d’époque Années 1950.

Les trois puzzles font référence aux « Contes de ma mère l’Oye », recueil de contes de fées édité en 1697 par le célèbre écrivain français Charles Perrault (1628-1703).

Titrés « La Belle au Bois dormant », « Le Chaperon rouge » et « Les enfants dans les bois », les puzzles font également apparaître quelques lignes extraites du texte original de chacun des contes.

Edouard Athénosy (1859-1934)

« Matinée de printemps »

Huile sur carton, encadrée

Représente un paysage d’arbres fleuris, au printemps

Signée « Ed. Athénosy », en bas à droite

Datée « 19 3 1911 » en bas à gauche

Titrée au dos

Dédicace écrite à la plume de la main de l’artiste au dos du carton, signée et datée « Mai 1912 »

Cadre en bois doré, à décor perlé

Dimensions : panneau 17.5 x 9 cm / avec cadre 23.5 x 15 cm 

Prix de vente : 90,00 €

Artiste français né dans le Vaucluse, Edouard Athénosy (1859-1934) est renommé pour ses réprésentations de la campagne avignonnaise à différentes saisons, très fréquemment en petits formats sur carton.

Ses œuvres se distinguent par la précision du dessin et la finesse des touches de peinture déposées par l’artiste, avec une lumière jouant avec le ciel qui a toujours une part importante dans les œuvres d’Edouard Athénosy.

Avec son petit format s’inscrivant totalement dans les oeuvres de l’artiste, notre tableau peut s’apparenter à une autre création du peintre réalisée dans les environs de la commune des « Angles » dans le Gard et limitrophe de la ville d’Avignon.

Les arbres sont peints avec une réelle finesse et sont probablement des amandiers en fleurs, la production d’amandes étant une activité importante dans le département du Vaucluse jusqu’au début du XXe siècle.

L’originalité de notre tableau réside dans la présence au dos du carton d’une dédicace d’Edouard Athénosy, écrite de sa main à la plume, signée et datée « Mai 1912 ». L’artiste a également inscrit lui-même le titre de son œuvre : « Matinée de printemps ».

Véritable témoignage historique, cette dédicace confère ainsi une rélle rareté émouvante à notre tableau, qui apportera, par la douceur qui en émane, une note très poétique dans une décoration d’intérieur.

Edouard Athénosy est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Eléphant « Cristal de Sèvres »

Statuette d’éléphant à la trompe levée

Cristal satiné et translucide de Sèvres

Cachet « Sèvres France » sous la base

Epoque XXe siècle

Dimensions: longueur 15 cm / hauteur 9.5 cm 

Prix de vente : 30,00 € 

Il est communément admis que l’histoire du cristal de Sèvres remonte au milieu du XVIIIe siècle, sous le règne de Louis XV. C’est à cette époque que la Marquise de Pompadour (1721-1764) obtient, par « Privilège du Roi », l’autorisation de création d’une Manufacture pour la fabrication d’objets en verre à Sèvres, en région parisienne. Son but est de concurrencer la verrerie italienne en produisant des verres de haute qualité.

Au fil des années, la Manufacture Royale de Sèvres va acquérir une renommée internationale européenne, ce qui va l’amener à présenter ses productions prestigieuses à l’Exposition Universelle de Paris en 1878.

Le XXe siècle perpétue le lien étroit entre le cristal de Sèvres et la culture « à la française », notamment dans les Arts de la Table et de la décoration. Aujourd’hui, le cachet Sèvres France reste le garant d’une production de cristal de haute qualité et d’une très grande finesse.

Notre figurine, en cristal de Sèvres satiné et translucide, représente un éléphant à la trompe levée, symbole de prospérité et de chance. Alliant à la fois un style Art Déco à une élégance très contemporaine, elle porte le cachet « Sèvres France » sous sa base, témoignage de qualité de la production française de cristal.

Particulièrement élégante par sa finesse et la perfection de son satinage, notre statuette, objet de vitrine par excellence, apportera une note à la fois moderne et raffinée dans une décoration d’intérieur.

« Promenade au parc »

Aquarelle ancienne « Miniature », encadrée sous verre

Scène champêtre représentant 3 jeunes femmes aristocrates en promenade au parc

Signée en bas à droite

Ecole française du XVIIIe siècle

Epoque Fin XVIIIe

Dimensions : 7 x 8.5 cm (à vue) / 9.5 x 11 cm (avec cadre)

Prix de vente : 35,00 €

Caractéristique du XVIIIe siècle la scène champêtre montre des personnages de l’aristocratie de l’époque, représentés au milieu de la nature.

Notre aquarelle « Miniature » s’inscrit totalement dans ce genre artistique, avec une scène champêtre animée de trois jeunes femmes aristocrates se promenant dans un parc.

L’aquarelle fait plusieurs fois référence au XVIIIe siècle, par la tenue vestimentaire des personnages et le style du jardin.

Habillées à la française, nos trois promeneuses portent un corsage serré, aux manches s’arrêtant aux coudes. Leurs jupes, dites « à la française », sont caractéristiques par leur largeur, obtenue par l’usage d’un « panier » placé sous la jupe.

Nous pouvons également imaginer nos trois aristocrates amusées par la découverte d’une statue antique cachée au détour d’une allée d’un parc, travaillé dans le style des jardins à la française et entourant probablement un château du XVIIIe siècle.

Notre aquarelle porte une signature en bas à droite, mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier l’artiste avec certitude.

Probablement d’époque Fin XVIIIe siècle, notre aquarelle signée possède un réel charme par la scène représentée, accentué par son format « Miniature » qui lui confère une vraie originalité.

Candélabre à 3 lumières

Candélabre à 2 branches et 3 lumières

Bronze moderne

Fût tronconique strié

Pourtour perlé sur les godets, bobèches et base du candélabre

Epoque XXe siècle

Hauteur: 24 cm 

Prix de vente : 20,00 € 

En bronze moderne, notre candélabre se caractérise par son association d’un discret style Empire à un design très contemporain.

Elément de décor repris à plusieurs reprises, la finesse des perles entourant les godets, les bobèches et la base du candélabre vient adoucir l’ornement classique strié du fût tronconique.

A deux branches et trois lumières, notre candélabre pourra rehausser de son éclat une table de fêtes ou s’intégrera parfaitement dans un décor intérieur.

Vase  Art Nouveau

Vase en plâtre patiné

Au pied du vase, en creux, cachet de création, indication « FRANCE » et chiffrage « 107 »

Style Art Nouveau

Années 1900

Hauteur: 48 cm 

Prix de vente : 60,00 € 

S’inscrivant totalement dans les créations de l’Art Nouveau, notre vase en plâtre patiné est orné d’une jeune femme portant un drapé, se tenant debout au milieu d’ornements constitués d’une fleur et de différents feuillages.

Un cachet de création est présent sur la base du vase mais nous n’avons pas pu identifier avec certitude l’inscription gravée sur le pourtour supérieur de ce cachet. Une inscription en creux « FRANCE » et un chiffrage « 107 » permet de confirmer une fabrication française.

Pour rappel, l’Art Nouveau, antérieur à l’Art Déco, s’est développé en Europe de la fin du XIXe siècle au début du XXe siècle. Sa caractéristique est sa mise en avant de motifs floraux, souvent inclus dans un décor de lignes courbes et d’arabesques.

Ce mouvement artistique sera à son apogée autour des années 1900 avant de connaître un déclin jusqu’aux années 1920. L’art Déco prendra alors toute sa place en apparaissant notamment après l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels qui s’est tenue à Paris en 1925. Avec le parti pris de s’affranchir de l’Art Nouveau, l’Art déco se distingue par une volonté de modernité tout en créant un style épuré qui va chercher parfois son inspiration dans les œuvres antiques.

L’artiste ayant façonné notre vase a fait preuve d’une réelle finesse dans la réalisation de la femme drapée, notamment dans l’exécution de son visage. Cette précision de sculpture se retrouve également dans le mouvement donné au corps du personnage et à l’ensemble du vase, typique de l’Art Déco du début des années 1900.

 Raphaël Drouart (1894-1972)

« Maisons de pêcheurs

à Saint-Martin-de-Ré »

Gravure rehaussée de couleurs

               Représentation de maisons de pêcheurs, dans le port           de Saint-Martin-de-Ré, sur l’île de Ré

Située dans le coin inférieur gauche

Signée en bas à droite « R. Drouart »

Dimensions : gravure 21 x 14.5 cm / avec cadre 41 x 31 cm

Prix de vente : 155,00 €

Raphaël Drouart (1894-1972)

Graveur français, Raphaël Drouart est reconnu également pour ses activités de peintre et d’illustrateur. Mais sa renommée est essentiellement due à sa maîtrise de l’ensemble des techniques de gravures, telles que l’eau-forte et la lithographie.

Après avoir travaillé en tant qu’illustrateur de revues dans les années 1920, il se consacre ensuite plus particulièrement à l’art de la gravure. Dans les années 1930, il publiera plusieurs recueils de lithographies, composés de portraits, de nus ou de natures mortes. De nombreux musées nationaux et internationaux présentent encore aujourd’hui au public les œuvres de Raphaël Drouart.

Des années 1940 aux années 1960, il installe son atelier sur l’île de Ré, dans le village des Portes-en-Ré. Il y réalisera plusieurs gravures des villages et paysages qui l’entourent.

Notre gravure s’inscrit donc totalement dans les réalisations de l’artiste pendant cette période, avec la représentation de maisons de pêcheurs du port de Saint-Martin-de-Ré dans les années 1950.

A une vingtaine de kilomètres des Portes-en-Ré, Saint-Martin-de-Ré, chef-lieu de l’île de Ré, est l’un des ports les plus importants de l’île. La richesse de la commune s’appuie principalement sur ses activités de pêche et de tourisme.

Fondé au Moyen-Age, Saint-Martin-de-Ré est également célèbre pour sa citadelle et ses fortifications érigées au XVIIe siècle par le Marquis de Vauban (1633-1707), ingénieur militaire du Roi Louis XIV (1638-1715). Ce patrimoine historique a permis à la commune d’être inscrite en 2008 au patrimoine mondial de l’UNESCO.

Raphaël Drouart est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Vase « à l’Antique »

Petit vase en forme d’amphore, à deux anses

Bronze patiné

Décor « à l’Antique » avec 4 mascarons

Support tripode en forme de pattes de lions

Hauteur: 21.5 cm 

Prix de vente : 50,00 € 

Notre vase en bronze patiné est original par la nature de son décor, avec une scène antique à deux personnages. Sur un support tripode en pattes de lions, il n’est pas sans rappeler la forme des vases antiques, notamment celle des amphores.

La présence de 4 mascarons sur chacun des côtés ajoute une note particulière à l’ensemble du décor. Rappelons que le mascaron est une représentation de figure humaine, parfois effrayante afin d’éloigner les mauvais esprits. D’origine italienne, les mascarons font leur apparition en France au XVIe siècle, suite aux guerres d’Italie.

Une autre particularité de notre vase est qu’il peut être transformé en bougeoir, à l’aide d’un godet amovible.

Porteur de mascarons, symboles protecteurs de la maison, il amènera une réelle nuance ancienne dans une décoration intérieure moderne.

Mortier « aux quatre blasons » et son pilon

Mortier et son pilon, en bronze

Décor crénelé, avec blasons héraldiques

Epoque XXe siècle

Dimensions: hauteur Mortier 6.5 cm / diamètre Mortier 9.5 cm / longueur Pilon 12 cm 

Prix de vente : 35,00 € 

En bronze, notre mortier et son pilon se caractérise par son décor aux quatre blasons héraldiques séparés par un décor crénelé.

Le Moyen-Age voit apparaître la science héraldique avec les ornements de bannières ou d’écus utilisés à l’époque par les chevaliers, sur les champs de bataille ou lors de joutes.

Les couleurs utilisées, toujours très vives, permettent aux soldats ou au public de reconnaître les différentes seigneuries ou familles nobles.

Les motifs dessinés font fréquemment appel à la symbolique, notamment celle des animaux, par leur aspect mythique comme le phénix, ou leur puissance légendaire comme le lion.

En parfait état et probablement d’époque XXe siècle, notre mortier en bronze sera un parfait objet de vitrine avec son décor faisant référence à l’histoire moyenâgeuse.

Bassin « Sarreguemines »

Bassin en faïence de Sarreguemines

Modèle « Calcutta »

Décor de camaïeu rouge sur fond clair

Ornements en guirlandes sur le pourtour du bassin

Décoration à la rosace sur le fond intérieur du bassin

Cachet « Calcutta – U & Cie – Sarreguemines » sous la base

Marques de fabrication chiffrée « 28 » et lettrée « PP » sous la base

Epoque 1890-1910

Dimensions: diamètre 37.5 cm / hauteur: 13 cm 

Prix de vente : 15,00 € 

La manufacture de Sarreguemines a été fondée à la fin du XVIIIe siècle. Après des débuts difficiles, Paul Utzschneider en fait l’acquisition en 1800 et industrialise l’activité, en innovant notamment avec la décoration par impression suivie par un émaillage. L’Empereur Napoléon 1er devient l’un des clients les plus importants de la manufacture.

En 1836, Paul Utzschneider confie la gestion de l’entreprise à son gendre, Alexandre de Geiger. La manufacture prend alors le nom « Utzschneider & Compagnie » (Cachet « « U & Cie »).

Le fils d’Alexandre de Geiger, Paul de Geiger, succède à son père en 1871, jusqu’à son décès en 1913. A la fin de la première guerre mondiale, la famille Cazal reprend la direction de l’entreprise.

Au début du XIXe siècle, la manufacture connaît une croissance rapide et ouvre de nouveaux ateliers qui sont modernisés dans les années 1850. Dès la fin du XIXe siècle et jusqu’au début du XXe siècle, elle est considérée comme l’une des plus grandes faïenceries européennes, en expédiant dans le monde entier de larges collections de faïences.

La seconde guerre mondiale marquera le début du déclin de la faïencerie jusqu’aux années 1980 ou la production de vaisselle sera abandonnée définitivement après le rachat des activités par la manufacture Lunéville St-Clément. Seule une production de carrelage sera maintenue.

Le début des années 2000 marque une reprise des activités sous le nom « Céramiques de Sarreguemines » mais la cessation définitive d’activité est actée en 2007.

Confirmé par le cachet présent sous sa base, notre bassin est emblématique des faïences produites par l’entreprise « Utzschneider & Compagnie » à la fin du XIXe siècle ou au tout début du XXe siècle (années 1880-1910).

Son décor intitulé « Calcutta » a été décliné en plusieurs couleurs, le plus fréquemment en bleu. Il est constitué essentiellement de guirlandes sur les pourtours interne et externe du bassin, faisant référence à des ornements orientaux particulièrement appréciés à la fin du XIXe siècle. La décoration à la rosace sur le fond interne du bassin accentue cette note orientale.

Avec son camaïeu de rouge qui lui confère une réelle originalité, notre bassin en faïence ancienne de Sarreguemines pourra tout-à-fait être utilisé en coupe ou devenir un élément d’une décoration centrale de table.

Vase « à l’Antique »

Petit vase en forme d’amphore, à deux anses

Bronze patiné

Décor « à l’Antique » avec 4 mascarons

Support tripode en forme de pattes de lions

Hauteur: 21.5 cm 

Prix de vente : 50,00 € 

Notre vase en bronze patiné est original par la nature de son décor, avec une scène antique à deux personnages. Sur un support tripode en pattes de lions, il n’est pas sans rappeler la forme des vases antiques, notamment celle des amphores.

La présence de 4 mascarons sur chacun des côtés ajoute une note particulière à l’ensemble du décor. Rappelons que le mascaron est une représentation de figure humaine, parfois effrayante afin d’éloigner les mauvais esprits. D’origine italienne, les mascarons font leur apparition en France au XVIe siècle, suite aux guerres d’Italie.

Une autre particularité de notre vase est qu’il peut être transformé en bougeoir, à l’aide d’un godet amovible.

Porteur de mascarons, symboles protecteurs de la maison, il amènera une réelle nuance ancienne dans une décoration intérieure moderne.

Candélabre à 3 lumières

Candélabre à 2 branches et 3 lumières

Bronze moderne

Fût tronconique strié

Pourtour perlé sur les godets, bobèches et base du candélabre

Epoque XXe siècle

Hauteur: 24 cm 

Prix de vente : 20,00 € 

En bronze moderne, notre candélabre se caractérise par son association d’un discret style Empire à un design très contemporain.

Elément de décor repris à plusieurs reprises, la finesse des perles entourant les godets, les bobèches et la base du candélabre vient adoucir l’ornement classique strié du fût tronconique.

A deux branches et trois lumières, notre candélabre pourra rehausser de son éclat une table de fêtes ou s’intégrera parfaitement dans un décor intérieur.

« Bouddha assis »

Statuette asiatique en bronze patiné

Figurine représentant un bouddha assis

Probablement Ecole thaïlandaise ou birmane

Epoque XXe siècle

Hauteur: 22 cm 

Prix de vente : 25,00 € 

Probablement d’origine d’Asie du Sud-Est, thaïlandaise ou birmane, notre statuette représente un bouddha, les yeux mi-clos, assis en position du lotus, la main droite effleurant le sol et la main gauche tournée vers le ciel.

La symbolique des statues de Bouddha repose sur deux principes majeurs : la position du personnage et les gestes des mains.

Par exemple, la position couchée sur le côté du bouddha rappelle les derniers instants de sa vie sur terre avant qu’il n’atteigne le « nirvana final ».

La position du lotus, comme celle de notre statuette, symbolise pleinement la méditation et la contemplation.

Les gestes des mains, appelés « Mudras », sont toujours en lien avec la méditation et permettent de préciser les pensées spirituelles bouddhistes associées.

L’un des plus fréquents gestes représentés sur les statues est appelé « Bhumisparha ». Il est caractérisé par les doigts de la main droite qui effleurent le sol, symbolique de la prise à témoin de la terre pour prouver la réussite du chemin spirituel aboutissant à l’éveil de la connaissance et à l’illumination.

C’est le geste le plus fortement synonyme de la détermination, de la victoire sur l’ignorance et sur les forces obscures. Il est également significatif de la grandeur de la pratique spirituelle.

En bronze patiné, notre bouddha sera synonyme de sérénité dans la décoration d’un intérieur placé sous le signe du bien-être et de l’harmonie.

Blanche-Marie Baraban-Cahagnet (1865-milieu XXe siècle)

« L’église Saint-André de Niort »

Huile sur panneau, encadrée

Représente l’église Saint-André de la ville de Niort, vue des rives de la Sèvre niortaise

Signée « Bl. Baraban » en bas à droite

Cadre doré d’époque, à décor de perles et de palmettes

Epoque Fin XIXe siècle Début XXe siècle

Dimensions : panneau 12 x 18 cm / avec cadre 21 x 27 cm 

Prix de vente : 40,00 €

Blanche-Marie Baraban-Cahagnet (1865-vers 1950)

Artiste peintre française, Blanche-Marie Baraban-Cahagnet est reconnue pour ses œuvres représentant des natures mortes ou des compositions florales.

Le petit tableau que nous présentons ici est donc original par sa rareté dans les réalisations de l’artiste.

Nos recherches nous ont permis de trouver une trace du mariage de l’artiste à la fin du XIXe siècle avec Louis Charles Cahagnet dans la ville de Niort, à la fin du XIXe siècle. Nous avons réussi ainsi à identifier avec certitude l’église représentée par Blanche-Marie Baraban-Cahagnet sur notre tableau. Il s’agit de l’église Saint-André de la ville de Niort, l’un des plus anciens monuments religieux de la ville.

Bâtie pendant la seconde moitié du XIXe siècle sur l’une des deux collines de Niort, elle domine le vieux port et la Sèvre niortaise. Inscrite aux Monuments Historiques depuis 2015 et parfaitement reconnaissable avec ses deux tours surmontées de flèches, elle se caractérise par son style néogothique.

D’époque tout début XXe siècle, voire de la fin du XIXe siècle, notre tableau est particulièrement mis en valeur par son cadre doré d’époque, au décor de perles et de palmettes.

Remarquable par la finesse de ses traits, particulièrement dans la représentation du reflet dans la rivière des deux flèches de l’église, le petit format de notre huile sur panneau lui permettra de s’intégrer aisément dans une décoration d’intérieur en apportant un réel témoignage historique de la ville de Niort à l’aube du XXe siècle.

Blanche-Marie Baraban-Cahagnet est une artiste cotée dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

« Moine Bouddhiste »

Sculpture ancienne en bois sculpté et doré

Représente un moine bouddhiste agenouillé, en méditation

Robe monastique avec inclusion de verroteries colorées et réfléchissantes

Probablement d’origine birmane

Epoque Début XXe siècle

Dimensions: base 25 x 21 cm / hauteur: 26 cm 

Prix de vente : 40,00 € 

Notre sculpture en bois doré est très probablement d’origine birmane.

Elle est la représentation fidèle d’un moine bouddhiste, agenouillé, dans une position de méditation, les yeux fermés.

Il porte une robe monastique traditionnelle, ornée avec des inclusions de verroteries colorées et réfléchissantes.

D’époque début XXe siècle, notre statue est particulièrement originale et d’une réelle rareté.

Véritable témoignage de l’art bouddhiste birman, elle apportera une note très lumineuse dans la sérénité d’une ornementation d’intérieur.

Mortier ancien et son pilon

Mortier à deux anses et son pilon, en bronze ancien

Décor de blasons héraldiques, aux phénix

Inscriprions anciennes et date partielle sur le pourtour du col

Origine Pays-Bas

Dimensions: hauteur Mortier 12 cm / diamètre Mortier 11 cm / longueur Pilon 20 cm

Prix de vente : 20,00 € 

Notre mortier ancien à deux anses, présenté avec son pilon, est très probablement très ancien et provient des Pays-Bas. Ceci est confirmé par l’inscription partiellement effacée sur le pourtour du col où nous avons pu déchiffrer les mots « SERKE » et « CHEGOTEN », termes figurant sur des mortiers anciens hollandais datés du XVIe siècle. Le début d’une date incomplète « A 15.. » apparaît également sur le col.

Outre ses deux anses en bronze, l’originalité de notre mortier réside dans son décor héraldique sur ses deux faces. Il représente un blason encadré de part et d’autre par deux créatures ailées ressemblant à des aigles, ce qui nous permet de les associer à des phénix.

Utilisés par les apothicaires, ancêtres de nos pharmaciens d’aujourd’hui, les mortiers anciens étaient tous destinés à la préparation de divers onguents et pommades de soins, à base de plantes pilées ou d’éléments solides réduits en poudre. La présence des phénix sur notre mortier vient conforter son usage thérapeutique, par la symbolique de ces oiseaux, emblèmes de longévité et de renaissance.

Objet ancien et d’une rareté certaine, notre mortier en bronze, accompagné de son pilon, est un véritable témoignage d’un lointain passé, alliant les connaissances médicales des apothicaires à l’allégorie du phénix, oiseau mythique incarnant la vie éternelle.

Vase balustre « Limoges »

Vase balustre de style Empire

Porcelaine polychrome avec dorures

Décor « au pont » surplombant une rivière

Anses en forme de cygnes

Signé sur le décor « R. Morin »

Porte un cachet sous la base « Limoges France – Fait Main »

Epoque Début XXe siècle

Hauteur: 34 cm 

Prix de vente : 40,00 € 

De forme balustre, notre vase en porcelaine polychrome est richement décoré d’un paysage « au pont » surplombant une rivière. Le décor est réalisé d’un seul tenant sur l’ensemble de la panse du vase.

Il porte une signature « R. Morin » mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier avec certitude l’artiste à l’origine de ce décor.

L’originalité du vase réside également dans ses deux anses en forme de cygnes et ses frises dorées ornant le tour de sa base et les deux côtés de son col.

Un cachet « Limoges – France – Fait main », présent sous la base, certifie la provenance et le mode de fabrication du vase. Le cachet porte également en son centre les initiales de la manufacture créatrice du vase.

Témoignage de l’art porcelainier de la ville de Limoges au début du XXe siècle, notre vase apportera à un intérieur une réelle note de style Empire.

Services à Griottes et sa louche

Service à Griottes, en verre

Louche « Ravinet d’Enfert » d’époque, en métal argenté

Constitué d’une coupe et de son couvercle, de 8 verres à pied et d’un plateau

Décor floral

Poinçon « Ravinet d’Enfert » sur la louche, modèle « Coquille »

Style Art Nouveau

Epoque Début XXe siècle

Dimensions: hauteur Coupe 23 cm / diamètre Coupe 14 cm / hauteur Verre 7 cm / diamètre Plateau 28 cm / longueur Louche 24 cm

Prix de vente : 35,00 € 

La culture du griottier (« Prunus Cesarus »), très ancienne, est répandue en Europe de l’Est car cet arbre est particulièrement résistant au froid. On le trouve également en France, notamment dans la région Nord.

Le fruit de cet arbre, appelé « griotte » et mondialement connu, est proche de la cerise mais se différencie par son goût nettement plus acidulé. Cette acidité naturelle fait que la griotte est utilisée de préférence dans les préparations culinaires, le plus fréquemment dans les desserts ou les confitures.

Les griottes peuvent également être consommées en macération dans de l’eau-de-vie ou dans une liqueur. Dans ce cas précis, elles sont amenées sur une table dans un « Service à Griottes ».

Nous présentons ici un exemple de ces services à griottes, le nôtre étant en verre et composé d’une coupe et de son couvercle, de ses 8 verres, de son plateau et de sa louche en métal argenté « Modèle Coquille ».

Le style Art Nouveau de son décor floral nous permet de situer le service dans la période Début du XXe siècle.

La louche de service est d’époque et porte un poinçon « Ravinet d’Enfert ».

Vase à anses

Faïence anglaise ancienne

Décor floral en relief

Cachet « ALHAMBRIAN » sous la base

Epoque Fin XIXe siècle

Hauteur: 32 cm

Prix de vente : 30,00 € 

D’époque Fin XIXe siècle, le vase présenté est en faïence anglaise ancienne et porte le cachet « ALHAMBRIAN » sur la base.

Les décors de fleurs, feuilles et volutes sont en relief et typiques des faïences de cette marque.

L’originalité et la particularité de ce vase résident dans sa forme avec doubles anses et son riche décor qui rappelle le style « Barbotine ».

« Jeune femme à l’Antique »

Sculpture en fonte de fer, à patine Bronze

Représente une femme assise, tenant un parchemin

Drapé à l’Antique

Epoque Début XXe siècle

Hauteur: 16 cm 

Prix de vente : 90,00 € 

Alliage de fer et de graphite, la fonte de fer se développe principalement pendant le XIXe siècle et elle est particulièrement appréciée pour les pièces d’ornement telles que les sculptures. Les œuvres créées sont regroupées sous le nom « Fonte d’art ».

Probablement d’époque début XXe siècle et élément de décor d’une pendule, notre statue en fonte de fer à patine Bronze s’inscrit totalement dans la continuité des œuvres de style antique réalisées à la fin du XIXe siècle. Elle représente une jeune femme assise, tenant un parchemin dans la main droite, portant un vêtement drapé à l’Antique.

La finesse du drapé et le raffinement de la sculpture témoignent pleinement de l’esthétique des fontes d’art du début du XXe siècle.

L’impression de douceur qui émane du personnage apportera une réelle note de sérénité dans une décoration d’intérieur.

Vase à anses

Faïence anglaise ancienne

Décor floral en relief

Cachet « ALHAMBRIAN » sous la base

Epoque Fin XIXe siècle

Hauteur: 32 cm

Prix de vente : 30,00 € 

D’époque Fin XIXe siècle, le vase présenté est en faïence anglaise ancienne et porte le cachet « ALHAMBRIAN » sur la base.

Les décors de fleurs, feuilles et volutes sont en relief et typiques des faïences de cette marque.

L’originalité et la particularité de ce vase résident dans sa forme avec doubles anses et son riche décor qui rappelle le style « Barbotine ».

Vase ancien à l’Antique

Grand vase ancien en plâtre à deux patines, claire et foncée

Décor à l’Antique avec en partie centrale une frise en relief de putti et de chérubins

Style Art Nouveau

Epoque Années 1900

                          Dimensions: hauteur 31 cm / Diamètre 23 cm

Prix de vente : 28,00 €

L’originalité de notre vase réside dans son décor à l’Antique, avec une double ornementation à deux patines, l’une claire et l’autre foncée.

En partie centrale se trouve une frise en relief de puttis et de chérubins, encadrées par un décor strié s’inspirant de celui des vases grecs antiques.

Les putti et les chérubins sont fréquemment utilisés dans la décoration ornementale.

Le « putto » est un personnage inspiré de la Grèce antique, puis de l’art romain. Il a ensuite été repris au XVe siècle en Italie. Elément essentiel de l’ornementation architecturale italienne, il représente un angelot nu et ailé, appelé Chérubin. Il évolue ensuite vers un nourrisson joufflu, quasiment toujours de sexe masculin.

A noter que dans la religion chrétienne, le chérubin est une créature spirituelle porteuse de messages divins et qui peut également être un ange gardien.

Façonné en plâtre patiné, notre vase, avec sa frise de putti et de chérubins, amènera une réelle note antique à une décoration d’intérieur en rappelant l’art des poteries grecques ancestrales.

Lucien Quénard (1902-1995)

« Crique à Saint-Raphaël »

Huile sur panneau, vernissée

Représente une crique du massif de l’Esterel, proche de Saint-Raphaël

Signé en bas à gauche

Certificat d’expertise au dos du tableau

Epoque XXe siècle

Dimensions : panneau 73 x 40 cm (à vue) / avec cadre 80 x 47 cm

Prix de vente : 70,00 €

Lucien Quénard (1902-1995)

Artiste français, Lucien Quénard avait son atelier en Isère, dans la ville de Grenoble. Membre de la Société dauphinoise des Beaux Arts et de l’Académie de Peinture du Dauphiné, il est particulièrement renommé pour ses œuvres réprésentant des paysages de montagnes.

Son style post-impressioniste et plutôt classique lui a permis de remporter de nombreux prix dans les salons et expositions auxquels il a participé en France, notamment à Paris, Grenoble et Nice.

C’est probablement au cours de l’un de ses séjours dans le sud de la France que Lucien Quénard a peint le tableau que nous présentons aujourd’hui.

Titré « Crique à Saint-Raphaël », il s’inscrit pleinement dans le style post-impressioniste de l’artiste, avec cette représentation des rochers du Massif de l’Esterel, plongeant dans le bleu de la mer Méditerranée. Les formes ondulantes et les couleurs données aux rochers font ressentir la chaleur du paysage.

Le massif montagneux volcanique de l’Esterel, entre Provence et Méditerranée, se caractérise effectivement  par ses roches rouges créant des reliefs très accidentés, se jetant dans la Mer Méditerranée entre les départements des Alpes Maritimes et du Var. Le Mont Vinaigre, point culminant du massif avec une altitude d’un peu plus de 610 mètres, offre une superbe vue sur les baies de St-Raphaël et de Cannes.

Lucien Quénard est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art. Pour information, un certificat d’expertise est associé à notre tableau.

« Jeune femme au lévrier »

Sculpture en régule patiné, sur socle en marbre

Représente une jeune femme assise, caressant son lévrier

Socle en marbre veiné

Epoque Art Déco

Années 1910-1930

Dimensions: hauteur statue 19 cm / longueur statue 59 cm / socle marbre 58 x 14 cm

Prix de vente : 35,00 € 

D’époque Art Déco sur son socle en marbre veiné, notre statue en régule patiné représente une femme assise, caressant son chien.

L’œuvre que nous présentons ici est typique des sculptures Art Déco des années 1930, style qui est apparu notamment après l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels qui s’est tenue à Paris en 1925.

Dans les « années folles » de l’entre-deux guerres, l’Art Déco se caractérise alors par une volonté de modernité tout en créant un style épuré qui va chercher parfois son inspiration dans les œuvres antiques.

Avec une coiffure au bandeau typique des années 1920, notre jeune femme est représentée avec une grande finesse, que ce soit son visage ou le drapé du vêtement qu’elle porte. Elle n’est pas sans rappeler les célèbres sculptures de femmes réalisées dans le style Art Déco par le sculpteur français Louis Octave Maxime Le Verrier, plus communément appelé Max Le Verrier (1891-1973) et par Claire Colinet, sculptrice belge bruxelloise (1880-1950), avec leurs œuvres inspirées de l’univers artistique des années « folles ».

En dépit de quelques altérations à la patine, la statue est remarquable par sa délicatesse et la tendresse qui se dégage entre la jeune femme et son chien, ce qui confère une réelle élégance à notre sculpture.

René Davoine (1888-1962)

Médaille en bronze

« Docteur R. J. Weissenbach »

Médaille dans son coffret d’origine, en cuir et velours rouge

Au droit, représentation de profil du Docteur Raymond-Joseph Weissenbach (1885-1963)

Au revers, titres du Docteur R. J. Weissenbach

Signée « René Davoine » au droit

Sur la tranche, poinçon « Corne d’abondance – Bronze » de la Monnaie de Paris

Datée « 1950 » au droit

Dimensions: diamètre 80 mm / épaisseur 8 mm / poids 260 g

Prix de vente : 30,00 €

René Davoine (1888-1962)

Sculpteur français, René Davoine est réputé pour l’ensemble de ses œuvres, réalisées notamment sur bois. Plusieurs médailles et récompenses ont participé à la renommée nationale et internationale de l’artiste, membre du Salon des Artistes français.

Aujourd’hui, plusieurs de ses œuvres sont présentées au Musée du Prieuré, à Charolle, sa ville de naissance (département de la Saône et Loire).

Son savoir-faire de graveur lui a permis d’être à l’origine d’une médaille en bronze de la Monnaie de Paris, celle que nous présentons ici aujourd’hui.

Datée « 1950 », elle affiche au droit le profil du Docteur Raymond-Joseph Weissenbach (1885-1963), médecin de l’Hôpital Saint-Louis. Ses principaux titres professionnels sont cités au revers de la médaille : « Président de la ligue française contre le rhumatisme – Président de la société française de dermatologie ».

L’origine « Monnaie de Paris » est confirmée par le poinçon « Corne d’abondance-bronze » présent sur la tranche de la médaille, poinçon employé par la Monnaie de Paris de la fin du XIXe siècle à la fin du XXe siècle. La corne d’abondance, sous une forme doublée, continue de nos jours à être utilisé par la Monnaie de Paris.

Présentée dans son coffret d’origine, en cuir et velours rouge, notre médaille est un véritable hommage historique à l’une des grandes figures de la médecine française du milieu du XXe siècle, mais elle est également un témoignage de l’œuvre de René Davoine et des qualités de graveur de ce sculpteur français.

René Davoine est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Coffret « Porcelaine »

Coffret de table quadripode en porcelaine, avec son couvercle

Décor bleu de feuilles et de fleurs, sur fond blanc

Prise de couvercle, prises latérales et pieds en métal à patine « Bronze »

Prises latérales de style « effigies royales »

Porcelaine ancienne

Dimensions: longueur 21 cm / largeur 13 cm / hauteur avec couvercle 20 cm

Prix de vente : 80,00 €

Notre coffret avec son couvercle est en porcelaine ancienne, à décor bleu de feuilles et de fleurs sur un fond blanc.

Le coffret est orné de différents ajouts en métal à patine « Bronze » : Prise du couvercle, pieds et prises latérales, rappelant des effigies royales.

Nos recherches n’ont pas permis de définir avec certitude le pays d’origine de cet objet, même s’il a tendance à rappeler les coffrets anciens asiatiques. Il en est de même pour l’époque de fabrication qui au vu de l’aspect extérieur de la porcelaine pourrait se situer à la fin du XIXe siècle ou au début du XXe siècle. Ces points restent cependant à être confirmés.

Notre coffret reste cependant remarquable par ses dimensions, son décor bleu / blanc et ses ornementations métalliques qui lui confèrent une réelle originalité.

Nicolas Arnoult (1650-1722)

« Homme de Qualité »

Estampe ancienne

Gravure Eau-forte et burin

Représente un Noble d’époque Louis XIV

Titrée, signée et datée 1687 en bas à droite

Cadre en bois et stuc doré (Fin XIXe siècle)

Epoque XVIIe siècle

Dimensions : gravure 17 x 28 cm / avec cadre 28 x 40 cm

Prix de vente : 70,00 €

Nicolas Arnoult (1650-1722)

Né en 1650 et mort à Paris en 1722, Nicolas Arnoult est un graveur français en taille douce, spécialisé dans l’édition d’estampes de mode réalisées à l’eau-forte et au burin. Son atelier était installé Rue de la Fromagerie à Paris, rue qui n’existe plus depuis le milieu du XIXe siècle.

Très renommé pour l’ensemble de ses gravures toutes réalisées entre la fin du XVIIIe siècle et le début du XIXe siècle, Nicolas Arnoult est présent dans toutes les collections des plus grands musées nationaux et internationaux. Nos recherches nous ont permis de vérifier qu’un exemplaire de notre gravure est présent dans les collections du Musée du Louvre à Paris.

Présentée dans un cadre en bois et stuc doré probablement d’époque XIXe siècle et rehaussée de couleurs, notre estampe s’inscrit totalement dans les œuvres de l’artiste, avec la représentation d’un noble de l’époque de Louis XIV. La texture du papier utilisé est de nature à attester qu’il s’agit bien d’une œuvre de la fin du XVIIe siècle, ce qui est confirmé par la date «1687» indiquée sur la gravure.

Notre gravure possède également la particularité d’indiquer l’adresse de l’atelier de Nicolas Arnoult, avec la mention «Se vend à Paris chez N. Arnoult, rue de la fromagerie à l’image St. Claude, aux halles, avec Privilège du Roy». Pour rappel, le Privilège du Roi permet de publier un ouvrage ou une estampe avec l’accord de l’autorité royale, après examen et approbation par les censeurs royaux.

Nicolas Arnoult est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Gravure Eau-forte et burin

L’eau-forte est un procédé de gravure en taille indirecte ou taille-douce sur une plaque métallique à l’aide d’un acide. A l’origine, cette appellation «eau-forte» fait référence au nom d’une solution d’acide nitrique diluée d’eau («Aqua Fortis»).

Technique de gravure déjà présente chez les artisans du Moyen-Age pour l’impression sur papier, elle est souvent associée à la gravure au burin. Dans ce cas, un dessin préliminaire est créé à l’eau-forte avant d’être finalisé au burin.

Ce mode d’association «Eau-forte / Burin» est souvent cité pour les estampes réalisées par Nicolas Arnoult.

« Couple breton du Pays Bigouden »

Paire de statuettes en terre cuite

Représente un couple breton du Pays Bigouden

Fait à la main

Signé en creux sur la base « Sylvette Amy »

Epoque XXe siècle

hauteur Femme 19 cm / hauteur Homme 17 cm

Prix de vente : 25,00 € 

C’est en 1966 que les époux Sylvette et Raymond Amy fondent leur atelier de création de santons. Installé à Aubagne dans les Bouches-du-Rhône, l’essor économique de l’atelier leur permet de connaître une renommée internationale et d’exporter leurs réalisations dans le monde entier. Aujourd’hui, la société «Santons Sylvette Amy» est toujours active à Aubagne dans les Bouches-du-Rhône.

Au-delà des figurines caractéristiques de l’art provençal, la production de l’atelier peut s’élargir à d’autres personnages et notre paire de figurines en est un exemple.

Réalisé en terre cuite et portant la signature «Sylvette Amy» sur la base, notre couple de statuettes illustre les tenues vestimentaires de la Bretagne, notamment le personnage féminin qui porte une coiffe bigoudène. Cette coiffe vestimentaire, qui peut atteindre jusqu’à 40 centimètres de hauteur, est caractéristique du Pays bigouden qui s’étend au Sud-Ouest du Finistère.

Service à café et thé

Service à café et thé sur son plateau

Ensemble de 4 pièces en verre translucide, avec théière, cafetière, sucrier avec couvercle et plateau rectangulaire

Décor de frises feuillagées avec fleurs et fruits

Dimensions: hauteur théière 22 cm / hauteur cafetière 18 cm / hauteur sucrier 14 cm / plateau 33 x 23 cm

Prix de vente : 25,00 €

Le service à café et thé que nous présentons est en verre translucide, décoré de frises feuillagées ornées de fleurs et de fruits.

D’une rareté certaine et composé de 4 pièces, à savoir une théière, une cafetière, un sucrier avec son couvercle et un plateau, ce service apportera une note de gaité et d’originalité sur une table de service.

« Scène animée d’un village hollandais au XVIIe siècle »

Ancien grand plat en faïence camaïeu bleu de « Delfts »

Peint à la main

Décor d’une place animée de village 

Frise feuillagée sur l’aile

Porte un titre « De Herfst » (l’automne), une signature « J. Goyen » et une date « 1676 »

Epoque Années 1960

Cachet au dos « Delfts Blauw Chemkefa Maastricht »

Fabriqué en Hollande

  Diamètre: 39 cm 

Prix de vente : 40,00 € 

Delft, ville de la province néerlandaise de Hollande-Méridionale, est située entre La Haye et Rotterdam, le long du canal du Rhin. Dans l’histoire des Pays-Bas, Delft est connue grâce à Guillaume d’Orange qui y a résidé à la fin du XVIe siècle.

Ville d’histoire, Delft est également réputée pour sa faïence bleue ou « bleu de Delft » (« Delfts blauw »).

Apparue en Hollande au début du XVIe siècle, la production de faïence se concentre à Delft au début du XVIIe siècle. Plus d’une trentaine de faïenceries vont se créer entre 1660 et 1700. Delft va ainsi devenir l’un des plus importants centres de fabrication de poteries en Europe.

Le début du XIXe siècle est marqué par le déclin des faïences de Delft et les manufactures vont fermer les unes après les autres. La société « Royal Delft » crée au XVIIe siècle reste la seule manufacture en activité de nos jours.

Les créations Delft se divisent essentiellement en deux groupes : les pièces de forme et les carreaux. Elles se caractérisent par la brillance de l’émail, la couleur bleue des décors peints à la main généralement sur un fond d’émail blanc.

Le plat que nous présentons ici s’inscrit dans cette typicité, avec la réédition probablement dans les années 1960 d’un tableau de l’artiste « J. Goyen » et titré « De Herfst » (ce qui signifie « L’automne » en néerlandais). Le décor représente une scène animée de village illustrant la vie en Hollande au XVIIe siècle (confirmé par la date « 1676 » figurant sur le bord intérieur).

Parfait objet de décoration ou pièce de service à table, ce plat est un témoignage caractéristique des faïences bleues de Delft, confirmé par le cachet qu’il porte au dos.

Aiguière « Le Renoleau » 

Aiguière en céramique émaillée

Décor de fleurs sur le pourtour de l’aiguière

Faïencerie d’Art d’Angoulême

Signature sous la base « Roullet Renoleau »

  Hauteur: 31 cm cm 

Prix de vente : 12,00 € 

 Objet de toilette, mais aussi de décoration, une aiguière est habituellement un vase très élégant doté d’une large anse et d’un bec effilé, pouvant contenir une boisson pour les repas ou de l’eau pour la toilette.

Par son décor fleuri sur fond blanc, l’aiguière que nous présentons est caractéristique des dernières productions de la faïencerie d’Art d’Angoulême. Créée en 1891 par le céramiste Alfred Renoleau (1854-1930), cette faïencerie est restée active jusqu’en 2017.

Mortier d’apothicaire XIXe siècle

Mortier d’apothicaire et son pilon

Deux prises latérales

Fonte ancienne

Décor au chérubin ailé

Epoque XIXe siècle

Hauteur 14 cm / Diamètre 15 cm / Longueur Pilon 16.5 cm

Prix de vente : 70,00 € 

Notre mortier et son pilon ont été façonnés en fonte de fer, alliage de fer et de graphite qui s’est principalement développé pendant le XIXe siècle.

Décoré de deux visages de chérubins ailés, il symbolise la protection et la guérison, le chérubin étant considéré comme un ange gardien dans la religion chrétienne. 

Nous présentons donc ici un mortier avec son pilon, d’époque XIXe siècle, très probablement utilisé par les apothicaires, pharmaciens de l’époque. Ces mortiers étaient dédiés à la préparation de divers onguents et pommades de soins, à base de plantes pilées ou d’éléments solides réduits en poudre.

Objet ancien et d’une rareté certaine, notre mortier et son pilon sont de véritables témoignages du métier d’apothicaire du XIXe siècle, ancêtre de nos pharmaciens d’aujourd’hui.

Coffret à offrandes

Coffret en bois massif sculpté

Ornementation de volatiles et de poissons dorés, sculptés sur le couvercle du coffret

Sculpture feuillagée dorée sur toutes les faces du coffret

Style asiatique

Epoque Début XXe siècle

                          Dimensions: base 48 x17 cm / hauteur 28 cm

Prix de vente : 90,00 €

Nos recherches ont permis d’identifier l’origine et l’usage de notre coffret. Il est très probable que nous présentons ici un ancien coffret à offrandes.

Il rappelle effectivement les anciens coffrets rituels asiatiques, utilisés pour apporter des offrandes aux dieux des temples. Ces offrandes pouvaient être constituées de diverses nourritures, mais elles étaient fréquemment florales.

La particularité de notre coffret est qu’il a été sculpté à la main dans un seul morceau de bois massif, richement orné sur son couvercle de sculptures dorées représentant deux volatils attrapant un poisson qui semble être une carpe. Les frises qui sont présentes sur toutes les faces du coffret sont également dorées et sculptées dans la masse.

Datant très probablement du début du XXe siècle, notre coffret, d’une réelle originalité et d’une rareté certaine, apportera dans une décoration d’intérieur une note de bien-être et de plénitude en lien avec les rituels d’offrandes dans les temples.

« Le port de Bordeaux face au pont de pierre »

Huile sur toile, marouflée sur carton

Représente des péniches amarrées dans le port de Bordeaux, près du pont de pierre

Epoque Milieu XXe siècle

Dimensions : panneau  64 x 55 cm / avec cadre 70 x 59 cm 

Prix de vente : 40,00 €

Avec sa représentation de péniches amarrées dans le port de Bordeaux, près du pont de pierre, notre tableau nous donne l’occasion de redécouvrir succinctement l’histoire de ce port, appelé « Port de la Lune ».

Traversée par la Garonne et idéalement placée à l’embouchure de l’estuaire de la Gironde, la ville de Bordeaux a toujours bénéficié depuis ses origines d’un accès privilégié à l’océan atlantique.

Bordeaux est ainsi devenu un grand port français, connu sous le nom de « Port de la lune ». Cette appellation peu commune ferait allusion au large méandre en forme de croissant décrit par la Garonne pendant sa traversée de la ville. Il est à noter que le croissant de lune figure sur les armoiries de Bordeaux, même dans leur version la plus ancienne remontant au Moyen-Age.

Cette partie du fleuve longeant le cœur historique de Bordeaux a été le symbole pendant des décennies de la prospérité économique portuaire de la ville. Après le déplacement des activités portuaires en aval de la Garonne et le long des bords de l’estuaire de la Gironde, ce quartier de Bordeaux est surtout dédié aux animations touristiques. C’est ce même quartier qui est inscrit depuis 2007 au Patrimoine Mondial de l’Unesco, sous l’appellation « Bordeaux, Port de la Lune », ce qui a remis sous les feux de l’actualité le nom historique du port de Bordeaux.

Notre tableau présente également le « pont de pierre », le plus ancien et le plus célèbre des 8 ponts qui traversent la Garonne à Bordeaux.

Premier pont de l’histoire de Bordeaux, la construction du pont de pierre est due à l’empereur Napoléon 1^er. Commencé en 1810, le pont est achevé en 1822. D’une longueur de près de 500 mètres, il est constitué de 17 arches et sera jusqu’au début des années 1970 le seul pont réunissant les rives droite et gauche au niveau du centre historique de la ville.

Véritable emblème architectural du cœur de la ville de Bordeaux, le pont de pierre est inscrit depuis fin 2002 au titre des monuments historiques.

Véritable témoignage du port de Bordeaux probablement vers le milieu du XXe siècle, notre tableau se caractérise par le jeu des couleurs utilisées par l’artiste et un style pictural amenant une réelle profondeur à l’ensemble de l’œuvre. 

Assiettes parlantes « Fables de La Fontaine »

Série complète de 6 assiettes à dessert en faïence à bords festonnés

Assiettes parlantes sur le thème « Fables de La Fontaine », chiffrées de 1 à 6

Bords décorés de grappes de raisons et de feuilles de vignes

Cachet « Gien France – Musée de la faïencerie de Gien »

Epoque contemporaine

                                         Diamètre Assiette: 20 cm

Prix de vente : 40,00 €

La manufacture de Gien est fondée en 1821 dans le Loiret, dans la ville du même nom. Son âge d’or s’inscrit essentiellement dans la seconde moitié du XIXe siècle, avec la découverte d’un nouveau procédé de décor dit « sous émail ».

C’est en 1875 que la société prend le nom de faïencerie de Gien et dans les années suivantes, les exportations deviennent mondiales. La réputation de la faïencerie est à son apogée en 1889 avec l’obtention d’un grand prix à l’exposition universelle de Paris et la fabrication de services de tables ou d’objets décoratifs inspirés des XVIIe et XVIIIe siècles. Le célèbre décor « Renaissance » sur fond bleu inspiré de l’art italien du XVe siècle participe alors à la forte renommée européenne de la faïencerie.

Après s’être lancé à la fin du XIXe siècle dans la fabrication de carreaux de céramique, la faïencerie obtient le marché pour la décoration des stations du métro parisien au début des années 1900 (célèbre carrelage biseauté « Métro », le plus souvent de couleur blanche).

Tout au long du XXe siècle, l’activité va décroître de façon régulière, notamment dans les années d’entre-deux guerres.

La manufacture connaît de graves difficultés financières au début des années 1980 mais parvient à préserver aujourd’hui une production contemporaine ainsi que des rééditions de modèles historiques de la faïencerie.

Dans la première moitié du XIXe siècle, la faïencerie de Gien est renommée pour l’édition de séries d’assiettes dites « parlantes ». Chaque série illustre un sujet particulier et les six assiettes contemporaines que nous présentons ici s’inscrivent dans cette lignée historique de la faïencerie avec une référence aux fables de Jean de La Fontaine (1621-1695), célèbre fabuliste et poète du XVIIe siècle.

Le cachet « Gien France – Musée de la faïencerie de Gien » atteste de l’origine de nos assiettes, mises très probablement en vente à la boutique de la faïencerie, accessible à la sortie du Musée, qui depuis 1985, présente des collections de céramiques avec des modèles datant du début du XIXe siècle jusqu’à nos jours.

Au-delà de leur valeur patrimoniale et esthétique, notre série complète d’assiettes répondra aux attentes d’un collectionneur, mais elle pourra également être utilisée lors d’un service de desserts en étant une réelle référence à l’histoire des productions de la faïencerie de Gien. 

Jean de La Fontaine (1621-1695)

Homme de Lettres français, Jean de La Fontaine est reconnu comme le plus grand poète, conteur et fabuliste moraliste du XVIIe siècle, admis à l’Académie française en 1684.

Sa renommée est principalement liée à l’écriture de fables, qu’il écrit en s’inspirant d’Esope, fabuliste de l’Antiquité grecque (VIIe – Vie siècle avant Jésus-Christ).

Ce sont ainsi plus de 200 fables qui seront publiées en plusieurs recueils, des années 1760 jusqu’à la fin du XVIIe siècle. Le poète y décrit principalement la nature humaine, en s’intéressant aux rapports de pouvoir, tout en gardant la volonté d’instruire le lecteur, et ce de façon ludique.

Dans ce but, les premières fables étaient destinées au fils aîné du roi Louis XIV, dit « le Dauphin » (1661-1711).

Les fables suivantes s’adressaient plus largement à la société de l’époque, et pour certaines d’entre elles, plus particulièrement à Madame de Montespan (1640-1707), favorite du Roi Louis XIV pendant les années 1670 et mécène de Jean de La Fontaine.

« Enfant au bonnet »

Marie-Anne Cranney-Franceschi

(1883 – XXe)

Terre cuite, signée en creux au dos

Cachet de l’éditeur Susse Frères

Hauteur  14 cm

Prix de vente : 160,00 €

Très peu d’informations sont disponibles sur l’artiste Marie-Anne Cranney-Franceschi. Née en 1883, sa date de décès n’est pas connue.

Son œuvre est essentiellement composée de sculptures en terre cuite et l’enfant au bonnet reste à ce jour la plus connue.

L’objet que nous présentons ici est une édition en terre cuite de cette sculpture, réalisée par la société Susse Frères, ce qui en fait son originalité (cachet sur la base au dos).

Marie-Anne Cranney-Franceschi est une artiste cotée dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

« Bouquet de fleurs »

Huile au couteau, sur panneau, encadrée

Représente un bouquet de fleurs dans un pichet

Signé « Patricia M » en bas à droite

Etiquette anglaise d’encadrement

Epoque Milieu XXe siècle

Dimensions : 29 x 39 cm (panneau) / 38 x 48 cm (avec cadre)

Prix de vente : 20,00 €

Nos recherches n’ont pas permis d’identifier précisément l’artiste qui signe ses œuvres du nom de « Patricia M ». En revanche, l’étiquette d’encadrement présente au dos du tableau pourrait laisser penser qu’elle est de nationalité anglaise.

La spécificité de l’œuvre réalisée sur panneau réside dans les ajouts de peinture au couteau, avec d’importants empâtements accentuant le relief des pétales des fleurs.

Par la finesse de ses traits et sa richesse de couleurs, notre tableau d’époque probablement milieu du XXe siècle, pourra participer pleinement à une décoration d’intérieur.

Vase balustre « Napoléon »

Vase balustre de style Empire, en porcelaine polychrome avec dorures

Décor représentant l’empereur Napoléon 1er à cheval, sur un champ de bataille

Anses en forme de cygnes

Porte les symboles napoléoniens, l’aigle et l’abeille

Dans le goût du XIXe siècle

Porte un cachet « VP » sous la base

Hauteur:  32 cm

Prix de vente : 20,00 €

De forme balustre, notre vase en porcelaine polychrome est richement décoré d’une scène représentant l’empereur    Napoléon 1^er à cheval, scrutant le déroulement d’une bataille et entouré de ses soldats.

Les deux symboles napoléoniens, l’aigle et l’abeille, présents au dos et sur le col du vase, accentuent la référence au style Empire du vase.

Après le sacre de Napoléon 1^er en 1804, l’aigle représente l’Empire dans sa globalité alors que l’abeille est plutôt associée à l’empereur lui-même.

L’aigle, symbole des victoires militaires depuis l’Antiquité, est présent sur toutes les hampes des drapeaux des armées napoléoniennes. L’abeille, symbole de la royauté et de l’immortalité, incarne l’empereur, en rappelant qu’il perpétue les grandes monarchies royales de l’histoire de France, et ce depuis les Mérovingiens.

Napoléon 1^er a ainsi la volonté de personnifier le symbole de la puissance militaire de la Rome Antique et celui de la dynastie mérovingienne, fondatrice de l’empire franc entre le Ve et le VIIIe siècle.

L’originalité du vase réside aussi dans ses deux anses en forme de cygnes et ses motifs végétaux dorés rappelant deux couronnes de lauriers également symboles de l’Empire, couronnes qui entourent la scène de bataille et l’aigle napoléonien.

Notre vase apportera une réelle note Empire dans une décoration d’intérieur. Il est à noter qu’il porte un cachet « VP » sous sa base mais nos recherches n’ont pas permis d’authentifier avec certitude l’atelier à l’origine de la création du vase, même si ce cachet présente une certaine similitude avec celui de la faïencerie « Veuve Perrin » de Marseille active jusqu’au XIXe siècle. 

Coupe « Cristal de Sèvres »

Coupe de présentation, de forme effilée

Cristal translucide de Sèvres

Porte le cachet « Sèvres France » sous la base

Epoque XXe siècle

                                Dimensions: longueur 34 cm / largeur 17 cm

Prix de vente : 20,00 €

Il est communément admis que l’histoire du cristal de Sèvres remonte au milieu du XVIIIe siècle, sous le règne de Louis XV. C’est à cette époque que la Marquise de Pompadour (1721-1764) obtient, par « Privilège du Roi », l’autorisation de création d’une Manufacture pour la fabrication d’objets en verre à Sèvres, en région parisienne. Son but est de concurrencer la verrerie italienne en produisant des verres de haute qualité.

Au fil des années, la Manufacture Royale de Sèvres va acquérir une renommée internationale européenne, ce qui va l’amener à présenter ses productions prestigieuses à l’Exposition Universelle de Paris en 1878.

Le XXe siècle perpétue le lien étroit entre le cristal de Sèvres et la culture « à la française », notamment dans les Arts de la Table. Aujourd’hui, le cachet Sèvres France reste le garant d’une production de cristal de haute qualité et d’une très grande finesse.

Notre coupe, en cristal de Sèvres, s’inscrit dans un style résolument moderne, avec sa ligne très épurée et effilée. Porteuse du cachet « Sèvres France » sous sa base, elle est un témoignage de qualité de la production française de cristal.

Particulièrement élégante par sa finesse et sa pureté cristalline, cette coupe apportera une note à la fois moderne et classique à la décoration d’une table de fête.

Vase balustre « Napoléon »

Vase balustre de style Empire, en porcelaine polychrome avec dorures

Décor représentant l’empereur Napoléon 1er à cheval, sur un champ de bataille

Anses en forme de cygnes

Porte les symboles napoléoniens, l’aigle et l’abeille

Dans le goût du XIXe siècle

Porte un cachet « VP » sous la base

Hauteur:  32 cm

Prix de vente : 20,00 €

De forme balustre, notre vase en porcelaine polychrome est richement décoré d’une scène représentant l’empereur    Napoléon 1^er à cheval, scrutant le déroulement d’une bataille et entouré de ses soldats.

Les deux symboles napoléoniens, l’aigle et l’abeille, présents au dos et sur le col du vase, accentuent la référence au style Empire du vase.

Après le sacre de Napoléon 1^er en 1804, l’aigle représente l’Empire dans sa globalité alors que l’abeille est plutôt associée à l’empereur lui-même.

L’aigle, symbole des victoires militaires depuis l’Antiquité, est présent sur toutes les hampes des drapeaux des armées napoléoniennes. L’abeille, symbole de la royauté et de l’immortalité, incarne l’empereur, en rappelant qu’il perpétue les grandes monarchies royales de l’histoire de France, et ce depuis les Mérovingiens.

Napoléon 1^er a ainsi la volonté de personnifier le symbole de la puissance militaire de la Rome Antique et celui de la dynastie mérovingienne, fondatrice de l’empire franc entre le Ve et le VIIIe siècle.

L’originalité du vase réside aussi dans ses deux anses en forme de cygnes et ses motifs végétaux dorés rappelant deux couronnes de lauriers également symboles de l’Empire, couronnes qui entourent la scène de bataille et l’aigle napoléonien.

Notre vase apportera une réelle note Empire dans une décoration d’intérieur. Il est à noter qu’il porte un cachet « VP » sous sa base mais nos recherches n’ont pas permis d’authentifier avec certitude l’atelier à l’origine de la création du vase, même si ce cachet présente une certaine similitude avec celui de la faïencerie « Veuve Perrin » de Marseille active jusqu’au XIXe siècle. 

Coupe « Jean Marais »

Coupe à anses, sur piédouche

Céramique Vallauris vernissée noire

Signée « Jean Marais » en creux sur le corps de la pièce

                                Diamètre : 14 cm / Hauteur: 9 cm

Prix de vente : 100,00 €

Jean-Marais (1913 – 1998)

Jean Marais, de son vrai nom Jean Alfred Villain-Marais est né le 11 décembre 1913 à Cherbourg.

Connu pour son jeu d’acteur, Jean Marais est également sculpteur, potier-céramiste et peintre, avec un style influencé par Jean Cocteau.

En 1973, Jean Marais quitte le village de Cabris près de Grasse et vient s’installer à Vallauris où il commence sa carrière de céramiste. Il possède bientôt son propre atelier et ouvre en 1975 une galerie à Vallauris.

Depuis 1986, il a participé chaque année à la Fête de la Poterie en créant notamment l’affiche de l’évènement. Il a été ensuite nommé Citoyen d’honneur de la ville de Vallauris en 1997.

Décédé le 8 novembre 1998, Jean Marais repose au vieux cimetière de Vallauris.

L’œuvre présentée ici est typique des céramiques de couleur noire de l’artiste.

Jean Marais est un artiste côté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Coffret à bijoux

Coffret en laiton repoussé

Décor en relief de putti

Poinçon sous la base du coffret

Intérieur recouvert de feutrine rouge

  Dimensions: 12 x 9,5 cm / Hauteur: 5 cm

Prix de vente : 30,00 €

Le coffret présenté ici se caractérise par la richesse de son décor à l’antique, représentant des putti sur chaque face du coffret.

Le « putto » est un personnage inspiré de la Grèce antique, puis de l’art romain. Il a ensuite été repris au XVe siècle en Italie.  Elément essentiel de l’ornementation architecturale italienne, il représente un angelot nu et ailé, puis évolue vers un nourrisson joufflu, quasiment toujours de sexe masculin.

Les monuments de la renaissance italienne ont particulièrement mis en valeur les « putti » et ces derniers sont cités comme étant caractéristiques de l’art baroque sicilien.

Notre coffret est en laiton repoussé, technique d’orfévrerie consistant à travailler à froid et à l’envers une fine plaque de métal afin de faire ressortir un ornement particulier.

Il est à habillé à l’intérieur de feutrine rouge, ce qui en fait un parfait écrin à bijoux. 

Jean-Claude Barthel (1955)

« Kerguelen »

Acrylique sur toile, encadrée

Représentation abstraite de l’île de Kerguelen

Signé en bas à droite

Titré, daté « 2006 » et contresigné au dos

Dimensions : 55 x 46 cm (toile) / 68 x 49 cm (avec cadre)

Prix de vente : 35,00 €

L’art abstrait a pour volonté d’explorer les formes et les couleurs, en transfigurant le réel. Très présent dans le monde de l’art contemporain, il est particulièrement appécié pour sa mise en valeur des émotions tout en s’affranchissant du réalisme du thème traité. L’approche fréquemment minimaliste des œuvres renforce le jeu des couleurs utilisées par l’artiste.

Artiste peintre français, Jean-Claude Barthel s’inscrit totalement dans ce mouvement de l’art abstrait, avec ses représentations d’environnements naturels et fragiles, aux lignes très épurées et aux couleurs accentuant toujours les reliefs et les mouvements.

 Titré « Kerguelen » et daté « 2006 », notre tableau est un réel témoignage de l’œuvre de Jean-Claude Barthel par son évocation abstraite de l’île de Kerguelen, s’appuyant sur une finesse du trait et sur une rélle luminosité qui exalte les couleurs posées sur la toile.

Petite île inhabitée se situant au milieu de la Loire (commune d’Ancenis-Saint-Géréon en Loire-Atlantique), Kerguelen est riche d’un habitat naturel typique des prairies humides. Plusieurs actions de préservation de la biodiversité y sont menées par le Conservatoire des espaces naturels des Pays de Loire. 

« Dans les fougères »

Jean-Pierre Blaess (?-2017)

Huile sur toile, encadrée

Représente un sous-bois automnal

Signé en bas à droite

Contresigné, titré et daté « 94 » au dos

Dimensions : Toile 55 x 46 cm / avec cadre 68 x 59 cm

Prix de vente : 30,00 €

Issu d’une famille de peintres, Jean-Pierre Blaess est un artiste local à l’origine de la création à la fin des années 90 de l’Ecole des Bords de Marne dans le département du Val-de-Marne.

Reconnu par ses réalisations de paysages extérieurs dans un style rappelant la peinture impressionniste, il expose régulièrement ses œuvres en Ile-de-France.

C’est au début des années 2000 que Jean-Pierre Blaess vient se fixer dans le Nord du Médoc, à Soulac-sur-Mer.

Fidèle à ses envies de partage de la peinture en plein air, il est à l’origine de la création de l’Association « Médoc en Peinture », toujours existante aujourd’hui. Accompagné de ses amis artistes, il a présenté régulièrement ses œuvres dans diverses expositions locales.

Avec ses rehauts de peinture, notre tableau s’inscrit pleinement dans le style impressionniste de Jean-Pierre Blaess. La richesse des tonalités et les touches de couleurs déposées par l’artiste confèrent à l’œuvre une réelle profondeur.

Teppanom musicien thaïlandais

Statue thaïlandaise en bronze, à patine noire et or

Représente un Teppanom assis, jouant du luth

Ecole thaïlandaise du milieu du XXe siècle

Hauteur: 26 cm

Prix de vente : 70,00 €

Dans la culture Thaïlandaise, le terme Teppanom, ou Thepphanom, fait référence à un ange, protecteur et gardien du temple. Associé étroitement à la religion bouddhiste, le Teppanom est venu sur terre quand Bouddha a atteint l’Illumination. Il est devenu ainsi son protecteur avant d’être ensuite le gardien des temples religieux.

Parfois en position agenouillée, le Teppanom est également représenté en position assise comme le montre notre statue. Le personnage est richement décoré, orné de bijoux et de vêtements de couleur or.

Porteur d’une coiffe traditionnelle cérémoniale, notre musicien est joueur d’un luth à trois cordes, à long manche, appelé « sanxian ». Originaire d’Asie, cet instrument s’est propagé dans tout l’Extrême-Orient, pour accompagner de musiques traditionnelles des spectacles de théâtre classique.

Symbole de bienvenue et de respect des traditions, notre statuette incitera à la quiétude et à la méditation dans un intérieur empreint de calme et de sérénité.

Charles Ruchot (1871-1954)

« Jeux innocents »

Statue en régule à patine brune, signée en creux « Ch. Ruchot » sur la base

Représente un couple de personnages s’amusant,

Porte un cartel d’époque « Jeux innocents, par Ruchot »

Epoque Début XXe siècle

Hauteur  55 cm

Prix de vente : 75,00 €

Charles Ruchot (1871-1954) 

Peu d’informations sont disponibles sur le sculpteur français né en 1871 et décédé en 1954.

Plutôt actif de la fin des années 1880 jusqu’au début des années 1920, il est très influencé par l’Art Nouveau, puis l’art Déco. Sa renommée s’appuie sur ses créations de statues décoratives en bronze ou en régule, qui sont parfois des éléments de décoration de pieds de lampes ou de pendules anciennes.

Notre statue représente deux personnages s’adonnant à un jeu de balle, sur un socle en bois rouge, façon marbre. L’œuvre n’est pas sans rappeler le style des scènes galantes du XVIIIe siècle, montrant des personnages de l’aristocratie s’adonnant à des jeux de séduction.

Portant une signature en creux « CH. Ruchot » sur sa base, elle est titrée « Jeux Innocents », titre confirmé par le cartel d’époque présent sur le devant du socle.

Véritable témoignage de l’art sculptural du début du XXe siècle, notre statue est un parfait objet de décoration intérieure.

Charles Ruchot est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

« Diane chasseresse »

Statuette en biscuit de porcelaine, sur socle

Représente la Déesse Diane, armée de son arc

Epoque XXe siècle

Hauteur: 17.5 cm

Prix de vente : 20,00 €

En biscuit blanc de porcelaine, notre statuette représente la Déesse Diane, assise et armée de son arc.

Fille de Jupiter et de Latone (respectivement Zeus et Leto dans la mythologie grecque), sœur jumelle d’Apollon, Diane (Artémis dans la mythologie grecque), est traditionnellement associée à la lune, à la différence de son frère qui est associé au soleil. D’un caractère volontaire et farouche, elle est la déesse de la chasse et de la nature.

S’inscrivant dans un style très antique, notre Déesse Diane est représentée nue, les cheveux noués en arrière, le visage légèrement de profil.

Le biscuit de porcelaine est obtenu par cuisson à haute température de porcelaine blanche naturelle, sans émaillage et sans décor de couleurs. Son usage est fréquemment utilisé dans la création de statuettes décoratives, comme dans le cas de notre « Diane Chasseresse ».

« Couple galant à la joueuse de viole »

Groupe en porcelaine émaillée et dorée

Représente une scène musicale galante, à la joueuse de viole

Cachet sous la base

Style « Porcelaine de Saxe »

Epoque Début XXe siècle

Dimensions: base 22 x 17 cm / hauteur 19 cm

Prix de vente : 20,00 €

Porteur d’un cachet sous sa base, notre groupe en porcelaine représente une scène musicale galante, animée de deux personnages formant un couple uni. L’homme écoute sa compagne qui joue de la viole. La note romantique de l’œuvre est accentuée par le décor à la colonne tronquée et la présence d’un petit chien au milieu d’un parterre de fleurs.

Fréquemment associée aux fêtes champêtres du XVIIIe siècle, la scène galante s’illustre par des personnages d’époque représentés au milieu de la nature et s’adonnant à des jeux de séduction.

Avec ses ornementations dorées sur le pourtour de sa base, notre sculpture s’inscrit pleinement dans le style des porcelaines de Saxe par la finesse de représentation des personnages et la richesse des couleurs émaillées.

« L’apôtre Saint-Pierre »

Sculpture en bronze, à patine foncée

Représentation de l’apôtre Saint-Pierre, assis, tenant un livre et une paire de clés

Signé « J. Gout » sur le pied du tabouret

Epoque 2nde moitié du XIXe siècle

Dimensions: base 32 x 10 cm / hauteur 28 cm 

Prix de vente : 85,00 €

Datant probablement de la seconde moitié du XIXe siècle, notre statue en bronze patiné représente un homme barbu, assis sur un tabouret bas. La main droite posée sur un livre, il tient dans sa main gauche une paire de clés.

Ces différents éléments de sculpture nous permettent de considérer que ce personnage est une représqentation de l’apôtre Saint-Pierre.

Il est aujoud’hui admis que Pierre serait né au début du 1^er siècle avant Jésus-Christ et qu’il serait décédé vers le milieu du 1^er siècle après Jésus-Christ. Prénommé Simon, il est été appelé Pierre par Jésus-Christ et fait partie des douze apôtres. Le Christ lui confie la mission d’être le fondateur de l’Eglise catholique avec cette parole présente dans l’évangile selon Saint-Matthieu:  » Et moi, je te dis que tu es Pierre, et que sur cette pierre je bâtirai mon Église ».

A la mort du Christ, Pierre prend la parole au nom des autres apôtres et porte la parole du Christ dans plusieurs pays. L’évangile de Saint-Pierre, moins connu que les quatre autres évangiles canoniques (évangiles selon St-Marc, Saint-Matthieu, Saint-Jean et Saint-Luc), est réputé comme étant celui qui décrit plus particulièrement la Passion du Christ et sa résurrection.

Présenté comme le premier pape de la chrétienté, Saint-Pierre est le détenteur de deux clés,  lui permettant de « lier et délier » sur terre (clé en argent) et dans les cieux (clé en or). Ces deux clés, qui lui auraient été confiées par le Christ, lui donne ainsi le pouvoir de maintenir « lié et délié » dans les cieux ce qui a été « lié et délié » sur terre.

Les deux clés sont devenues le symbole de la papauté et figurent sur les armoieries du Saint-Siège et du Vatican. Il est à noter qu’aujourd’hui il est considéré que la tombe de Saint-Pierre se serait trouvée dans une ancienne nécropole mise à jour lors de fouilles sous la basilique Saint-Pierre de Rome.

Notre sculpture est donc caractéristique de l’apôtre Saint-Pierrre, ce qui est confirmé par la présence du livre qui symbolise l’évangile et la paire de clés tenue dans la main gauche du personnage. Une réelle force émane de l’ensemble du groupe sculpté, confortée par la majesté de la posture et la noblesse du visage de l’apôtre. 

Très probablement destiné à l’ornementetation d’une pendule du XIXe siècle, la sculpture porte la signature en cursives « J. Gout » sur l’un des pieds du tabouret bas sur lequel l’apôtre est assis.

Elle peut faire référence au sculpteur bronzier Jean Gout, dont plusieurs œuvres attestent de son activité au XIXe siècle. Nos recherches ne nous ont cependant pas permis de lui attribuer cette sculpture avec certitude.

Jean Gout est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

« Le port de Camaret-sur-Mer »

Joseph Radan (XIXe-XXe)

Huile sur toile

Représente une vue du port de Camaret-sur-Mer en Bretagne, animée de plusieurs personnages

Signée et datée « 36 » pour 1936

Ecole postimpressioniste

Dimensions : 65 x 50 cm 

Prix de vente : 150,00 €

Très peu d’informations sont disponibles sur Joseph Radan, peintre français probablement né à la fin du XIXe siècle et actif dans la première moitié du XXe siècle.

Quelques-unes de ses toiles sont identifiées sur le marché de l’Art et sont d’un style très caractéristique de l’artiste, inspiré de l’école impressionniste avec des touches de couleurs dans les tons pastel.

Signé par Joseph Radan et daté « 36 » pour 1936, notre tableau représente le port de Camaret-sur-Mer, dans le département du Finistère, en Bretagne.

Port breton typique situé à la pointe de la presqu’île de Crozon, Camaret-sur-Mer est célèbre pour ses deux monuments construits sur sa jetée, appelée « sillon » : la chapelle Notre-Dame de Rocamadour et la tour Vauban.

Erigée au début du XVIe siècle, la chapelle Notre-Dame de Rocamadour a été ensuite détruite au cours de combats navals entre Français et Anglais, puis reconstruite au XVIIe siècle. Aujourd’hui, le pardon de Notre-Dame de Rocamadour est célébré chaque année en septembre.

La Tour Vauban est une tour de défense, construite à la fin du XVIIe siècle, à la demande de l’ingénieur militaire français Sébastien Le Prestre de Vauban, dit « Vauban » (1633-1707). Elle avait pour but essentiel de protéger la rade de Brest contre les invasions ennemies. Son utilisation militaire perdurera jusqu’à la fin du XIXe siècle. Classée Monument historique depuis le début du XXe siècle et inscrite au patrimoine mondial de l’UNESCO depuis 2008, la tour Vauban figure sur les armoiries de la ville de Camaret-sur-Mer.

Ces deux monuments célèbres de Camaret-sur-Mer apparaissent en fond sur notre tableau, dans sa partie haute centrale. Au vu des perspectives, nous pouvons penser que Joseph Radan avait posé son chevalet sur le quai Gustave Doudouze qui fait face au « sillon ».

Gustave Doudouze (1847-1904), célèbre écrivain aimait passer ses étés à Camaret-sur-Mer. Il y a d’ailleurs côtoyé Eugène Boudin (1824-1898) qui y séjournait également régulièrement depuis le milieu du XIXe siècle et qui a fréquemment peint le port, la chapelle Notre-Dame de Rocamadour et la tour Vauban.

Aujourd’hui, une partie du port de plaisance de Camaret-sur-Mer s’est étendu à l’est de la tour Vauban, mais bien évidemment, il ne figure pas sur notre tableau car il n’existait pas en 1936, date de réalisation de notre tableau.

Joseph Radan nous apporte donc par son œuvre un réel témoignage historique sur le port de Camaret-sur-Mer, tel qu’il était dans les années 1930.

Il émane de l’ensemble du tableau l’atmosphère d’activité portuaire de l’époque , avec l’entrée et la sortie de barques, associées à une sensation de calme serein créé par le ton pastel des couleurs déposées par l’artiste par petites touches de pinceau, dans un style postimpressioniste.

Bas-relief ancien

« Déesse asiatique »

Bas-relief en terre cuite ancienne, à patine foncée

Représente probablement une déesse asiatique

Dimensions: 23 x 28 cm / épaisseur 6 cm 

Prix de vente : 50,00 €

En terre cuite à patine foncée, notre bas-relief est probablement très ancien.

Possiblement d’origine asiatique, indienne, voire thaïlandaise, il représente une déesse entourée de divers personnages, au sein d’un décor floral.

Sculpture avec une réelle rareté, notre bas-relief apportera une note très originale dans une ornementation faisant référence à la symbolique sacrée.

« Bouddha assis »

Statuette asiatique, en bronze patiné

Figurine représentant un bouddha assis

Probablement Ecole thaïlandaise ou birmane

Epoque Fin XIXe siècle

Hauteur: 20 cm 

Prix de vente : 30,00 €

Probablement d’origine d’Asie du Sud-Est, thaïlandaise ou birmane, notre statuette représente un bouddha, les yeux mi-clos, assis en position du lotus, la main droite effleurant le sol et la main gauche tournée vers le ciel.

La symbolique des statues de Bouddha repose sur deux principes majeurs : la position du personnage et les gestes des mains.

Par exemple, la position couchée sur le côté du bouddha rappelle les derniers instants de sa vie sur terre avant qu’il n’atteigne le « nirvana final ».

La position du lotus, comme celle de notre statuette, symbolise pleinement la méditation et la contemplation.

Les gestes des mains, appelés « Mudras », sont toujours en lien avec la méditation et permettent de préciser les pensées spirituelles bouddhistes associées.

L’un des plus fréquents gestes représentés sur les statues est appelé « Bhumisparha ». Il est caractérisé par les doigts de la main droite qui effleurent le sol, symbolique de la prise à témoin de la terre pour prouver la réussite du chemin spirituel aboutissant à l’éveil de la connaissance et à l’illumination.

C’est le geste le plus fortement synonyme de la détermination, de la victoire sur l’ignorance et sur les forces obscures. Il est également significatif de la grandeur de la pratique spirituelle.

La base de notre statuette est ornée d’un bandeau à double décor symétrique inséré entre deux rangées de perles. Ajoutant à l’originalité de la sculpture, au dos du bandeau figure un texte gravé en écriture asiatique, possiblement extrait d’un rituel de consécration.

En bronze patiné, notre bouddha sera synonyme de sérénité dans la décoration d’un intérieur placé sous le signe du bien-être et de l’harmonie.

« La ronde de nuit »

Bas-relief en bronze

Représentation en relief d’un tableau de Rembrandt (1606-1669), titré « La Compagnie de Frans Banning Cocq et Willem Van Ruytenburch » dite « Ronde de nuit »

Référence à Rembrandt, inscrite en creux en bas à droite

Dimensions:  29 x 19.5 cm 

Prix de vente : 70,00 €

Notre bas-relief en bronze représente un tableau de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, plus communément appelé Rembrandt (1606-1669).

Très célèbre peinture hollandaise du XVIIe siècle et considérée comme l’œuvre majeure de Rembrandt, ce tableau achevé en 1642 après 4 années de travail, est curieusement connu sous deux titres : « Compagnie de Frans Banning Cocq et Willem Van Ruytenburg » ou « Ronde de nuit ». C’est en raison de son aspect très sombre que le tableau avait été appelé par erreur « Ronde nuit » alors que l’on pense aujourd’hui qu’il s’agit plutôt d’une scène diurne.

Destiné à être accroché dans la Maison des Arquebusiers à Amsterdam, rénovée en 1638, l’œuvre représente une compagnie de mousquetaires en armes d’Amsterdam, commandée par Frans Banning Cocq. Plus de trente personnages sont présents, parmi lesquels plusieurs officiers et carabiniers.

Une anecdote concerne le personnage au chapeau visible à droite du porte-étendard. Il pourrait s’agir d’un autoportrait de Rembrandt mais ceci n’est pas encore totalement confirmé à ce jour.

Le tableau, de dimension très importante (3,6 x 4,4 mètres), est visible dans le Rijksmuseum à Amsterdam.

Enclume de bijoutier ou d’horloger

Petite enclume ancienne, en acier

Porte une marque « Tout Acier – A.S.N. »

Enclume dite « Bigorne », à deux pointes, pour travaux de joaillerie ou d’horlogerie

XXe siècle

Dimensions: longueur 20.5 cm / hauteur: 9 cm

Prix de vente : 45,00 € 

La petite enclume que nous présentons est caractéristique de celles utilisées par les bijoutiers ou les horlogers, pour travailler respectivement les métaux précieux ou fabriquer de petits éléments de mécanismes d’horlogerie.

Portant une ancienne étiquette « Tout Acier – A.S.N. », notre enclume est dite « Bigorne », à deux pointes de formes différentes.

La première pointe est conique, probablement pour faciliter la mise en forme de bagues ou de pièces circulaires. La seconde pointe, de forme semi-pyramidale semble être plus adaptée pour le façonnage d’objets aux profils plus larges et plus aplatis.

Permettant encore bien évidemment le façonnage minutieux de petites pièces, l’ancienneté de notre enclume lui confère également une certaine rareté qui lui permettra de s’intégrer à une décoration « industrielle » d’époque XXe siècle.

André-Charles Nauleau

(1908-1986)

« Moulin du bocage – Bournezeau »

Huile sur toile, encadrée

Représente un moulin situé à Bournezeau, dans le bocage vendéen

Signé en bas à droite et titré au dos

Etiquette et Numéro d’exposition au dos

Cadre ancien, en bois, dans le style « Montparnasse »

Epoque Mileu des années 1970

Dimensions : 55 x 46 cm (toile) / 72 x 63 cm (avec cadre)

Prix de vente : 60,00 €

Artiste français né en 1908 et décédé en 1986, André-Charles Nauleau a passé sa vie à la Roche-sur-Yon, ville du département de la Vendée. Avec ses œuvres très influencées par la campagne vendéenne, il participe dès la fin des années 1940 à plusieurs expositions et salons tel que le Salon National des beaux-Arts.

C’est à partir des années 1960 qu’André-Charles Nauleau acquiert une réelle renommée, avec des  tableaux faisant preuve d’une vraie plénitude, et ce jusque ses dernières réalisations dans les années 1980.

Le bocage vendéen, avec ses marais, ses fermes et ses moulins reste pour l’artiste une source inépuisable d’inspiration.

D’après le titre indiqué au dos de la toile, nous pouvons affirmer que notre tableau est caractéristique de l’œuvre d’André-Charles Nauleau, avec la représentation d’un moulin du bocage, situé à Bournezeau, commune vendéenne d’environ 4000 habitants. Il est probable que le moulin peint par l’artiste est celui qui est présent à l’entrée de cette commune, réputée pour ses moulins dès le XIXe siècle.

Avec son cadre d’époque en bois de style « Montparnasse », notre tableau a probablement fait l’objet d’une exposition au milieu des années 1970, ce qui est confirmé par le numéro et l’étiquette d’exposition présents au dos de la toile. L’étiquette retrace l’historique des Salons, des expositions et des prix reçus par Andre-Charles Nauleau jusqu’en 1973.

André-Charles Nauleau est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Paire de bas-reliefs,

formant pendant

Représentation d’un couple d’époque moyenâgeuse

Cuivre repoussé

Décors d’arches ogivales dans le style gothique

Epoque Fin XIXe siècle

Dimensions par cadre: cuivre 14 x 31.5 cm / avec cadre 18 x 35 cm 

Prix de vente : 115,00 €

Notre paire de cadres est inspirée de l’époque gothique, avec la représentation d’un couple de personnages dans le style Moyen-Age. Le décor d’arches ogivales accentue l’esthétique Haute Epoque de nos deux bas-reliefs en cuivre repoussé.

Par la nature de leur bois, ces deux encadrements, probablement d’époque fin XIXe siècle et formant pendant, amèneront une réelle touche d’originalité dans une décoration d’intérieur faisant référence à l’histoire moyenâgeuse.

Bonbonnière à la scène galante

Bonbonnière circulaire, en porcelaine

Décor doré à la scène galante, sur fond Bleu de four

Frise à volutes dorées, sur le couvercle et le pourtour de la bonbonnière

Epoque XXe siècle

Dimensions: diamètre 11 cm / hauteur 5 cm

Prix de vente : 11,00 € 

Notre bonbonnière en porcelaine présente un décor à la scène galante, avec une frise à volutes dorées sur un fond Bleu de Four.

Le bleu de four est obtenu par trempage des pièces de porcelaine dans un bain d’émail bleu au cobalt puis cuisson à haute température afin de garantir l’éclat de la couleur.

Caractéristique des peintures du XVIIIe siècle, la scène galante, souvent associée à des fêtes champêtres, montre des personnages de l’aristocratie de l’époque, représentés au milieu de la nature et s’adonnant à des jeux de séduction.

Réel objet de décoration, notre bonbonnière par son décor doré et sa couleur dominante Bleu de Four, s’inscrit totalement dans le style des productions de la ville de Limoges.

Aiguière en faïence de Desvres

Imposante aiguière à anse au dragon, au bélier et au faune

Faïence à émaux polychromes de Desvres

Signature de François Fourmaintraux-Courquin sous la base

Epoque Fin XIXe siècle (années 1875 à 1900)

Hauteur: 49 cm

Prix de vente : 100,00 €

La ville de Desvres dans le Pas-de-Calais est renommée pour ses faïenceries, et plus particulièrement depuis le milieu du XVIIIe siècle avec la création de la première faïencerie.

C’est au début du XIXe siècle que François-Joseph Fourmaintraux crée sa propre manufacture et c’est une véritable dynastie familiale qui va permettre de maintenir l’activité sur plusieurs générations jusqu’au début des années 1980.

Malgré plusieurs associations entre différents repreneurs, les années 2000 marqueront la disparition des manufactures historiques de la famille Fourmaintraux.

Aujourd’hui, la production faïencière est maintenue par des artisans locaux et deux musées perpétuent l’histoire de la faïence de Desvres.

Le Musée de la Céramique de Desvres présente à ses visiteurs une exposition permanente sur la fabrication de la faïence sur plus de 300 ans, du XVIIe siècle à nos jours.

Quant au Musée « A la belle époque de la Faïence de Desvres », il s’est installé dans l’ancienne usine de Gabriel Fourmaintraux où plusieurs collections de faïences sont montrées au public.

Objet de toilette, mais aussi de décoration, une aiguière est habituellement un vase très élégant doté d’une large anse et d’un bec effilé, pouvant contenir une boisson pour les repas ou de l’eau pour la toilette.

L’aiguière que nous présentons ici porte sous sa base une signature que nous pouvons attribuer au céramiste François Fourmaintraux-Courquin, actif à Desvres entre les années 1875 et 1900 et renommé pour ses productions de faïences artistiques richement décorées et très colorées.

Notre aiguière s’inscrit parfaitement dans ce genre de faïences avec son décor japonisant aux dragons. Plusieurs autres ornementations, telles que le faune, le bélier et les armoieries à la fleur de lys, font également référence aux décors plus traditionnels de Desvres à la fin du XIXe siècle.

Par ses dimensions imposantes, notre aiguière pourra devenir un élément central d’une décoration d’intérieur, en amenant une nuance typique des faïences à émaux polychromes de Desvres de la fin du XIXe siècle.

« Néréide à la source »

Sculpture en bronze à patine brune

Représentation d’une femme debout, à l’antique, retenant son drapé de sa main droite, la main gauche reposant sur une colonne « à la source d’eau »

Personnage symbolisant probablement une nymphe marine, appelée « Néréide »

Terrasse rectangulaire

Epoque 2nde moitié du XIXe siècle

Dimensions: base 6 x 5.5 cm / hauteur 22 cm 

Prix de vente : 60,00 € 

Notre statue en bronze à patine brune, présentée sur un socle intégré rectangulaire, s’inscrit totalement dans les œuvres de style antique réalisées pendant la seconde moitié du XIXe siècle.

D’inspiration mythologique et probablement d’époque Napoléon III, elle représente une jeune femme debout, sa main droite retenant la toge drapée dont elle est vêtue.

La main gauche est appuyée sur une colonne d’où émerge une source d’eau, rappelant le mythe antique de l’eau, symbole de la fertilité.

Les cheveux en chignon, ornés de fleurs, le personnage sculpté fait donc probablement référence aux néréides, nymphes antiques protectrices des sources d’eaux.

Témoignage historique de l’art bronzier de la seconde moitié du XIXe siècle, il émane de notre statue une impression énigmatique, associée à une réelle sagesse antique.

Chandelier à 4 branches

Chandelier à 4 branches et 4 lumières

Métal argenté

Quatre poinçons sur la base

Style classique, à décor perlé

Hauteur: 28 cm

Prix de vente : 90,00 €

En métal argenté, le chandelier que nous présentons ici porte 4 poinçons sur sa base. Il s’inscrit typiquement dans le plus pur style classique avec son décor perlé.

A quatre branches et quatre lumières, notre chandelier pourra rehausser de son éclat une table de fêtes ou s’intégrera parfaitement dans un décor d’intérieur. 

« Port de pêche en Bretagne »

Huile sur toile, encadrée

Représente une vue d’un port de pêche breton, animée de personnages

Ecole française classique XIXe siècle

Trace de signature, en bas à gauche

Cadre d’époque en bois doré à décor de feuillages et de médaillons

Epoque Début XIXe siècle

Dimensions : toile 65 x 50 cm / avec cadre 83 x 67 cm 

Prix de vente : 200,00 €

Dans le plus pur style de l’Ecole Française classique du XIXe siècle, notre tableau représente un port de pêche animé du début du XIXe siècle. Le port est très probablement situé en Bretagne au vu des vêtements portés par les personnages féminins.

La toile porte une trace de signature en bas à gauche, peu lisible. Suite à nos recherches, le tableau pourrait être attribué à Charles Goureau, peintre français actif au début du XIXe siècle. Ceci reste cependant à confirmer car peu d’informations sont disponibles sur cet artiste qui aurait exposé quelques œuvres dans différents salons artistiques du début du XIXe siècle.

Avec son cadre d’époque en bois doré agrémenté de médaillons, notre tableau est un véritable témoignage de l’Ecole Française classique du début du XIXe siècle. Il s’inscrit pleinement dans le style de cette école, alliant la tourmente d’un ciel chargé de nuages à la finesse des personnages représentés.

« Le Discobole »

Bas-relief, en pierre reconstituée

Représente l’athlète antique grec, nommé « Le Discobole »

Porte un cachet au dos « Ergani Athena Greece »

Bas-relief Fait Main (cachet « Hand Made » au dos)

Epoque Milieu XXe siècle

Dimensions: 27 x 37 cm / épaisseur 8 cm 

Prix de vente : 20,00 € 

Représentant un homme nu se préparant à lancer un disque, le discobole est l’une des plus célèbres statues d’athlète de l’Antiquité, s’inscrivant pleinement dans le style classique grec antique.

Attribuée à Myron, sculpteur athénien du Ve siècle av. J.-C., la statue originelle, probablement en bronze, n’a jamais été retrouvée. Mais une description précise réalisée au IIIe siècle a permis de faire plusieurs copies à l’époque romaine. La plus célèbre d’entre elles a été retrouvée à Rome à la fin du XVIIIe siècle.

Dès sa création, le discobole a symbolisé l’apport du sport dans l’éducation des jeunes hommes dans la Grèce antique, pays à l’origine de la création des premiers Jeux Olympiques.

A l’initiative du Français Pierre de Coubertin (1863-1937), les premiers jeux de l’ère moderne ont lieu à Athènes en avril 1896. Le discobole devient à nouveau le symbole de ces jeux dits « modernes » et il est régulièrement présent au XXe siècle, par exemple sur l’affiche des Jeux de Londres en 1948.

Dans un passé plus récent, il orne la pièce grecque de deux euros, commémorant les Jeux d’Athènes de 2004. On le retrouve également sur les affiches officielles des Jeux « Paris 2024 ».

 Notre bas-relief porte au dos un cachet circulaire, avec les inscriptions en relief « Ergani Athena Greece – Copy – Hand Made ».

Nécessaire de toilette 3 pièces « Moustiers »

Ensemble de toilette, composé d’une vasque, d’un broc et d’une boîte à savonettes

Faïence blanche de Moustiers-Sainte-Marie

Production artisanale de la Maison Lallier

Signatures sous chaque pièce

Epoque 2nde moitié du XXe siècle

Dimensions: Vasque (diamètre : 39 cm / hauteur: 10 cm ) – Broc (hauteur: 28 cm) – Boîte à savonettes (diamètre: 10 cm / hauteur avec couvercle: 9 cm)

Prix de vente : 20,00 €

Dès le Moyen-âge, Moustiers-Saintes-Marie (aujourd’hui dans les Alpes de Haute-Provence) est réputée pour ses poteries et le développement des activités du village va s’accentuer au XVIIIe siècle avec l’essor de la faïence en France. Plus d’une dizaine d’ateliers faïenciers sont alors actifs dans le village et à l’origine de de la fabrication d’objets de décoration ou dédiés au service de la table.

C’est à cette même époque que certains de ces ateliers vont se spécialiser dans la faïence blanche, emblématique des productions de Moustiers-Saintes-Marie.

Le début du XIXe siècle sera synonyme de déclin d’activité qui aboutira au milieu de ce même siècle à la fermeture totale des ateliers faïenciers.

Il faut attendre la fin des années 1920 pour voir renaître quelques faïenceries à Moustiers-Sainte-Marie. A la même époque sera créé le Musée de la faïence, qui continue de nos jours à présenter ses collections au public. Il est ainsi possible de découvrir l’histoire de la ville étroitement associée à la création de faïences depuis plusieurs siècles.

Même si le XXe siècle s’est accompagné de nouveau par un déclin d’activité, plusieurs artisans sont aujourd’hui toujours actifs et contribuent à perpétuer l’histoire faïencière de Moustiers-Sainte-Marie, commune labellisée « Villes et Métiers d’Art ».

Le service de toilette que nous présentons est fait-main et se constitue classiquement d’une vasque et d’un broc en faïence blanche. Son originalité est qu’il est accompagné de sa boîte à savonnettes, de forme circulaire et avec son couvercle.

Sur chaque pièce figure la signature « Lallier à Moustiers ». Cet atelier familial, renommé dans la France entière pour la qualité de ses créations, a été actif pendant une cinquantaine d’années à Moustiers-Sainte-Marie, de 1969 à 2019.

« Gerbe fleurie »

Peinture sur tôle, encadrée

Représente une gerbe de fleurs

Signée en bas à gauche

Cadre en bois doré, à ouverture ovale, à décor de feuilles et de rinceaux

Epoque Début XXe siècle

Dimensions : Tôle 16 x 48 cm (à vue) / avec cadre 29.5 x 63 cm

Prix de vente : 60,00 €

L’originalité de notre tableau réside dans l’utilisation d’une tôle comme support de la gerbe de fleurs représentée par l’artiste. La signature de ce dernier est présente en bas à gauche, mais nos recherches n’ont pas permis de l’identifier avec certitude.

Il est à noter que cet artiste se caractérise par la finesse du dessin des fleurs et des feuilles, associée parfaitement à une palette de couleurs particulièrement variée, ce qui confère à l’œuvre une réelle profondeur.

D’époque probablement début XXe siècle, le cadre en bois doré se caractérise par son ouverture de forme ovale, cernée d’un riche décor sculpté de feuilles et de rinceaux.

« L’attelage de chevaux »

Plaque en bronze

Représente un attelage de chevaux et son conducteur, avec chariot

Probablement ancien fronton de grille ou de porte

Epoque Fin XIXe siècle

  Longueur: 60 cm

Prix de vente : 70.00 €

Objet d’ornementation, notre plaque en bronze représente un attelage de chevaux tirant un chariot, avec le conducteur sur un des chevaux sellés.

Cette sculpture a pu servir de fronton sur une grille ou une porte d’entrée, probablement pour annoncer une ancienne activité de transport.

Avec son aspect particulièrement original, notre plaque de bronze apportera une réelle note rare et insolite dans une décoration d’intérieur.

« Jeune femme à l’antique »

Sculpture en bronze à patine brune

Représentation d’une femme debout, à l’antique, tenant une coupe dans sa main gauche et le bras droit reposant sur une colonne « à la tête d’homme »

Terrasse rectangulaire

Epoque 2nde moitié du XIXe siècle

Dimensions: base 6 x 5.5 cm / hauteur 21.5 cm 

Prix de vente : 60,00 € 

D’inspiration mythologique et probablement d’époque Napoléon III, notre statue en bronze à patine brune, présentée sur un socle intégré rectangulaire, s’inscrit totalement dans les œuvres de style antique réalisées pendant la seconde moitié du XIXe siècle.

Elle représente une jeune femme vêtue d’une toge drapée, en position debout, une coupe dans la main gauche et le bras droit appuyé sur une colonne dont la partie supérieure est sculptée en forme de tête d’homme rappelant les représentations des dieux de l’Antiquité.

Le style antique est également souligné par le type de coiffure du personnage, les cheveux en chignon et ornés d’une couronne de fleurs.

Par la finesse des plis du drapé et l’impression de sérénité qui en émane, notre statue est un réel témoignage de l’art bronzier de la seconde moitié du XIXe siècle.

« Personnification de la Connaissance »

Statuette en biscuit de porcelaine blanche

Représente un putto assis, lisant un livre

Dans le style de Guglielmo Pugi (1850 – 1915)

Epoque Début XXe siècle

Hauteur: 30 cm

Prix de vente : 200,00 €

Inspiré de la Grèce antique, puis de l’art romain, le « putto » est un personnage qui a été repris au XVe siècle en Italie.

Elément essentiel de l’ornementation architecturale italienne, il représente initialement un angelot nu et ailé. Il évolue ensuite vers un nourrisson joufflu, quasiment toujours de sexe masculin.

Les monuments de la renaissance italienne ont particulièrement mis en valeur les « putti » et ces derniers sont cités comme étant caractéristiques de l’art baroque sicilien.

Allégorie de la connaissance, notre putto, en biscuit de porcelaine, est une réelle personnification du lecteur en position assise.

Il est à noter que la pièce présentée ici est identique à l’une des œuvres du sculpteur italien Guglielmo Pugi (1850-1915). Réputé pour ses représentations de bustes, plusieurs de ses sculptures sont exposées dans différents musées mondiaux.

Evocation du marbre blanc des sculptures antiques, le biscuit de porcelaine est obtenu par cuisson à haute température de porcelaine blanche naturelle, sans émaillage et sans décor de couleurs. Son usage est fréquemment utilisé dans la création de statuettes décoratives, comme dans le cas de notre putto « lecteur ».

« Bords de quai »

Jean-Pierre Blaess (?-2017)

Huile sur toile, encadrée

Représente un bord de quai, proche d’un pont

Situé probablement en bord de Marne, dans le Val de Marne

Signé en bas à droite

Daté « 92 » pour l’année 1992

Dimensions : Toile 46 x 38 cm / avec cadre 59 x 51 cm

Prix de vente : 20,00 €

Issu d’une famille de peintres, Jean-Pierre Blaess est un artiste local à l’origine de la création à la fin des années 90 de l’Ecole des Bords de Marne dans le département du Val-de-Marne.

Reconnu par ses réalisations de paysages extérieurs dans un style rappelant la peinture impressionniste, il expose régulièrement ses œuvres en Ile-de-France.

C’est au début des années 2000 que Jean-Pierre Blaess vient se fixer dans le Nord du Médoc, à Soulac-sur-Mer.

Fidèle à ses envies de partage de la peinture en plein air, il est à l’origine de la création de l’Association « Médoc en Peinture », toujours existante aujourd’hui. Accompagné de ses amis artistes, il a présenté régulièrement ses œuvres dans diverses expositions locales.

Concernant notre tableau qui s’inscrit pleinement dans le style de Jean-Pierre Blaess, nous pouvons supposer qu’il représente un bord de Marne, au vu de la date figurant en bas de l’œuvre (1992). 

Encrier Bronze

Encrier en bronze doré

Forme Rocaille avec motifs de coquilles, volutes et feuilles d’acanthes

Porte-godet fermé par un couvercle à charnière, à décor de godron

Style Louis XV

  Longueur: 22 cm

Prix de vente : 105,00 €

Dans le plus pur style Louis XV, la forme rocaille et les décors de coquilles et de feuilles d’acanthes confèrent une réelle originalité à notre encrier.

« Couple galant, à l’oiseau »

Groupe en porcelaine émaillée et dorée

Représente une scène galante champêtre

Numéroté sous la base

Style « Porcelaine de Saxe »

Epoque Début XXe siècle

Dimensions: base 21 x 14 cm / hauteur 23 cm 

Prix de vente : 25,00 € 

Numéroté sous sa base, notre groupe en porcelaine représente une scène galante, animée de deux personnages formant un couple uni. L’homme tient dans la main droite un oiseau qu’il présente à sa compagne, ce qui accentue la note romantique de l’œuvre.

Fréquemment associée aux fêtes champêtres du XVIIIe siècle, la scène galante s’illustre par des personnages d’époque représentés au milieu de la nature et s’adonnant à des jeux de séduction.

Avec ses ornementations dorées sur le pourtour de sa base, notre sculpture s’inscrit pleinement dans le style des porcelaines de Saxe par la richesse de ses couleurs émaillées.