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Blanche-Marie Baraban-Cahagnet (1865-milieu XXe siècle)

« L’église Saint-André de Niort »

Huile sur panneau, encadrée

Représente l’église Saint-André de la ville de Niort, vue des rives de la Sèvre niortaise

Signée « Bl. Baraban » en bas à droite

Cadre doré d’époque, à décor de perles et de palmettes

Epoque Fin XIXe siècle Début XXe siècle

Dimensions : panneau 12 x 18 cm / avec cadre 21 x 27 cm 

Prix de vente : 40,00 €

Blanche-Marie Baraban-Cahagnet (1865-vers 1950)

Artiste peintre française, Blanche-Marie Baraban-Cahagnet est reconnue pour ses œuvres représentant des natures mortes ou des compositions florales.

Le petit tableau que nous présentons ici est donc original par sa rareté dans les réalisations de l’artiste.

Nos recherches nous ont permis de trouver une trace du mariage de l’artiste à la fin du XIXe siècle avec Louis Charles Cahagnet dans la ville de Niort, à la fin du XIXe siècle. Nous avons réussi ainsi à identifier avec certitude l’église représentée par Blanche-Marie Baraban-Cahagnet sur notre tableau. Il s’agit de l’église Saint-André de la ville de Niort, l’un des plus anciens monuments religieux de la ville.

Bâtie pendant la seconde moitié du XIXe siècle sur l’une des deux collines de Niort, elle domine le vieux port et la Sèvre niortaise. Inscrite aux Monuments Historiques depuis 2015 et parfaitement reconnaissable avec ses deux tours surmontées de flèches, elle se caractérise par son style néogothique.

D’époque tout début XXe siècle, voire de la fin du XIXe siècle, notre tableau est particulièrement mis en valeur par son cadre doré d’époque, au décor de perles et de palmettes.

Remarquable par la finesse de ses traits, particulièrement dans la représentation du reflet dans la rivière des deux flèches de l’église, le petit format de notre huile sur panneau lui permettra de s’intégrer aisément dans une décoration d’intérieur en apportant un réel témoignage historique de la ville de Niort à l’aube du XXe siècle.

Blanche-Marie Baraban-Cahagnet est une artiste cotée dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Faïence de Desvres

Assiette révolutionnaire, datée « 1791 »

Porte l’inscription  » je suis las de les porter »

Faïence à décor polychrome de Desvres

Signature de François Fourmaintraux-Courquin au dos de l’assiette

Assiette du 1er centenaire de la Révolution Française

Epoque Années 1875-1900

Diamètre: 24 cm 

Prix de vente : 5,00 € 

La ville de Desvres dans le Pas-de-Calais est renommée pour ses faïenceries depuis le milieu du XVIIIe siècle, et plus particulièrement depuis le milieu du XVIIIe siècle avec la création de la première faïencerie.

C’est au début du XIXe siècle que François-Joseph Fourmaintraux crée sa propre manufacture et c’est une véritable dynastie familiale qui va permettre de maintenir l’activité sur plusieurs générations jusqu’au début des années 1980.

Malgré plusieurs associations entre différents repreneurs, les années 2000 marqueront la disparition des manufactures historiques de la famille Fourmaintraux.

Aujourd’hui, la production faïencière est maintenue par des artisans locaux et deux musées perpétuent l’histoire de la faïence de Desvres.

Le Musée de la Céramique de Desvres présente à ses visiteurs une exposition permanente sur la fabrication de la faïence sur plus de 300 ans, du XVIIe siècle à nos jours.

Quant au Musée « A la belle époque de la Faïence de Desvres », il s’est installé dans l’ancienne usine de Gabriel Fourmaintraux où plusieurs collections de faïences sont montrées au public.

Grâce à la signature présente au dos de notre assiette, nous pouvons en conclure qu’elle est d’époque 1875-1900, période d’activité de François Fourmaintraux-Courquin qui sera renommé pour ses productions de faïences artistiques, notamment des assiettes révolutionnaires célébrant le premier centenaire de la Révolution Française, telle que celle que nous présentons ici.

Elle représente un paysan habillé de ses habits traditionnels et qui semblent porter sur ses épaules les symboles de la noblesse et du clergé, respectivement l’épée et la crosse.

Ce type de caricature illustre clairement le ressenti de la classe paysanne à la fin du XVIIIe siècle et qui aboutira à la perte des privilèges de la noblesse et du clergé.

Coffret « Porcelaine »

Coffret de table quadripode en porcelaine, avec son couvercle

Décor bleu de feuilles et de fleurs, sur fond blanc

Prise de couvercle, prises latérales et pieds en métal à patine « Bronze »

Prises latérales de style « effigies royales »

Porcelaine ancienne

Dimensions: longueur 21 cm / largeur 13 cm / hauteur avec couvercle 20 cm

Prix de vente : 80,00 €

Notre coffret avec son couvercle est en porcelaine ancienne, à décor bleu de feuilles et de fleurs sur un fond blanc.

Le coffret est orné de différents ajouts en métal à patine « Bronze » : Prise du couvercle, pieds et prises latérales, rappelant des effigies royales.

Nos recherches n’ont pas permis de définir avec certitude le pays d’origine de cet objet, même s’il a tendance à rappeler les coffrets anciens asiatiques. Il en est de même pour l’époque de fabrication qui au vu de l’aspect extérieur de la porcelaine pourrait se situer à la fin du XIXe siècle ou au début du XXe siècle. Ces points restent cependant à être confirmés.

Notre coffret reste cependant remarquable par ses dimensions, son décor bleu / blanc et ses ornementations métalliques qui lui confèrent une réelle originalité.

Mortier ancien et son pilon

Mortier à deux anses et son pilon, en bronze ancien

Décor de blasons héraldiques, aux phénix

Inscriprions anciennes et date partielle sur le pourtour du col

Origine Pays-Bas

Dimensions: hauteur Mortier 12 cm / diamètre Mortier 11 cm / longueur Pilon 20 cm

Prix de vente : 20,00 € 

Notre mortier ancien à deux anses, présenté avec son pilon, est très probablement très ancien et provient des Pays-Bas. Ceci est confirmé par l’inscription partiellement effacée sur le pourtour du col où nous avons pu déchiffrer les mots « SERKE » et « CHEGOTEN », termes figurant sur des mortiers anciens hollandais datés du XVIe siècle. Le début d’une date incomplète « A 15.. » apparaît également sur le col.

Outre ses deux anses en bronze, l’originalité de notre mortier réside dans son décor héraldique sur ses deux faces. Il représente un blason encadré de part et d’autre par deux créatures ailées ressemblant à des aigles, ce qui nous permet de les associer à des phénix.

Utilisés par les apothicaires, ancêtres de nos pharmaciens d’aujourd’hui, les mortiers anciens étaient tous destinés à la préparation de divers onguents et pommades de soins, à base de plantes pilées ou d’éléments solides réduits en poudre. La présence des phénix sur notre mortier vient conforter son usage thérapeutique, par la symbolique de ces oiseaux, emblèmes de longévité et de renaissance.

Objet ancien et d’une rareté certaine, notre mortier en bronze, accompagné de son pilon, est un véritable témoignage d’un lointain passé, alliant les connaissances médicales des apothicaires à l’allégorie du phénix, oiseau mythique incarnant la vie éternelle.

Faïence de Desvres

Assiette révolutionnaire, datée « 1793 »

Porte l’inscription  » Vive les bons citoyens »

Faïence à décor polychrome de Desvres

Signature de François Fourmaintraux-Courquin au dos de l’assiette

Assiette du 1er centenaire de la Révolution Française

Epoque Années 1875-1900

Diamètre: 24 cm 

Prix de vente : 5,00 € 

La ville de Desvres dans le Pas-de-Calais est renommée pour ses faïencer

La ville de Desvres dans le Pas-de-Calais est renommée pour ses faïenceries depuis le milieu du XVIIIe siècle, et plus particulièrement depuis le milieu du XVIIIe siècle avec la création de la première faïencerie.

C’est au début du XIXe siècle que François-Joseph Fourmaintraux crée sa propre manufacture et c’est une véritable dynastie familiale qui va permettre de maintenir l’activité sur plusieurs générations jusqu’au début des années 1980.

Malgré plusieurs associations entre différents repreneurs, les années 2000 marqueront la disparition des manufactures historiques de la famille Fourmaintraux.

Aujourd’hui, la production faïencière est maintenue par des artisans locaux et deux musées perpétuent l’histoire de la faïence de Desvres.

Le Musée de la Céramique de Desvres présente à ses visiteurs une exposition permanente sur la fabrication de la faïence sur plus de 300 ans, du XVIIe siècle à nos jours.

Quant au Musée « A la belle époque de la Faïence de Desvres », il s’est installé dans l’ancienne usine de Gabriel Fourmaintraux où plusieurs collections de faïences sont montrées au public.

Grâce à la signature présente au dos de notre assiette, nous pouvons en conclure qu’elle est d’époque 1875-1900, période d’activité de François Fourmaintraux-Courquin qui sera renommé pour ses productions de faïences artistiques, notamment des assiettes révolutionnaires célébrant le premier centenaire de la Révolution Française, telle que celle que nous présentons ici.

Elle est décorée d’un triple blason dans lequel s’inscrit la phrase « Vive les bons citoyens ». Cette expression est une référence directe à l’usage par le peuple des mots « citoyenne » et « citoyen » respectivement en lieu et place de « Madame » ou « Monsieur » dès les débuts de la Révolution Française.

Le 26 août 1789, la Déclaration des Droits de l’Homme et du Citoyen officialise l’emploi du terme « Citoyen ».

Pot couvert « Le Renoleau »

Pot couvert, en céramique émaillée

Décor « à l’oiseau », dans le style Renaissance

Faïencerie d’Art d’Angoulême

Signature sous la base « Faïencerie d’Art d’Angoulême – Le Renoleau »

Dimensions: hauteur avec couvercle 14 cm / diamètre 9 cm

Prix de vente : 5,00 € 

Créée en 1891 par le céramiste Alfred Renoleau (1854-1930), la faïencerie d’Art d’Angoulême est restée active jusqu’en 2017.

Le pot couvert que nous présentons ici est caractéristique des dernières productions de la faïencerie, par la forme originale donnée à son bord extérieur et son décor caractéristique de style Renaissance sur fond blanc, dit « à l’oiseau ».

Faïence de Desvres

Assiette révolutionnaire, datée « 1791 »

Porte l’inscription  » La Paix »

Faïence à décor polychrome de Desvres

Signature de François Fourmaintraux-Courquin au dos de l’assiette

Assiette du 1er centenaire de la Révolution Française

Epoque Années 1875-1900

Diamètre: 24 cm 

Prix de vente : 5,00 € 

La ville de Desvres dans le Pas-de-Calais est renommée pour ses faïenceries depuis le milieu du XVIIIe siècle, et plus particulièrement depuis le milieu du XVIIIe siècle avec la création de la première faïencerie.

C’est au début du XIXe siècle que François-Joseph Fourmaintraux crée sa propre manufacture et c’est une véritable dynastie familiale qui va permettre de maintenir l’activité sur plusieurs générations jusqu’au début des années 1980.

Malgré plusieurs associations entre différents repreneurs, les années 2000 marqueront la disparition des manufactures historiques de la famille Fourmaintraux.

Aujourd’hui, la production faïencière est maintenue par des artisans locaux et deux musées perpétuent l’histoire de la faïence de Desvres.

Le Musée de la Céramique de Desvres présente à ses visiteurs une exposition permanente sur la fabrication de la faïence sur plus de 300 ans, du XVIIe siècle à nos jours.

Quant au Musée « A la belle époque de la Faïence de Desvres », il s’est installé dans l’ancienne usine de Gabriel Fourmaintraux où plusieurs collections de faïences sont montrées au public.

Grâce à la signature présente au dos de notre assiette, nous pouvons en conclure qu’elle est d’époque 1875-1900, période d’activité de François Fourmaintraux-Courquin qui sera renommé pour ses productions de faïences artistiques, notamment des assiettes révolutionnaires célébrant le premier centenaire de la Révolution Française, telle que celle que nous présentons ici.

Elle fait très probablement référence aux affrontements qui ont lieu dans les provinces françaises et aux menaces de guerre qui agitent l’année 1791.

La division de l’église en France entre prêtres assermentés soutenus par les révolutionnaires français et les prêtres réfractaires protégés par le Roi et le Pape déstabilisent le pays, en créant de fortes tensions plus particulièrement entre populations des villes et des campagnes.

Les menaces qui pèsent également sur le Roi Louis XVI et sa famille vont aboutir à sa fuite et son arrestation dans la ville de Varennes en juin 1791.

Face à ces évènements, plusieurs royautés européennes vont menacer la France, en soutien de l’église et de la famille royale.

La guerre risquant d’être aux portes du pays fin 1791, il est probable que notre assiette illustre un appel à la paix pour mettre fin aux luttes civiles internes et unir le peuple français face aux risques de conflit avec les autres pays européens.

Vase ancien à l’Antique

Grand vase ancien en plâtre à deux patines, claire et foncée

Décor à l’Antique avec en partie centrale une frise en relief de putti et de chérubins

Style Art Nouveau

Epoque Années 1900

                          Dimensions: hauteur 31 cm / Diamètre 23 cm

Prix de vente : 28,00 €

L’originalité de notre vase réside dans son décor à l’Antique, avec une double ornementation à deux patines, l’une claire et l’autre foncée.

En partie centrale se trouve une frise en relief de puttis et de chérubins, encadrées par un décor strié s’inspirant de celui des vases grecs antiques.

Les putti et les chérubins sont fréquemment utilisés dans la décoration ornementale.

Le « putto » est un personnage inspiré de la Grèce antique, puis de l’art romain. Il a ensuite été repris au XVe siècle en Italie. Elément essentiel de l’ornementation architecturale italienne, il représente un angelot nu et ailé, appelé Chérubin. Il évolue ensuite vers un nourrisson joufflu, quasiment toujours de sexe masculin.

A noter que dans la religion chrétienne, le chérubin est une créature spirituelle porteuse de messages divins et qui peut également être un ange gardien.

Façonné en plâtre patiné, notre vase, avec sa frise de putti et de chérubins, amènera une réelle note antique à une décoration d’intérieur en rappelant l’art des poteries grecques ancestrales.

Services à Griottes et sa louche

Service à Griottes, en verre

Louche « Ravinet d’Enfert » d’époque, en métal argenté

Constitué d’une coupe et de son couvercle, de 8 verres à pied et d’un plateau

Décor floral

Poinçon « Ravinet d’Enfert » sur la louche, modèle « Coquille »

Style Art Nouveau

Epoque Début XXe siècle

Dimensions: hauteur Coupe 23 cm / diamètre Coupe 14 cm / hauteur Verre 7 cm / diamètre Plateau 28 cm / longueur Louche 24 cm

Prix de vente : 35,00 € 

La culture du griottier (« Prunus Cesarus »), très ancienne, est répandue en Europe de l’Est car cet arbre est particulièrement résistant au froid. On le trouve également en France, notamment dans la région Nord.

Le fruit de cet arbre, appelé « griotte » et mondialement connu, est proche de la cerise mais se différencie par son goût nettement plus acidulé. Cette acidité naturelle fait que la griotte est utilisée de préférence dans les préparations culinaires, le plus fréquemment dans les desserts ou les confitures.

Les griottes peuvent également être consommées en macération dans de l’eau-de-vie ou dans une liqueur. Dans ce cas précis, elles sont amenées sur une table dans un « Service à Griottes ».

Nous présentons ici un exemple de ces services à griottes, le nôtre étant en verre et composé d’une coupe et de son couvercle, de ses 8 verres, de son plateau et de sa louche en métal argenté « Modèle Coquille ».

Le style Art Nouveau de son décor floral nous permet de situer le service dans la période Début du XXe siècle.

La louche de service est d’époque et porte un poinçon « Ravinet d’Enfert ».

« Jeune femme au lévrier »

Sculpture en régule patiné, sur socle en marbre

Représente une jeune femme assise, caressant son lévrier

Socle en marbre veiné

Epoque Art Déco

Années 1910-1930

Dimensions: hauteur statue 19 cm / longueur statue 59 cm / socle marbre 58 x 14 cm

Prix de vente : 35,00 € 

D’époque Art Déco sur son socle en marbre veiné, notre statue en régule patiné représente une femme assise, caressant son chien.

L’œuvre que nous présentons ici est typique des sculptures Art Déco des années 1930, style qui est apparu notamment après l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels qui s’est tenue à Paris en 1925.

Dans les « années folles » de l’entre-deux guerres, l’Art Déco se caractérise alors par une volonté de modernité tout en créant un style épuré qui va chercher parfois son inspiration dans les œuvres antiques.

Avec une coiffure au bandeau typique des années 1920, notre jeune femme est représentée avec une grande finesse, que ce soit son visage ou le drapé du vêtement qu’elle porte. Elle n’est pas sans rappeler les célèbres sculptures de femmes réalisées dans le style Art Déco par le sculpteur français Louis Octave Maxime Le Verrier, plus communément appelé Max Le Verrier (1891-1973) et par Claire Colinet, sculptrice belge bruxelloise (1880-1950), avec leurs œuvres inspirées de l’univers artistique des années « folles ».

En dépit de quelques altérations à la patine, la statue est remarquable par sa délicatesse et la tendresse qui se dégage entre la jeune femme et son chien, ce qui confère une réelle élégance à notre sculpture.

Coupelle « Vide-poches » à la scène galante

Coupelle « vide-poches », en porcelaine de Limoges

Décor doré à la scène galante, sur fond Bleu de four

Frise feuillagée dorée, sur le pourtour de la coupelle

Cachets sous la base « Limoges France » et « Real Gold » (pour or véritable

Epoque XXe siècle

Diamètre 12 cm 

Prix de vente : 5,00 € 

Notre coupelle « vide-poches » en porcelaine de Limoges présente un décor doré de frise feuillagée et de scène galante sur un fond Bleu de Four, typique des porcelaines de cette ville.

Le bleu de four est obtenu par trempage des pièces de porcelaine dans un bain d’émail bleu au cobalt puis cuisson à haute température afin de garantir l’éclat de la couleur.

Caractéristique des peintures du XVIIIe siècle, la scène galante, souvent associée à des fêtes champêtres, montre des personnages de l’aristocratie de l’époque, représentés au milieu de la nature et s’adonnant à des jeux de séduction.

Réel objet de décoration, notre coupelle par son décor doré et sa couleur dominante Bleu de Four, s’inscrit totalement dans le style des productions de la ville de Limoges, confirmé par les deux cachets qu’elle porte sous sa base, « Limoges France » et « Or véritable ».

Charles Ruchot (1871-1954)

« Jeux innocents »

Statue en régule à patine brune, signée en creux « Ch. Ruchot » sur la base

Représente un couple de personnages s’amusant,

Porte un cartel d’époque « Jeux innocents, par Ruchot »

Epoque Début XXe siècle

Hauteur  55 cm

Prix de vente : 75,00 €

Charles Ruchot (1871-1954) 

Peu d’informations sont disponibles sur le sculpteur français né en 1871 et décédé en 1954.

Plutôt actif de la fin des années 1880 jusqu’au début des années 1920, il est très influencé par l’Art Nouveau, puis l’art Déco. Sa renommée s’appuie sur ses créations de statues décoratives en bronze ou en régule, qui sont parfois des éléments de décoration de pieds de lampes ou de pendules anciennes.

Notre statue représente deux personnages s’adonnant à un jeu de balle, sur un socle en bois rouge, façon marbre. L’œuvre n’est pas sans rappeler le style des scènes galantes du XVIIIe siècle, montrant des personnages de l’aristocratie s’adonnant à des jeux de séduction.

Portant une signature en creux « CH. Ruchot » sur sa base, elle est titrée « Jeux Innocents », titre confirmé par le cartel d’époque présent sur le devant du socle.

Véritable témoignage de l’art sculptural du début du XXe siècle, notre statue est un parfait objet de décoration intérieure.

Charles Ruchot est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Vase balustre « Napoléon »

Vase balustre de style Empire, en porcelaine polychrome avec dorures

Décor représentant l’empereur Napoléon 1er à cheval, sur un champ de bataille

Anses en forme de cygnes

Porte les symboles napoléoniens, l’aigle et l’abeille

Dans le goût du XIXe siècle

Porte un cachet « VP » sous la base

Hauteur:  32 cm

Prix de vente : 20,00 €

De forme balustre, notre vase en porcelaine polychrome est richement décoré d’une scène représentant l’empereur    Napoléon 1^er à cheval, scrutant le déroulement d’une bataille et entouré de ses soldats.

Les deux symboles napoléoniens, l’aigle et l’abeille, présents au dos et sur le col du vase, accentuent la référence au style Empire du vase.

Après le sacre de Napoléon 1^er en 1804, l’aigle représente l’Empire dans sa globalité alors que l’abeille est plutôt associée à l’empereur lui-même.

L’aigle, symbole des victoires militaires depuis l’Antiquité, est présent sur toutes les hampes des drapeaux des armées napoléoniennes. L’abeille, symbole de la royauté et de l’immortalité, incarne l’empereur, en rappelant qu’il perpétue les grandes monarchies royales de l’histoire de France, et ce depuis les Mérovingiens.

Napoléon 1^er a ainsi la volonté de personnifier le symbole de la puissance militaire de la Rome Antique et celui de la dynastie mérovingienne, fondatrice de l’empire franc entre le Ve et le VIIIe siècle.

L’originalité du vase réside aussi dans ses deux anses en forme de cygnes et ses motifs végétaux dorés rappelant deux couronnes de lauriers également symboles de l’Empire, couronnes qui entourent la scène de bataille et l’aigle napoléonien.

Notre vase apportera une réelle note Empire dans une décoration d’intérieur. Il est à noter qu’il porte un cachet « VP » sous sa base mais nos recherches n’ont pas permis d’authentifier avec certitude l’atelier à l’origine de la création du vase, même si ce cachet présente une certaine similitude avec celui de la faïencerie « Veuve Perrin » de Marseille active jusqu’au XIXe siècle. 

Bougeoir « Empire »

Ancien bougeoir, en laiton et bronze

Style Empire

Fût en laiton cannelé

Bobèche et base carrées, en bronze

Epoque XIXe siècle

                                                Hauteur: 22 cm

Prix de vente : 12,00 €

Notre ancien bougeoir se caractérise par son fût cannelé en laiton, mis en valeur par les formes carrées de sa bobèche et de sa base en bronze.

Avec ses lignes épurées et d’époque XIXe siècle ce bougeoir s’inscrit donc pleinement dans le style Empire typique de cette période.

Vase balustre « Napoléon »

Vase balustre de style Empire, en porcelaine polychrome avec dorures

Décor représentant l’empereur Napoléon 1er à cheval, sur un champ de bataille

Anses en forme de cygnes

Porte les symboles napoléoniens, l’aigle et l’abeille

Dans le goût du XIXe siècle

Porte un cachet « VP » sous la base

Hauteur:  32 cm

Prix de vente : 20,00 €

De forme balustre, notre vase en porcelaine polychrome est richement décoré d’une scène représentant l’empereur    Napoléon 1^er à cheval, scrutant le déroulement d’une bataille et entouré de ses soldats.

Les deux symboles napoléoniens, l’aigle et l’abeille, présents au dos et sur le col du vase, accentuent la référence au style Empire du vase.

Après le sacre de Napoléon 1^er en 1804, l’aigle représente l’Empire dans sa globalité alors que l’abeille est plutôt associée à l’empereur lui-même.

L’aigle, symbole des victoires militaires depuis l’Antiquité, est présent sur toutes les hampes des drapeaux des armées napoléoniennes. L’abeille, symbole de la royauté et de l’immortalité, incarne l’empereur, en rappelant qu’il perpétue les grandes monarchies royales de l’histoire de France, et ce depuis les Mérovingiens.

Napoléon 1^er a ainsi la volonté de personnifier le symbole de la puissance militaire de la Rome Antique et celui de la dynastie mérovingienne, fondatrice de l’empire franc entre le Ve et le VIIIe siècle.

L’originalité du vase réside aussi dans ses deux anses en forme de cygnes et ses motifs végétaux dorés rappelant deux couronnes de lauriers également symboles de l’Empire, couronnes qui entourent la scène de bataille et l’aigle napoléonien.

Notre vase apportera une réelle note Empire dans une décoration d’intérieur. Il est à noter qu’il porte un cachet « VP » sous sa base mais nos recherches n’ont pas permis d’authentifier avec certitude l’atelier à l’origine de la création du vase, même si ce cachet présente une certaine similitude avec celui de la faïencerie « Veuve Perrin » de Marseille active jusqu’au XIXe siècle. 

Service à café et thé

Service à café et thé sur son plateau

Ensemble de 4 pièces en verre translucide, avec théière, cafetière, sucrier avec couvercle et plateau rectangulaire

Décor de frises feuillagées avec fleurs et fruits

Dimensions: hauteur théière 22 cm / hauteur cafetière 18 cm / hauteur sucrier 14 cm / plateau 33 x 23 cm

Prix de vente : 25,00 €

Le service à café et thé que nous présentons est en verre translucide, décoré de frises feuillagées ornées de fleurs et de fruits.

D’une rareté certaine et composé de 4 pièces, à savoir une théière, une cafetière, un sucrier avec son couvercle et un plateau, ce service apportera une note de gaité et d’originalité sur une table de service.

Paire d’assiettes « Bains de Mer »

Paire d’assiettes à dessert, en faïence fine de Choisy-le-Roi

Assiettes parlantes sur le thème « Bains de Mer », chiffrées IV et V

Bords décorés d’une frise feuillagée

Cachet « terre de Fer – HB & Cie » » de la faïencerie Hautin & Boulenger

Epoque Milieu XIXe siècle

Diamètre Assiette: 19.5 cm

Prix de vente : 9,00 €

Nos deux assiettes en faïence fine font partie d’une série d’assiettes produites par la faïencerie Hautin & Boulenger de la ville de Choisy-le-Roi (Val-de-Marne).

Cette faïencerie a été l’une des plus importantes manufactures au XIXe siècle, reconnue notamment pour ses productions d’assiettes parlantes et de services de table.

Dès le début des années 1830, Hippolyte Hautin s’associe à Louis Boulenger pour créer la société « HB&Cie », réputée pour sa production de faïence fine connue sous l’appellation « Terre de Fer ».

La faïence « Terre de fer » est à l’origine inventée pour être une véritable concurrence aux faïences anglaises du XIXe siècle. Toujours associée à une réelle finesse de décors, la « Terre de Fer » est particulièrement connue pour sa densité et sa résistance, d’où son nom faisant référence à la solidité du fer.

C’est ensuite l’un des petits-fils de Louis Boulenger, Hippolyte Boulenger, qui dirigera en 1878 la faïencerie, qui prendra alors le nom « Hippolyte Boulenger & Cie ». A la fin du XIXe siècle, les enfants d’Hippolyte Boulenger lui succèdent à la tête de la faïencerie et ils rachètent au début du XXe siècle les manufactures de Creil et Montereau pour créer la marque « HBCM ».

L’activité se maintiendra jusqu’au début des années 1930, période qui sera marquée par l’arrêt de la faïencerie de Choisy-le-Roi, dont l’activité sera transférée dans les manufactures Creil-Montereau.

Le cachet présent sous nos assiettes, « Terre de Fer – HB&Cie » nous permet d’estimer qu’elles sont d’époque Milieu du XIXe siècle, produites par la faïencerie créée suite à l’association d’Hippolyte Hautin et de Louis Boulenger.

Illustrant le thème des « Bains de Mer », nos deux assiettes sont ainsi un réel témoignage historique et humoristique de la vie des stations balnéaires au milieu du XIXe siècle.

Coupe à fruits

Coupe sur piédouche, en céramique ajourée

Décor aux bouquets de fleurs

Frise décorative sur les bords intérieur et extérieur

Numérotée sous la base

Epoque XXe siècle

                        Dimensions: diamètre 30 cm / hauteur: 14 cm

Prix de vente : 10,00 €

Notre coupe à fruits en céramique est ajourée et repose sur un piédouche, également en céramique ajourée.

Plusieurs bouquets fleuris ornent le pourtour et l’intérieur de la coupe. Une frise décorative complète la décoration des bords intérieur et extérieur.

Avec ses couleurs chatoyantes accentuées par son fond de couleur blanche, notre coupe trouvera toute sa place pour présenter des fruits sur une table d’été.

« Le port de Bordeaux face au pont de pierre »

Huile sur toile, marouflée sur carton

Représente des péniches amarrées dans le port de Bordeaux, près du pont de pierre

Epoque Milieu XXe siècle

Dimensions : panneau  64 x 55 cm / avec cadre 70 x 59 cm 

Prix de vente : 40,00 €

Avec sa représentation de péniches amarrées dans le port de Bordeaux, près du pont de pierre, notre tableau nous donne l’occasion de redécouvrir succinctement l’histoire de ce port, appelé « Port de la Lune ».

Traversée par la Garonne et idéalement placée à l’embouchure de l’estuaire de la Gironde, la ville de Bordeaux a toujours bénéficié depuis ses origines d’un accès privilégié à l’océan atlantique.

Bordeaux est ainsi devenu un grand port français, connu sous le nom de « Port de la lune ». Cette appellation peu commune ferait allusion au large méandre en forme de croissant décrit par la Garonne pendant sa traversée de la ville. Il est à noter que le croissant de lune figure sur les armoiries de Bordeaux, même dans leur version la plus ancienne remontant au Moyen-Age.

Cette partie du fleuve longeant le cœur historique de Bordeaux a été le symbole pendant des décennies de la prospérité économique portuaire de la ville. Après le déplacement des activités portuaires en aval de la Garonne et le long des bords de l’estuaire de la Gironde, ce quartier de Bordeaux est surtout dédié aux animations touristiques. C’est ce même quartier qui est inscrit depuis 2007 au Patrimoine Mondial de l’Unesco, sous l’appellation « Bordeaux, Port de la Lune », ce qui a remis sous les feux de l’actualité le nom historique du port de Bordeaux.

Notre tableau présente également le « pont de pierre », le plus ancien et le plus célèbre des 8 ponts qui traversent la Garonne à Bordeaux.

Premier pont de l’histoire de Bordeaux, la construction du pont de pierre est due à l’empereur Napoléon 1^er. Commencé en 1810, le pont est achevé en 1822. D’une longueur de près de 500 mètres, il est constitué de 17 arches et sera jusqu’au début des années 1970 le seul pont réunissant les rives droite et gauche au niveau du centre historique de la ville.

Véritable emblème architectural du cœur de la ville de Bordeaux, le pont de pierre est inscrit depuis fin 2002 au titre des monuments historiques.

Véritable témoignage du port de Bordeaux probablement vers le milieu du XXe siècle, notre tableau se caractérise par le jeu des couleurs utilisées par l’artiste et un style pictural amenant une réelle profondeur à l’ensemble de l’œuvre. 

Assiettes parlantes « Fables de La Fontaine »

Série complète de 6 assiettes à dessert en faïence à bords festonnés

Assiettes parlantes sur le thème « Fables de La Fontaine », chiffrées de 1 à 6

Bords décorés de grappes de raisons et de feuilles de vignes

Cachet « Gien France – Musée de la faïencerie de Gien »

Epoque contemporaine

                                         Diamètre Assiette: 20 cm

Prix de vente : 40,00 €

La manufacture de Gien est fondée en 1821 dans le Loiret, dans la ville du même nom. Son âge d’or s’inscrit essentiellement dans la seconde moitié du XIXe siècle, avec la découverte d’un nouveau procédé de décor dit « sous émail ».

C’est en 1875 que la société prend le nom de faïencerie de Gien et dans les années suivantes, les exportations deviennent mondiales. La réputation de la faïencerie est à son apogée en 1889 avec l’obtention d’un grand prix à l’exposition universelle de Paris et la fabrication de services de tables ou d’objets décoratifs inspirés des XVIIe et XVIIIe siècles. Le célèbre décor « Renaissance » sur fond bleu inspiré de l’art italien du XVe siècle participe alors à la forte renommée européenne de la faïencerie.

Après s’être lancé à la fin du XIXe siècle dans la fabrication de carreaux de céramique, la faïencerie obtient le marché pour la décoration des stations du métro parisien au début des années 1900 (célèbre carrelage biseauté « Métro », le plus souvent de couleur blanche).

Tout au long du XXe siècle, l’activité va décroître de façon régulière, notamment dans les années d’entre-deux guerres.

La manufacture connaît de graves difficultés financières au début des années 1980 mais parvient à préserver aujourd’hui une production contemporaine ainsi que des rééditions de modèles historiques de la faïencerie.

Dans la première moitié du XIXe siècle, la faïencerie de Gien est renommée pour l’édition de séries d’assiettes dites « parlantes ». Chaque série illustre un sujet particulier et les six assiettes contemporaines que nous présentons ici s’inscrivent dans cette lignée historique de la faïencerie avec une référence aux fables de Jean de La Fontaine (1621-1695), célèbre fabuliste et poète du XVIIe siècle.

Le cachet « Gien France – Musée de la faïencerie de Gien » atteste de l’origine de nos assiettes, mises très probablement en vente à la boutique de la faïencerie, accessible à la sortie du Musée, qui depuis 1985, présente des collections de céramiques avec des modèles datant du début du XIXe siècle jusqu’à nos jours.

Au-delà de leur valeur patrimoniale et esthétique, notre série complète d’assiettes répondra aux attentes d’un collectionneur, mais elle pourra également être utilisée lors d’un service de desserts en étant une réelle référence à l’histoire des productions de la faïencerie de Gien. 

Jean de La Fontaine (1621-1695)

Homme de Lettres français, Jean de La Fontaine est reconnu comme le plus grand poète, conteur et fabuliste moraliste du XVIIe siècle, admis à l’Académie française en 1684.

Sa renommée est principalement liée à l’écriture de fables, qu’il écrit en s’inspirant d’Esope, fabuliste de l’Antiquité grecque (VIIe – Vie siècle avant Jésus-Christ).

Ce sont ainsi plus de 200 fables qui seront publiées en plusieurs recueils, des années 1760 jusqu’à la fin du XVIIe siècle. Le poète y décrit principalement la nature humaine, en s’intéressant aux rapports de pouvoir, tout en gardant la volonté d’instruire le lecteur, et ce de façon ludique.

Dans ce but, les premières fables étaient destinées au fils aîné du roi Louis XIV, dit « le Dauphin » (1661-1711).

Les fables suivantes s’adressaient plus largement à la société de l’époque, et pour certaines d’entre elles, plus particulièrement à Madame de Montespan (1640-1707), favorite du Roi Louis XIV pendant les années 1670 et mécène de Jean de La Fontaine.

« Bouquet de fleurs »

Huile au couteau, sur panneau, encadrée

Représente un bouquet de fleurs dans un pichet

Signé « Patricia M » en bas à droite

Etiquette anglaise d’encadrement

Epoque Milieu XXe siècle

Dimensions : 29 x 39 cm (panneau) / 38 x 48 cm (avec cadre)

Prix de vente : 20,00 €

Nos recherches n’ont pas permis d’identifier précisément l’artiste qui signe ses œuvres du nom de « Patricia M ». En revanche, l’étiquette d’encadrement présente au dos du tableau pourrait laisser penser qu’elle est de nationalité anglaise.

La spécificité de l’œuvre réalisée sur panneau réside dans les ajouts de peinture au couteau, avec d’importants empâtements accentuant le relief des pétales des fleurs.

Par la finesse de ses traits et sa richesse de couleurs, notre tableau d’époque probablement milieu du XXe siècle, pourra participer pleinement à une décoration d’intérieur.

« L’apôtre Saint-Pierre »

Sculpture en bronze, à patine foncée

Représentation de l’apôtre Saint-Pierre, assis, tenant un livre et une paire de clés

Signé « J. Gout » sur le pied du tabouret

Epoque 2nde moitié du XIXe siècle

Dimensions: base 32 x 10 cm / hauteur 28 cm 

Prix de vente : 85,00 €

Datant probablement de la seconde moitié du XIXe siècle, notre statue en bronze patiné représente un homme barbu, assis sur un tabouret bas. La main droite posée sur un livre, il tient dans sa main gauche une paire de clés.

Ces différents éléments de sculpture nous permettent de considérer que ce personnage est une représqentation de l’apôtre Saint-Pierre.

Il est aujoud’hui admis que Pierre serait né au début du 1^er siècle avant Jésus-Christ et qu’il serait décédé vers le milieu du 1^er siècle après Jésus-Christ. Prénommé Simon, il est été appelé Pierre par Jésus-Christ et fait partie des douze apôtres. Le Christ lui confie la mission d’être le fondateur de l’Eglise catholique avec cette parole présente dans l’évangile selon Saint-Matthieu:  » Et moi, je te dis que tu es Pierre, et que sur cette pierre je bâtirai mon Église ».

A la mort du Christ, Pierre prend la parole au nom des autres apôtres et porte la parole du Christ dans plusieurs pays. L’évangile de Saint-Pierre, moins connu que les quatre autres évangiles canoniques (évangiles selon St-Marc, Saint-Matthieu, Saint-Jean et Saint-Luc), est réputé comme étant celui qui décrit plus particulièrement la Passion du Christ et sa résurrection.

Présenté comme le premier pape de la chrétienté, Saint-Pierre est le détenteur de deux clés,  lui permettant de « lier et délier » sur terre (clé en argent) et dans les cieux (clé en or). Ces deux clés, qui lui auraient été confiées par le Christ, lui donne ainsi le pouvoir de maintenir « lié et délié » dans les cieux ce qui a été « lié et délié » sur terre.

Les deux clés sont devenues le symbole de la papauté et figurent sur les armoieries du Saint-Siège et du Vatican. Il est à noter qu’aujourd’hui il est considéré que la tombe de Saint-Pierre se serait trouvée dans une ancienne nécropole mise à jour lors de fouilles sous la basilique Saint-Pierre de Rome.

Notre sculpture est donc caractéristique de l’apôtre Saint-Pierrre, ce qui est confirmé par la présence du livre qui symbolise l’évangile et la paire de clés tenue dans la main gauche du personnage. Une réelle force émane de l’ensemble du groupe sculpté, confortée par la majesté de la posture et la noblesse du visage de l’apôtre. 

Très probablement destiné à l’ornementetation d’une pendule du XIXe siècle, la sculpture porte la signature en cursives « J. Gout » sur l’un des pieds du tabouret bas sur lequel l’apôtre est assis.

Elle peut faire référence au sculpteur bronzier Jean Gout, dont plusieurs œuvres attestent de son activité au XIXe siècle. Nos recherches ne nous ont cependant pas permis de lui attribuer cette sculpture avec certitude.

Jean Gout est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Coupe « Cristal de Sèvres »

Coupe de présentation, de forme effilée

Cristal translucide de Sèvres

Porte le cachet « Sèvres France » sous la base

Epoque XXe siècle

                                Dimensions: longueur 34 cm / largeur 17 cm

Prix de vente : 20,00 €

Il est communément admis que l’histoire du cristal de Sèvres remonte au milieu du XVIIIe siècle, sous le règne de Louis XV. C’est à cette époque que la Marquise de Pompadour (1721-1764) obtient, par « Privilège du Roi », l’autorisation de création d’une Manufacture pour la fabrication d’objets en verre à Sèvres, en région parisienne. Son but est de concurrencer la verrerie italienne en produisant des verres de haute qualité.

Au fil des années, la Manufacture Royale de Sèvres va acquérir une renommée internationale européenne, ce qui va l’amener à présenter ses productions prestigieuses à l’Exposition Universelle de Paris en 1878.

Le XXe siècle perpétue le lien étroit entre le cristal de Sèvres et la culture « à la française », notamment dans les Arts de la Table. Aujourd’hui, le cachet Sèvres France reste le garant d’une production de cristal de haute qualité et d’une très grande finesse.

Notre coupe, en cristal de Sèvres, s’inscrit dans un style résolument moderne, avec sa ligne très épurée et effilée. Porteuse du cachet « Sèvres France » sous sa base, elle est un témoignage de qualité de la production française de cristal.

Particulièrement élégante par sa finesse et sa pureté cristalline, cette coupe apportera une note à la fois moderne et classique à la décoration d’une table de fête.

Coffret à bijoux

Coffret en laiton repoussé

Décor en relief de putti

Poinçon sous la base du coffret

Intérieur recouvert de feutrine rouge

  Dimensions: 12 x 9,5 cm / Hauteur: 5 cm

Prix de vente : 30,00 €

Le coffret présenté ici se caractérise par la richesse de son décor à l’antique, représentant des putti sur chaque face du coffret.

Le « putto » est un personnage inspiré de la Grèce antique, puis de l’art romain. Il a ensuite été repris au XVe siècle en Italie.  Elément essentiel de l’ornementation architecturale italienne, il représente un angelot nu et ailé, puis évolue vers un nourrisson joufflu, quasiment toujours de sexe masculin.

Les monuments de la renaissance italienne ont particulièrement mis en valeur les « putti » et ces derniers sont cités comme étant caractéristiques de l’art baroque sicilien.

Notre coffret est en laiton repoussé, technique d’orfévrerie consistant à travailler à froid et à l’envers une fine plaque de métal afin de faire ressortir un ornement particulier.

Il est à habillé à l’intérieur de feutrine rouge, ce qui en fait un parfait écrin à bijoux. 

Jean-Claude Barthel (1955)

« Kerguelen »

Acrylique sur toile, encadrée

Représentation abstraite de l’île de Kerguelen

Signé en bas à droite

Titré, daté « 2006 » et contresigné au dos

Dimensions : 55 x 46 cm (toile) / 68 x 49 cm (avec cadre)

Prix de vente : 35,00 €

L’art abstrait a pour volonté d’explorer les formes et les couleurs, en transfigurant le réel. Très présent dans le monde de l’art contemporain, il est particulièrement appécié pour sa mise en valeur des émotions tout en s’affranchissant du réalisme du thème traité. L’approche fréquemment minimaliste des œuvres renforce le jeu des couleurs utilisées par l’artiste.

Artiste peintre français, Jean-Claude Barthel s’inscrit totalement dans ce mouvement de l’art abstrait, avec ses représentations d’environnements naturels et fragiles, aux lignes très épurées et aux couleurs accentuant toujours les reliefs et les mouvements.

 Titré « Kerguelen » et daté « 2006 », notre tableau est un réel témoignage de l’œuvre de Jean-Claude Barthel par son évocation abstraite de l’île de Kerguelen, s’appuyant sur une finesse du trait et sur une rélle luminosité qui exalte les couleurs posées sur la toile.

Petite île inhabitée se situant au milieu de la Loire (commune d’Ancenis-Saint-Géréon en Loire-Atlantique), Kerguelen est riche d’un habitat naturel typique des prairies humides. Plusieurs actions de préservation de la biodiversité y sont menées par le Conservatoire des espaces naturels des Pays de Loire. 

« Dans les fougères »

Jean-Pierre Blaess (?-2017)

Huile sur toile, encadrée

Représente un sous-bois automnal

Signé en bas à droite

Contresigné, titré et daté « 94 » au dos

Dimensions : Toile 55 x 46 cm / avec cadre 68 x 59 cm

Prix de vente : 30,00 €

Issu d’une famille de peintres, Jean-Pierre Blaess est un artiste local à l’origine de la création à la fin des années 90 de l’Ecole des Bords de Marne dans le département du Val-de-Marne.

Reconnu par ses réalisations de paysages extérieurs dans un style rappelant la peinture impressionniste, il expose régulièrement ses œuvres en Ile-de-France.

C’est au début des années 2000 que Jean-Pierre Blaess vient se fixer dans le Nord du Médoc, à Soulac-sur-Mer.

Fidèle à ses envies de partage de la peinture en plein air, il est à l’origine de la création de l’Association « Médoc en Peinture », toujours existante aujourd’hui. Accompagné de ses amis artistes, il a présenté régulièrement ses œuvres dans diverses expositions locales.

Avec ses rehauts de peinture, notre tableau s’inscrit pleinement dans le style impressionniste de Jean-Pierre Blaess. La richesse des tonalités et les touches de couleurs déposées par l’artiste confèrent à l’œuvre une réelle profondeur.

Teppanom musicien thaïlandais

Statue thaïlandaise en bronze, à patine noire et or

Représente un Teppanom assis, jouant du luth

Ecole thaïlandaise du milieu du XXe siècle

Hauteur: 26 cm

Prix de vente : 70,00 €

Dans la culture Thaïlandaise, le terme Teppanom, ou Thepphanom, fait référence à un ange, protecteur et gardien du temple. Associé étroitement à la religion bouddhiste, le Teppanom est venu sur terre quand Bouddha a atteint l’Illumination. Il est devenu ainsi son protecteur avant d’être ensuite le gardien des temples religieux.

Parfois en position agenouillée, le Teppanom est également représenté en position assise comme le montre notre statue. Le personnage est richement décoré, orné de bijoux et de vêtements de couleur or.

Porteur d’une coiffe traditionnelle cérémoniale, notre musicien est joueur d’un luth à trois cordes, à long manche, appelé « sanxian ». Originaire d’Asie, cet instrument s’est propagé dans tout l’Extrême-Orient, pour accompagner de musiques traditionnelles des spectacles de théâtre classique.

Symbole de bienvenue et de respect des traditions, notre statuette incitera à la quiétude et à la méditation dans un intérieur empreint de calme et de sérénité.

Bouddha « Rieur »

Statue en bois verni

Représente le Bouddha « Rieur »

Hauteur: 12 cm

Prix de vente : 5,00 €

Le titre de bouddha désigne une personne qui atteint le Nirvana, notamment par sa sagesse.

Le bouddha peut être qualifié de différents qualificatifs tels que « Bienheureux » et faire référence à plusieurs personnes.

Chaque position du bouddha a sa symbolique. Il peut être en méditation, assis en position du lotus, les yeux fermés, la main droite posée sur sa main gauche (position appelée « Dhyani mudra »).

Quand il est en position couchée sur le côté, cela rappelle les derniers instants de sa vie sur terre, avant d’atteindre le « Nirvana final ». Il est toujours allongé sur le flanc droit, parfois avec la tête posée sur un coussin, mais le plus souvent, il s’appuie sur son coude droit avec sa main soutenant sa tête. Le bouddha couché se rencontre particulièrement en Thaïlande où le temple de Wat Pho lui est dédié.

Il peut également être assis sur le corps d’un serpent à plusieurs têtes, réparties de part et d’autre de la figurine. La légende veut que cet animal mythique, appelé « Mucalinda », aurait protégé le bouddha pendant une tempête.

Notre statue représente le Bouddha Rieur, toujours incarné sous la forme d’un homme souriant, bedonnant et chauve arborant un sourire jovial, évoquant le Bouddha à la fin de sa vie. Il symbolise l’accueil, l’abondance, le bonheur et le bien-être.

Forte de sa symbolique positive, notre statue participera ainsi pleinement à l’harmonie et au bien-être d’une décoration d’intérieur.

« Diane chasseresse »

Statuette en biscuit de porcelaine, sur socle

Représente la Déesse Diane, armée de son arc

Epoque XXe siècle

Hauteur: 17.5 cm

Prix de vente : 20,00 €

En biscuit blanc de porcelaine, notre statuette représente la Déesse Diane, assise et armée de son arc.

Fille de Jupiter et de Latone (respectivement Zeus et Leto dans la mythologie grecque), sœur jumelle d’Apollon, Diane (Artémis dans la mythologie grecque), est traditionnellement associée à la lune, à la différence de son frère qui est associé au soleil. D’un caractère volontaire et farouche, elle est la déesse de la chasse et de la nature.

S’inscrivant dans un style très antique, notre Déesse Diane est représentée nue, les cheveux noués en arrière, le visage légèrement de profil.

Le biscuit de porcelaine est obtenu par cuisson à haute température de porcelaine blanche naturelle, sans émaillage et sans décor de couleurs. Son usage est fréquemment utilisé dans la création de statuettes décoratives, comme dans le cas de notre « Diane Chasseresse ».

« Couple galant à la joueuse de viole »

Groupe en porcelaine émaillée et dorée

Représente une scène musicale galante, à la joueuse de viole

Cachet sous la base

Style « Porcelaine de Saxe »

Epoque Début XXe siècle

Dimensions: base 22 x 17 cm / hauteur 19 cm

Prix de vente : 20,00 €

Porteur d’un cachet sous sa base, notre groupe en porcelaine représente une scène musicale galante, animée de deux personnages formant un couple uni. L’homme écoute sa compagne qui joue de la viole. La note romantique de l’œuvre est accentuée par le décor à la colonne tronquée et la présence d’un petit chien au milieu d’un parterre de fleurs.

Fréquemment associée aux fêtes champêtres du XVIIIe siècle, la scène galante s’illustre par des personnages d’époque représentés au milieu de la nature et s’adonnant à des jeux de séduction.

Avec ses ornementations dorées sur le pourtour de sa base, notre sculpture s’inscrit pleinement dans le style des porcelaines de Saxe par la finesse de représentation des personnages et la richesse des couleurs émaillées.

« Bouddha assis »

Statuette asiatique, en bronze patiné

Figurine représentant un bouddha assis

Probablement Ecole thaïlandaise ou birmane

Epoque Fin XIXe siècle

Hauteur: 20 cm 

Prix de vente : 30,00 €

Probablement d’origine d’Asie du Sud-Est, thaïlandaise ou birmane, notre statuette représente un bouddha, les yeux mi-clos, assis en position du lotus, la main droite effleurant le sol et la main gauche tournée vers le ciel.

La symbolique des statues de Bouddha repose sur deux principes majeurs : la position du personnage et les gestes des mains.

Par exemple, la position couchée sur le côté du bouddha rappelle les derniers instants de sa vie sur terre avant qu’il n’atteigne le « nirvana final ».

La position du lotus, comme celle de notre statuette, symbolise pleinement la méditation et la contemplation.

Les gestes des mains, appelés « Mudras », sont toujours en lien avec la méditation et permettent de préciser les pensées spirituelles bouddhistes associées.

L’un des plus fréquents gestes représentés sur les statues est appelé « Bhumisparha ». Il est caractérisé par les doigts de la main droite qui effleurent le sol, symbolique de la prise à témoin de la terre pour prouver la réussite du chemin spirituel aboutissant à l’éveil de la connaissance et à l’illumination.

C’est le geste le plus fortement synonyme de la détermination, de la victoire sur l’ignorance et sur les forces obscures. Il est également significatif de la grandeur de la pratique spirituelle.

La base de notre statuette est ornée d’un bandeau à double décor symétrique inséré entre deux rangées de perles. Ajoutant à l’originalité de la sculpture, au dos du bandeau figure un texte gravé en écriture asiatique, possiblement extrait d’un rituel de consécration.

En bronze patiné, notre bouddha sera synonyme de sérénité dans la décoration d’un intérieur placé sous le signe du bien-être et de l’harmonie.

Bas-relief ancien

« Déesse asiatique »

Bas-relief en terre cuite ancienne, à patine foncée

Représente probablement une déesse asiatique

Dimensions: 23 x 28 cm / épaisseur 6 cm 

Prix de vente : 50,00 €

En terre cuite à patine foncée, notre bas-relief est probablement très ancien.

Possiblement d’origine asiatique, indienne, voire thaïlandaise, il représente une déesse entourée de divers personnages, au sein d’un décor floral.

Sculpture avec une réelle rareté, notre bas-relief apportera une note très originale dans une ornementation faisant référence à la symbolique sacrée.

« Le Discobole »

Bas-relief, en pierre reconstituée

Représente l’athlète antique grec, nommé « Le Discobole »

Porte un cachet au dos « Ergani Athena Greece »

Bas-relief Fait Main (cachet « Hand Made » au dos)

Epoque Milieu XXe siècle

Dimensions: 27 x 37 cm / épaisseur 8 cm 

Prix de vente : 20,00 € 

Représentant un homme nu se préparant à lancer un disque, le discobole est l’une des plus célèbres statues d’athlète de l’Antiquité, s’inscrivant pleinement dans le style classique grec antique.

Attribuée à Myron, sculpteur athénien du Ve siècle av. J.-C., la statue originelle, probablement en bronze, n’a jamais été retrouvée. Mais une description précise réalisée au IIIe siècle a permis de faire plusieurs copies à l’époque romaine. La plus célèbre d’entre elles a été retrouvée à Rome à la fin du XVIIIe siècle.

Dès sa création, le discobole a symbolisé l’apport du sport dans l’éducation des jeunes hommes dans la Grèce antique, pays à l’origine de la création des premiers Jeux Olympiques.

A l’initiative du Français Pierre de Coubertin (1863-1937), les premiers jeux de l’ère moderne ont lieu à Athènes en avril 1896. Le discobole devient à nouveau le symbole de ces jeux dits « modernes » et il est régulièrement présent au XXe siècle, par exemple sur l’affiche des Jeux de Londres en 1948.

Dans un passé plus récent, il orne la pièce grecque de deux euros, commémorant les Jeux d’Athènes de 2004. On le retrouve également sur les affiches officielles des Jeux « Paris 2024 ».

 Notre bas-relief porte au dos un cachet circulaire, avec les inscriptions en relief « Ergani Athena Greece – Copy – Hand Made ».

Pot à anse « Le Renoleau »

Petit pot, en céramique émaillée

Décor de fleurs sur le pourtour du pot

Faïencerie d’Art d’Angoulême

Signature sous la base « Faïencerie d’Art d’Angoulême – Le Renoleau »

Dimensions: diamètre 10 cm / hauteur 11 cm

Prix de vente : 5,00 €

Créée en 1891 par le céramiste Alfred Renoleau (1854-1930), la faïencerie d’Art d’Angoulême est restée active jusqu’en 2017.

Caractéristique des dernières productions de la faïencerie, le petit pot à anse que nous présentons se distingue par son décor fleuri sur fond blanc.

Sabots anciens d’enfants

Paire de sabots anciens pour enfants, à semelles en bois et cloutées

Habillement en cuir d’origine, avec décors géométriques

Montage ancien

Probablement Epoque Fin XIXe siècle

Dimensions: longueur semelles 15 cm / largeur semelles 5.5 cm

Prix de vente : 5,00 € 

Notre paire de sabots est un réel témoignage du chaussage d’un enfant à la fin du XIXe siècle.

Habillé de leur cuir et leurs lacets d’origine, ils présentent des semelles en bois avec leurs clous également d’origine. Une ornementation du dessus des sabots est réalisée à base de motifs géométriques marqués sur le cuir.

La rareté de cette paire de sabots et leur très bon état de conservation malgré leur ancienneté amèneront une originalité certaine et une touche très vintage dans une décoration d’intérieur.

Horloge de bureau

Petite horloge en cristal

Etiquette « Marquis Waterford Crystal »

Production  » Made in Germany »

Dimensions: 11.5 x 7 cm

Prix de vente : 10,00 € 

Depuis la fin du XVIIIe siècle, la ville de Waterford, port fluvial du sud de l’Irlande et capitale du Comté de Waterford, est réputée pour sa production d’objets en cristal.

Le XIXe siècle marquera l’âge d’or du cristal de Waterford qui acquiert alors une renommée internationale, avec par exemple la production de services de verres en cristal, notamment le modèle historique appelé « Lismore » reconnu pour sa finesse et son élégance.

Le milieu du XIXe siècle verra l’interruption de la fabrication du cristal, mais les activités reprendront au milieu du XXe siècle. Depuis cette époque, de nombreux artisans perpétuent la tradition cristallière de Waterford. L’histoire cristallière de la ville est d’ailleurs présentée dans la Maison du cristal, « The House of Waterford Crystal », où les visiteurs peuvent découvrir plusieurs collections d’objets.

De nos jours, la production de cristal existe toujours dans la ville de Waterford, mais elle s’est également développée dans plusieurs pays d’Europe, dont l’Allemagne, tout en gardant son appellation « Waterford Crystal ».

C’est le cas de notre petite horloge qui porte une étiquette « Marquis Waterford Crystal – Made in Germany ». Avec son décor épuré et sa brillance cristalline, elle est un témoignage de la qualité et de la finesse traditionnelle des objets en cristal issus du savoir-faire de la ville de Waterford.

Quelle que soit son utilisation, que ce soit en petite horloge de bureau ou en élément de vitrine, notre objet amènera une vraie note lumineuse dans la décoration d’un intérieur moderne.

Vase « Rouleau » aux oiseaux

Pot à pinceaux, de forme « Rouleau »

Céramique à décors polychromes d’oiseaux et de branches fleuries

Cachet asiatique sous le fond du vase

Epoque Début XXe siècle

Dimensions: hauteur 13 cm / diamètre 7.5 cm

Prix de vente : 10,00 €

Certainement destiné à contenir des pinceaux, notre vase « Rouleau » s’illsustre par son décor polychrome d’oiseaux et de branches fleuries.

Avec son origine asiatique établie par le cachet présent sous sa base, ce pot à pinceaux apportera une réelle note de douceur dans une ornementation intérieure.

Aiguière en faïence de Desvres

Imposante aiguière à anse au dragon, au bélier et au faune

Faïence à émaux polychromes de Desvres

Signature de François Fourmaintraux-Courquin sous la base

Epoque Fin XIXe siècle (années 1875 à 1900)

Hauteur: 49 cm

Prix de vente : 100,00 €

La ville de Desvres dans le Pas-de-Calais est renommée pour ses faïenceries, et plus particulièrement depuis le milieu du XVIIIe siècle avec la création de la première faïencerie.

C’est au début du XIXe siècle que François-Joseph Fourmaintraux crée sa propre manufacture et c’est une véritable dynastie familiale qui va permettre de maintenir l’activité sur plusieurs générations jusqu’au début des années 1980.

Malgré plusieurs associations entre différents repreneurs, les années 2000 marqueront la disparition des manufactures historiques de la famille Fourmaintraux.

Aujourd’hui, la production faïencière est maintenue par des artisans locaux et deux musées perpétuent l’histoire de la faïence de Desvres.

Le Musée de la Céramique de Desvres présente à ses visiteurs une exposition permanente sur la fabrication de la faïence sur plus de 300 ans, du XVIIe siècle à nos jours.

Quant au Musée « A la belle époque de la Faïence de Desvres », il s’est installé dans l’ancienne usine de Gabriel Fourmaintraux où plusieurs collections de faïences sont montrées au public.

Objet de toilette, mais aussi de décoration, une aiguière est habituellement un vase très élégant doté d’une large anse et d’un bec effilé, pouvant contenir une boisson pour les repas ou de l’eau pour la toilette.

L’aiguière que nous présentons ici porte sous sa base une signature que nous pouvons attribuer au céramiste François Fourmaintraux-Courquin, actif à Desvres entre les années 1875 et 1900 et renommé pour ses productions de faïences artistiques richement décorées et très colorées.

Notre aiguière s’inscrit parfaitement dans ce genre de faïences avec son décor japonisant aux dragons. Plusieurs autres ornementations, telles que le faune, le bélier et les armoieries à la fleur de lys, font également référence aux décors plus traditionnels de Desvres à la fin du XIXe siècle.

Par ses dimensions imposantes, notre aiguière pourra devenir un élément central d’une décoration d’intérieur, en amenant une nuance typique des faïences à émaux polychromes de Desvres de la fin du XIXe siècle.

André-Charles Nauleau

(1908-1986)

« Moulin du bocage – Bournezeau »

Huile sur toile, encadrée

Représente un moulin situé à Bournezeau, dans le bocage vendéen

Signé en bas à droite et titré au dos

Etiquette et Numéro d’exposition au dos

Cadre ancien, en bois, dans le style « Montparnasse »

Epoque Mileu des années 1970

Dimensions : 55 x 46 cm (toile) / 72 x 63 cm (avec cadre)

Prix de vente : 60,00 €

Artiste français né en 1908 et décédé en 1986, André-Charles Nauleau a passé sa vie à la Roche-sur-Yon, ville du département de la Vendée. Avec ses œuvres très influencées par la campagne vendéenne, il participe dès la fin des années 1940 à plusieurs expositions et salons tel que le Salon National des beaux-Arts.

C’est à partir des années 1960 qu’André-Charles Nauleau acquiert une réelle renommée, avec des  tableaux faisant preuve d’une vraie plénitude, et ce jusque ses dernières réalisations dans les années 1980.

Le bocage vendéen, avec ses marais, ses fermes et ses moulins reste pour l’artiste une source inépuisable d’inspiration.

D’après le titre indiqué au dos de la toile, nous pouvons affirmer que notre tableau est caractéristique de l’œuvre d’André-Charles Nauleau, avec la représentation d’un moulin du bocage, situé à Bournezeau, commune vendéenne d’environ 4000 habitants. Il est probable que le moulin peint par l’artiste est celui qui est présent à l’entrée de cette commune, réputée pour ses moulins dès le XIXe siècle.

Avec son cadre d’époque en bois de style « Montparnasse », notre tableau a probablement fait l’objet d’une exposition au milieu des années 1970, ce qui est confirmé par le numéro et l’étiquette d’exposition présents au dos de la toile. L’étiquette retrace l’historique des Salons, des expositions et des prix reçus par Andre-Charles Nauleau jusqu’en 1973.

André-Charles Nauleau est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Nécessaire de toilette 3 pièces « Moustiers »

Ensemble de toilette, composé d’une vasque, d’un broc et d’une boîte à savonettes

Faïence blanche de Moustiers-Sainte-Marie

Production artisanale de la Maison Lallier

Signatures sous chaque pièce

Epoque 2nde moitié du XXe siècle

Dimensions: Vasque (diamètre : 39 cm / hauteur: 10 cm ) – Broc (hauteur: 28 cm) – Boîte à savonettes (diamètre: 10 cm / hauteur avec couvercle: 9 cm)

Prix de vente : 20,00 €

Dès le Moyen-âge, Moustiers-Saintes-Marie (aujourd’hui dans les Alpes de Haute-Provence) est réputée pour ses poteries et le développement des activités du village va s’accentuer au XVIIIe siècle avec l’essor de la faïence en France. Plus d’une dizaine d’ateliers faïenciers sont alors actifs dans le village et à l’origine de de la fabrication d’objets de décoration ou dédiés au service de la table.

C’est à cette même époque que certains de ces ateliers vont se spécialiser dans la faïence blanche, emblématique des productions de Moustiers-Saintes-Marie.

Le début du XIXe siècle sera synonyme de déclin d’activité qui aboutira au milieu de ce même siècle à la fermeture totale des ateliers faïenciers.

Il faut attendre la fin des années 1920 pour voir renaître quelques faïenceries à Moustiers-Sainte-Marie. A la même époque sera créé le Musée de la faïence, qui continue de nos jours à présenter ses collections au public. Il est ainsi possible de découvrir l’histoire de la ville étroitement associée à la création de faïences depuis plusieurs siècles.

Même si le XXe siècle s’est accompagné de nouveau par un déclin d’activité, plusieurs artisans sont aujourd’hui toujours actifs et contribuent à perpétuer l’histoire faïencière de Moustiers-Sainte-Marie, commune labellisée « Villes et Métiers d’Art ».

Le service de toilette que nous présentons est fait-main et se constitue classiquement d’une vasque et d’un broc en faïence blanche. Son originalité est qu’il est accompagné de sa boîte à savonnettes, de forme circulaire et avec son couvercle.

Sur chaque pièce figure la signature « Lallier à Moustiers ». Cet atelier familial, renommé dans la France entière pour la qualité de ses créations, a été actif pendant une cinquantaine d’années à Moustiers-Sainte-Marie, de 1969 à 2019.

Baguier « Lalique »

Baguier à décor d’un oiseau

Cristal moulé pressé, en partie satiné

Signé en creux « Lalique France »

Dimensions: hauteur 5 cm / diamètre 9.5 cm

Prix de vente : 55,00 € 

En cristal moulé pressé, notre baguier, à décor d’un oiseau, porte la signature gravée en creux « Lalique France ».

Cette signature fait référence aux créations de la Maison Lalique après l’année 1945. A noter que la signature en creux « R. Lalique » concerne les objets produits avant 1945, sous l’égide de René-Jules Lalique (1860-1945), Maître joaillier et verrier, originaire de la région Champagne et fondateur de la Maison Lalique.

Ses créations de bijoux lui procurent une réputation internationale, confirmée par ses participations à plusieurs expositions de renommée mondiale, notamment à l’Exposition universelle de Paris en 1900. Cela l’amènera à être retenu dans les grands projets des années 1930, telle que la décoration des salles à manger du paquebot « Normandie » en 1935.

L’une des étapes importantes l’activité de René-Jules Lalique est marquée par la création en 1922 de la Verrerie d’Alsace à Wingen-sur-Morder dans le département du Bas-Rhin, verrerie toujours active aujourd’hui, après avoir célébré ses cent ans d’existence en 2022.

Après le décès de René-Jules Lalique en 1945, son fils Marc Lalique (1900-1977) prend la direction de l’entreprise familiale et fera entrer la Maison Lalique dans l’ère du cristal, en la positionnant parmi les plus grandes cristalleries de renommée internationale.

La signature esthétique de la cristallerie Lalique est alors caractérisée par l’alliance systématique du cristal satiné et du cristal transparent pour la fabrication d’un même objet.

Portant la signature « Lalique France », notre baguier, avec son mariage de cristal satiné et de cristal transparent, s’inscrit donc totalement dans les créations de la cristallerie Lalique.

Cache-pot ancien à deux anses

Cache-pot en cuivre ancien martelé

Deux anses en laiton

Style Vintage

Epoque XIXe siècle

  hauteur 10 cm / diamètre 15 cm

Prix de vente : 8,00 € 

Notre cache-pot en cuivre martelé est ancien et probablement d’époque XIXe siècle. Il possède deux anses en laiton, ce qui lui confère un style très Vintage.

L’ancienneté et l’aspect martelé de notre cache-pot lui permettront de s’intégrer parfaitement dans un intérieur moderne ou de style plus traditionnel.

« Port de pêche en Bretagne »

Huile sur toile, encadrée

Représente une vue d’un port de pêche breton, animée de personnages

Ecole française classique XIXe siècle

Trace de signature, en bas à gauche

Cadre d’époque en bois doré à décor de feuillages et de médaillons

Epoque Début XIXe siècle

Dimensions : toile 65 x 50 cm / avec cadre 83 x 67 cm 

Prix de vente : 200,00 €

Dans le plus pur style de l’Ecole Française classique du XIXe siècle, notre tableau représente un port de pêche animé du début du XIXe siècle. Le port est très probablement situé en Bretagne au vu des vêtements portés par les personnages féminins.

La toile porte une trace de signature en bas à gauche, peu lisible. Suite à nos recherches, le tableau pourrait être attribué à Charles Goureau, peintre français actif au début du XIXe siècle. Ceci reste cependant à confirmer car peu d’informations sont disponibles sur cet artiste qui aurait exposé quelques œuvres dans différents salons artistiques du début du XIXe siècle.

Avec son cadre d’époque en bois doré agrémenté de médaillons, notre tableau est un véritable témoignage de l’Ecole Française classique du début du XIXe siècle. Il s’inscrit pleinement dans le style de cette école, alliant la tourmente d’un ciel chargé de nuages à la finesse des personnages représentés.

« Bords de quai »

Jean-Pierre Blaess (?-2017)

Huile sur toile, encadrée

Représente un bord de quai, proche d’un pont

Situé probablement en bord de Marne, dans le Val de Marne

Signé en bas à droite

Daté « 92 » pour l’année 1992

Dimensions : Toile 46 x 38 cm / avec cadre 59 x 51 cm

Prix de vente : 20,00 €

Issu d’une famille de peintres, Jean-Pierre Blaess est un artiste local à l’origine de la création à la fin des années 90 de l’Ecole des Bords de Marne dans le département du Val-de-Marne.

Reconnu par ses réalisations de paysages extérieurs dans un style rappelant la peinture impressionniste, il expose régulièrement ses œuvres en Ile-de-France.

C’est au début des années 2000 que Jean-Pierre Blaess vient se fixer dans le Nord du Médoc, à Soulac-sur-Mer.

Fidèle à ses envies de partage de la peinture en plein air, il est à l’origine de la création de l’Association « Médoc en Peinture », toujours existante aujourd’hui. Accompagné de ses amis artistes, il a présenté régulièrement ses œuvres dans diverses expositions locales.

Concernant notre tableau qui s’inscrit pleinement dans le style de Jean-Pierre Blaess, nous pouvons supposer qu’il représente un bord de Marne, au vu de la date figurant en bas de l’œuvre (1992). 

« Gerbe fleurie »

Peinture sur tôle, encadrée

Représente une gerbe de fleurs

Signée en bas à gauche

Cadre en bois doré, à ouverture ovale, à décor de feuilles et de rinceaux

Epoque Début XXe siècle

Dimensions : Tôle 16 x 48 cm (à vue) / avec cadre 29.5 x 63 cm

Prix de vente : 60,00 €

L’originalité de notre tableau réside dans l’utilisation d’une tôle comme support de la gerbe de fleurs représentée par l’artiste. La signature de ce dernier est présente en bas à gauche, mais nos recherches n’ont pas permis de l’identifier avec certitude.

Il est à noter que cet artiste se caractérise par la finesse du dessin des fleurs et des feuilles, associée parfaitement à une palette de couleurs particulièrement variée, ce qui confère à l’œuvre une réelle profondeur.

D’époque probablement début XXe siècle, le cadre en bois doré se caractérise par son ouverture de forme ovale, cernée d’un riche décor sculpté de feuilles et de rinceaux.

« Homme à la moustache »

Huile sur toile, encadrée

Représente le visage d’un homme portant une moustache

Signé en haut à gauche

Cadre en bois doré

Epoque Fin XIXe siècle Début XXe siècle

Dimensions : toile 46 x 55 cm / avec cadre 55 x 64 cm 

Prix de vente : 50,00 €

Probablement d’époque Fin XIXe siècle Début XXe siècle, notre huile sur toile représente un homme d’âge mûr, portant une moustache. L’encadrement en bois doré est certainement plus tardif, de la première moitié du XXe siècle.

L’originalité de notre tableau réside dans l’autorité naturelle qui émane du portrait, accentuée par le regard du personnage.

L’œuvre est signée en haut à gauche, mais nos recherches ne nous ont pas permis d’identifier l’artiste qui a réalisé ce portrait.

« Homme à la barbe blanche »

Huile sur carton, encadrée

Représente le visage d’un homme âgé

Signé en bas à droite et daté « 49 » pour 1949

Cadre Fin XIXe siècle, en bois doré, de style Régence, à décor de coquilles et d’entrelacements de branches

Dimensions : carton 33 x 43 cm / avec cadre 53 x 63 cm 

Prix de vente : 90,00 €

Représentant le portait d’un homme âgé et datée en bas à droite « 49 » pour 1949, notre huile sur carton est signée mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier avec certitude l’artiste qui a réalisé ce portrait.

La particularité de notre tableau est la qualité de son encadrement en bois doré, probablement d’époque XIXe siècle. La richesse des ornements présents, associant coquilles, feuilles d’acanthes et entrelacements de branches, l’inscrit dans un style « Régence » s’inspirant de décors de l’époque Louis XIV.

« Le philosophe grec »

Sculpture en bronze, à patine brune

Représentation d’un homme barbu assis, tenant un parchemin roulé dans la main droite

Signé « moreau » sur le pied du tabouret, probablement pour Auguste Moreau (1834-1917)

Epoque Seconde moitié du XXe siècle

Dimensions:  base 32 x 10 cm / hauteur 28 cm

Prix de vente : 140,00 €

Datant de la seconde moitié du XIXe siècle, notre statue en bronze à patine brune représente un homme barbu « à l’antique », assis sur un tabouret bas. Tenant un parchemin roulé dans la main droite, il est totalement à l’image d’un philosophe grec, en pleine réflexion et méditation.

Une réelle sérénité émane de la finesse du visage du personnage. Associée à la qualité du mouvement du drapé réalisé par le sculpteur, l’ensemble de l’œuvre est empreint d’une sagesse qui impose instinctivement un authentique respect.

Très probablement promis à l’ornementetation d’une pendule du XIXe siècle, la sculpture porte la signature « moreau »sur l’un des pieds du tabouret bas sur lequel l’homme est assis.

Véritable lignée de sculpteurs français, les membres de la famille Moreau sont actifs et reconnus dans l’univers de la sculpture en bronze, dès le début du XXe siècle jusqu’aux premières décennies du XXe siècle.

Si nous prenons comme référence les œuvres réalisées par les différents membres de la famille Moreau et s’inscrivant dans un style « à l’antique », nous pouvons probablement associer notre statue au sculpteur Auguste Moreau (1834-1917), fils de Jean-Baptiste Moreau, dit « Moreau Père » (1797-1855) et frère de Mathurin Moreau (1822-1912) et d’Hippolyte Moreau (1832-1927).

« Le Char de la Déesse Aurore »

Statue en régule, à patine Médaille 

Représente la déesse Aurore, sur son char

D’après l’œuvre réalisée à la fin du XIXe siècle par Auguste Moreau (1834-1917)

Epoque Fin XIXe siècle Début XXe siècle

Hauteur 58 cm

Prix de vente : 85,00 €

Fidèle au bronze «Le lever de l’Aurore» réalisé à la fin du XIXe siècle par le sculpteur Auguste Moreau (1834-1917), notre statue en régule représente la Déesse Aurore sur son char, conduit par un angelot ailé et tiré par deux oiseaux.

Comme son nom l’indique, Aurore est la déesse de l’Aurore dans la mythologie romaine. Fille des Titans Hypérion et Théia et appelée Eos dans la mythologie grecque, elle est la sœur d’Hélios, le dieu du soleil et de Séléné, la déesse de la lune.

Très fréquemment représentée avec un grand voile sur un char, elle ouvre les portes du jour chaque matin et accompagne son frère Hélios jusque la tombée du jour.

Notre statue s’inscrit totalement dans la représentation de la Déesse Aurore sur son char, avec la présence de son voile. Dotée d’une très belle patine Médaille, elle est remarquable par la richesse de ses détails et la finesse des visages des personnages.

Emile Breysse (1880-1965)

« Gorges de la Sioule dans l’Allier »

Huile sur panneau, encadrée

Représente les gorges de la Sioule dans l’Allier

Signé en bas à gauche

Cadre ancien en bois, dit « Montparnasse », à patine claire

Epoque Années 1920-1930

Dimensions : 63 x 52.5 cm (panneau, à vue) / 84 x 73 cm (avec cadre)

Prix de vente : 100,00 €

Peu de renseignements bibliographiques sont disponibles sur l’artiste français Emile Breysse qui possédait un atelier dans la ville de Vichy (département de l’Allier). En revanche, plusieurs de ses œuvres montrent des paysages de la région Auvergne. Bords de rivières, forêts et paysages de montagnes de l’Allier sont à l’origine de sa forte notoriété locale vichyssoise, notamment dans les années de l’Entre-deux-guerres.

Notre tableau s’inscrit totalement dans les œuvres et le style d’Emile Breysse, avec la représentation des gorges de la Sioule dans l’Allier. Rivière française d’environ 150 kilomètres de long et affluent de l’Allier, la Sioule s’écoule dans les départements du Puy-de-Dôme et de l’Allier. Le pont en avant-plan de l’œuvre est caractéristique des ponts anciens des gorges de la Sioule, tel que le pont de Menat, petite commune du Puy-de-Dôme traversée par la Sioule.

La particularité du tableau réside également dans son encadrement en bois dit « Montparnasse ».

Ces cadres tiennent leur nom du célèbre quartier parisien, devenu un haut-lieu artistique au début du XXe siècle. Leurs caractéristiques permettent de les identifier aisément, avec un bois sculpté dans la masse, agrémenté d’une patine claire.

Cette patine claire met parfaitement en valeur les couleurs plus affirmées de l’œuvre d’Emile Breysse, un artiste dont le style n’est pas sans rappeler celui de l’école impressionniste, notamment dans la représentation des reliefs montagneux.

Emile Breysse est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art. 

« L’adoration des Mages »

Retable à double volets

Lithographies anciennes polychromes, représentant « L’adoration des Mages »

D’après Hans Memling (entre 1425 et 1440- 1494)

Bois noirci et doré

Epoque Fin XIXe siècle

Dimensions: 32 x 31 cm (retable fermé) / 57 x 31 cm (retable ouvert)

Prix de vente : 75,00 € 

Composé de cinq lithographies anciennes polychromes identiques à l’original de Hans Memling, artiste allemand réputé pour la réalisation de tableaux de style flamand (né entre 1425 et 1440, décédé en 1494), notre retable à double volets, en bois noirci et doré, est intitulé « L’adoration des mages ». Ce retable est également appelé « tryptique du Prado », du nom du Musée espagnol de Madrid où l’œuvre originale est conservée depuis le milieu du XIXe siècle. Achevé en 1479, ce tryptique avait été commandé à Hans Memling en 1470 par le frère hospitalier Jan Floreins.

La face intérieure du volet de gauche, le panneau central et la face intérieure du volet droit représentent respectivement la nativité, l’adoration des mages et la présentation au temple.

La scène de nativité montre au premier-plan la vierge Marie et l’enfant Jésus, accompagné de deux anges. Saint-joseph est quant à lui positionné en arrière-plan.

La représentation de l’adoration des mages présente les trois rois mages entourant la Vierge Marie qui porte l’enfant Jésus sur ses genoux. Deux autres personnages assistent également à la scène. A gauche, le Roi Gaspard a un genou à terre tandis qu’à droite, le Roi Melchior, le plus âgé des rois mages, est agenouillé devant l’enfant Jésus. Le Roi Balthazar, de couleur noire, est représenté debout sur la gauche du tableau. Le centre du tableau permet de distinguer au loin les remparts d’une ville.

La présentation au temple évoque les cinq personnes traditionnelles de cette scène, à savoir la vierge Marie, Saint-Joseph, l’enfant Jésus, Syméon (ou Simon) et la prophétesse Anne. Ces deux derniers personnages sont ceux qui annoncent que Jésus sera le Messie.

Les faces extérieures des volets gauche et droit montrent respectivement, au centre de portails donnant sur la nature, Saint-Jean-Baptiste, protecteur des bergers, et Sainte Véronique avec le voile qui lui a permis d’essuyer le visage du Christ portant la croix.

La parfaite conservation des lithographies polychromes de notre retable lui confère une réelle rareté et font de lui un véritable témoignage de la peinture religieuse flamande du XVe siècle.

« Marie-Antoinette, Reine de France (1755-1793)

Buste en biscuit de Sèvres, dit « de Wengmüller »

Représente la Reine Marie-Antoinette, drapée et coiffée d’un diadème à la fleur de lys

Repose sur un piédouche en porcelaine, de couleur « Bleu de Sèvres », avec liserés d’or

Daté 1870

Cartouche au nom de la Reine, avec liseré d’or

Cachet en creux « Sèvres » au dos du buste

Cachets de Sèvres sous la base, « S70 » et « N70 Doré à Sèvres pour l’année 1870

Hauteur 31 cm

Prix de vente : 145,00 €

D’après le sculpteur français Louis-Simon BOIZOT (1743-1809), notre buste représente la Reine Marie-Antoinette, portant un diadème à la fleur de lys ainsi qu’un collier de pierres précieuses parant la chevelure. Le buste repose sur un piédouche en porcelaine, de couleur «Bleu de Sèvres». Le prénom «Marie-Antoinette» est inscrit en lettres d’or sur un cartouche rectangulaire, entouré d’un liseré d’or.

L’Histoire nous permet de retrouver les traces d’une rencontre en 1774 à la Manufacture de Sèvres, entre la Reine et Louis-Simon Boizet, qui à cette époque dirige les ateliers de sculpture de la manufacture. Un modèle de buste, validé par la Reine, sera ainsi à l’origine de plusieurs bustes de différentes tailles en biscuit de porcelaine. Quelques-uns de ces bustes sont toujours présents au Musée de Sèvres ainsi qu’au Château de Versailles, notamment au Petit Trianon.

D’après les cachets présents sous la base, nous pouvons certifier que notre buste est d’époque 2^nd Empire et date plus précisément de l’année 1870. Il est le témoin historique du regain d’intérêt pour la Reine Marie-Antoinette pendant le 2^nd Empire, particulièrement sous l’impulsion de l’Impératrice Eugénie (1826-1920).

Marie-Antoinette de Habsbourg (1755-1793)

Archiduchesse d’Autriche, fille de l’Impératrice Marie-Thérèse d’Autriche (1717-1780) et de L’Empereur François 1^er (1708-1765), Marie-Antoinette Josèphe Jeanne de Habsbourg-Lorraine est née en 1755 à Vienne. Epouse du Roi Louis XVI à l’âge de 14 ans en 1770, elle est la dernière Reine de l’Ancien Régime, Reine de France et de Navarre de 1774 à 1791, puis Reine des Français de 1791 à 1792. Elle sera la mère de 4 enfants, le 3^ième étant le dauphin Louis-Charles né en 1785.

Suite aux rivalités entre la France et la Cour d’Autriche, son image auprès des Français se dégrade continuellement, notamment en 1791 après la tentative de fuite et son arrestation à Varenne. Emprisonnée à la prison du Temple à Paris, son procès s’ouvre en octobre 1793 et elle est guillotinée le 16 octobre 1793 sur la Place de la Révolution à Paris (actuelle Place de la Concorde). C’est sur cette même place que son mari, le Roi Louis XVI avait été guillotiné le 21 janvier 1793.

Aujourd’hui encore, l’image de Marie-Antoinette reste très liée au Château de Versailles, notamment par sa passion pour les Arts et les artistes, telle que la peintre Elisabeth Vigée Le Brun (1755-1842), sa portraitiste officielle.

Son nom est particulièrement associé au Petit Trianon et au Hameau de la Reine, qu’elle a totalement créé dans le Parc du Château de Versailles.

Manufacture de Sèvres

Issue de la Manufacture de Vincennes créée en 1740 et transférée à Sèvres en 1756, la Manufacture de Sèvres est rattachée à la Royauté en 1759 et prend alors le nom de «Manufacture Royale». Après la découverte du kaolin en 1765, elle commence à produire fin 1773 des pièces en porcelaine dure pour concurrencer les productions allemandes de la ville de Meissen. Cette époque verra également l’apparition du «Bleu de Sèvres», couleur bleue intense à base d’oxyde de cobalt et caractéristique des porcelaines de Sèvres.

C’est au XIXe siècle que la manufacture acquiert sa renommée internationale sous l’impulsion en 1800 de son nouveau Directeur Alexandre Brongniart (1770-1847). Scientifique français, Alexandre Brongniart est réputé pour ses travaux de minéralogie et participe à la création de la cartographie géologique moderne. Après de nombreux voyages scientifiques à l’étranger, il se passionne pour la chimie et va réaliser en 1790 un mémoire sur l’émaillage. Suite à la publication de ce dernier, il est nommé Directeur de la Manufacture de Sèvres en 1800, poste qu’il conservera jusqu’à sa mort en 1847. Il laissera en héritage pour la postérité le perfectionnement de la peinture sur verre et la parution du traité des arts céramiques en 1844 qui dresse le bilan des recherches qu’il a menées sur la céramique. Il est également à l’origine de la création du Musée de Céramique de Sèvres.

Suite à l’important développement de ses activités, la manufacture est amenée à se déplacer en 1876 dans de nouveaux locaux près du Parc de St-Cloud, bâtiments qu’elle occupe toujours aujourd’hui.

Depuis 2010, elle porte le nom «Sèvres Manufacture et Musées nationaux», suite au regroupement de la manufacture avec le Musée national de la céramique. Elle continue à perpétuer un artisanat haut-de-gamme en s’appuyant sur ses traditions datant de près de trois siècles et sur une recherche continue dans le domaine de la céramique. Plusieurs milliers de pièces continuent à être produites chaque année.

Le Musée permet aujourd’hui à ses visiteurs d’admirer une collection de plus de 50000 pièces et de s’initier aux process de fabrication de la manufacture en participant par exemple à des ateliers de modelage.

Cheval de course à l’arrêt

Statue en bronze, à patine médaille 

Représente un cheval de course à l’arrêt

Statue d’époque XXe siècle

Dimensions: hauteur 25 cm / longueur 23 cm 

Prix de vente : 85,00 €

Avec une patine médaille, notre statue en bronze représente un cheval de course à l’arrêt, tête levée.

La finesse de l’animal est particulièrement présente et illustre parfaitement l’arrêt marqué par le cheval.

Notre statue pourra répondre aux attentes des amateurs de sculptures animalières, et plus spécifiquement aux passionnés de chevaux de course.

« Danseuse sur pointe »

Sculpture en acier patiné

Représente une danseuse sur pointe

Socle en marbre veiné

Epoque Art Déco

Années 1910-1930

Dimensions: hauteur statue 39 cm / hauteur totale 50 cm 

Prix de vente : 80,00 €

D’époque Art Déco, notre statue en acier patiné représente une danseuse sur pointe, sur un socle en marbre.

Alliage majoritairement de fer associé à du carbone, l’acier a commencé à être utilisé pour les sculptures dès le début du XXe siècle avec l’essor de la révolution industrielle.

Il accompagne donc le style « Art Déco » qui apparaît notamment après l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels qui s’est tenue à Paris en 1925.  Dans les « années folles » de l’entre-deux guerres, l’Art Déco se caractérise alors par une volonté de modernité tout en créant un style épuré qui va chercher parfois son inspiration dans les œuvres antiques.

Avec une coiffure des années 1920, typique de l’Art Déco, notre danseuse est représentée avec une grande finesse, notamment le drapé du vêtement qu’elle porte. Elle n’est pas sans rappeler les célèbres sculptures de femmes réalisées dans le style Art Déco par le sculpteur français Louis Octave Maxime Le Verrier, plus communément appelé Max Le Verrier (1891-1973) et par Claire Colinet, sculptrice belge bruxelloise (1880-1950), avec leurs œuvres inspirées de l’univers du spectacle et de la danse.

La statue est remarquable par sa finesse et le mouvement donné qui confère une élégance majestueuse à notre danseuse sur pointe.

Portrait d’enfant

Photographie d’un enfant, retouchée au crayon

Dessin de costume ajouté à la photographie

Signé « Hebert » et situé à Bois-Colombes (92)

Cadre ovale ancien, en bois et stuc doré

Décor aux guirlandes de feuilles de lauriers, de fleurs et frise de perles

Cadre Style Barbizon

Cadre Epoque XIXe siècle

Dimensions : 40 x 30 cm (à vue) / 60 x 50 cm (avec cadre)

Prix de vente : 150,00 €

Deux caractéristiques conférent une réelle originalité et rareté à l’encadrement que nous présentons ici.

La première réside dans la représentation d’un enfant de six ans associant photographie et dessin. La chevelure de l’enfant est retouchée à l’aide de traits très fins de crayon qui rehaussent l’ensemble du visage. Il en est de même pour le costume de l’enfant. A noter que ses chaussures sont totalement dessinées.

Le portrait, signé « Hebert » pour le nom du photographe, a été réalisé à « Bois-Colombes » (indiqué en bas à droite) en région parisienne. 

La technique utilisée « photographie – dessin » et le style de l’ensemble sont probablement du début du XXe siècle, ce qui est conforté par l’utilisation d’un riche cadre en bois et stuc doré d’époque XIXe siècle.

Le décor de feuilles de lauriers et de fleurs, associé à une frise perlée, ainsi que le mode de montage du cadre, nous permettent d’estimer qu’il est effectivement d’époque XIXe siècle, proche du style de Barbizon.

La seconde caractéristique de notre encadrement réside dans sa forme ovale. Ces formes de cadres sont plutôt rares aujourd’hui mais elles étaient très usitées au XVIIIe siècle, notamment pour la mise en valeur de portraits peints. Leur ornement est souvent très riche, le plus souvent inspiré de guirlandes végétales qui mettent en valeur le thème représenté.

L’essor de la photographie à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle a fait perdurer l’usage des cadres ovales pour mettre en valeur les sujets photographiés, notamment pour les portraits d’enfants. Le début du XXe siècle a également été marqué par la technique de retouche ou de compléments des photographies à l’aide de traits de crayons

Notre encadrement s’inscrit donc totalement dans cet usage et devient ainsi un réel témoignage historique, à la fois du XVIIIe siècle par la qualité de l’encadrement, et du début du XXe siècle, par le mode de représentation de l’enfant.

« Jeune femme nue »

Statue en bronze

Représente une jeune femme nue et assise, bras derrière le dos

Bronze moderne

Epoque XXe siècle

Dimensions: base 17.5 x 8.5 cm / hauteur 19 cm 

Prix de vente : 90,00 €

En bronze, notre statue représente une jeune femme nue et assise, les bras derrière le dos.

La sculpture est signée sur la base, mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier avec certitude le sculpteur à l’origine de l’œuvre.

L’artiste a su conférer une vraie sérénité au personnage, ce qui permettra à notre statue d’apporter une note calme et apaisante dans la décoration d’un intérieur moderne.

« Jeune femme nue »

Statue en bronze doré

Représente une jeune femme nue et assise, mains dans les cheveux

Bronze moderne

Epoque XXe siècle

Dimensions: base 14 x 19 cm / hauteur 26.5 cm 

Prix de vente : 100,00 €

En bronze doré, notre statue représente une jeune femme nue et assise, les mains dans les cheveux.

L’artiste a su conférer un réel mouvement à l’ensemble de son œuvre, notamment par le geste des mains qui étire la chevelure dans un drapé aérien et léger.

Par l’éclat du bronze doré, notre statue amènera une note lumineuse dans la décoration d’un intérieur moderne fin XXe siècle.

Jean-François Joseph Rosset,

dit Rosset Père (1706-1786)

Buste en bronze, sur piédouche en bronze

Base en marbre vert veiné

Représente Jacques Bossuet, Evêque de Meaux (1627-1704)

Signé en creux sur le côté « Rosset Père à St-Claude »

Daté en creux sur le côté « 1770 »

Epoque 2nde moitié du XVIIIe siècle

Dimensions: hauteur 25 cm / 21 x 12 cm (base)

Prix de vente : 100,00 €

D’après le sculpteur français Jean François Joseph Rosset, dit Rosset Père, notre buste représente Jacques Bénigne Bossuet (1627-1704), à l’époque où il était évêque de Meaux.

Réalisé en bronze sur une base en marbre veiné vert, la sculpture est remarquable par sa finesse conférant ainsi une réelle sérénité au visage sculpté.

Jean François Joseph Rosset, dit Rosset Père (1706-1786)

Issu d’une famille historique de sculpteurs présente du XVIe au XIXe siècle dans la ville de Saint-Claude (département du Jura), formé par son père Jacques Antoine Rosset (1168-1726), Jean François Joseph Rosset, dit Rosset Père perpétue les activités familiales et les développe régulièrement tout au long de sa vie. Cela va conférer une réelle renommée aux œuvres créées, notamment dans le domaine religieux au milieu du XVIIIe siècle.

A la fin de ce même siècle, Jean-François Joseph Rosset réoriente une partie de l’activité de son atelier vers la réalisation de bustes de personnages célèbres, principalement des philosophes du siècle des Lumières, le plus réputé étant une représentation de l’écrivain Voltaire.

Véritable Maître-sculpteur du XVIIIe siècle, il partage ensuite son savoir-faire avec ses fils, et plus particulièrement avec Jacques Joseph Rosset (1741-1826) qui succède à son père à la tête de l’atelier familial.

Aujourd’hui, les œuvres de Jean François Joseph Rosset sont présentes dans de nombreux musées internationaux et nationaux tels que le Louvre à Paris.

Jean François Joseph Rosset est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Jacques Bénigne Bossuet (1627-1704)

Homme d’église, philosophe et théologien, Jacques Bénigne Bossuet est surtout connu en tant qu’évêque de Meaux, époque où il est surnommé « l’aigle de Meaux » par Voltaire (1694-1778).

Issu d’une famille de magistrats de Dijon et destiné à la vie ecclésiastique, il commence son instruction chez les jésuites de Dijon puis part étudier à Paris jusqu’à l’obtention de son titre de Docteur en théologie, ce qui l’amène à être ordonné prêtre en 1652. Régulièrement présent à la cour du Roi Louis XIV à Versailles, il devient précepteur du Dauphin en 1670.

Membre de l’Académie française en 1671, il est nommé évêque de Meaux 10 ans plus tard et le restera jusqu’à sa mort en 1704.

Célèbre en tant qu’orateur, il est reconnu également en tant qu’écrivain de nombreux volumes philosophiques, tels que le Discours sur l’Histoire universelle en 1681 ou les oraisons funèbres de Marie-Thérèse d’Autriche en 1684.

Aujourd’hui, le Musée d’Art et d’Histoire de la ville de Meaux porte son nom.

« Le bouquet de pensées »

Huile sur panneau

Cadre doré époque XIX, de style Barbizon, à décor floral, 

de feuilles de lauriers et d’acanthes 

Dimensions : panneau 22 x 16 cm – Avec cadre : 41 x 35 cm

Prix de vente : 160,00 €

Dans le langage des fleurs, la pensée symbolise le souvenir.
Dans la mythologie grecque, la jeune Io, fille du roi d’Argos, fut l’amante de Zeus. Héra, épouse de Zeus, découvrit cette idylle et jura de se venger. Pour protéger Io, Zeus la changea en génisse et la déposa dans un champ de pensées pour qu’elle y passe le reste de son existence. La pensée est ainsi devenue le symbole de l’amour.
Aujourd’hui, la pensée reste associée aux sentiments amoureux, voire aux amours secrets.
On trouve des traces de culture de la pensée dès l’Antiquité, très souvent associée à la violette. La violette peut aussi s’appeler pensée, selon le positionnement de ses pétales.
Victor Cherbuliez (1829 – 1899), académicien et romancier français, nous a laissé cette citation en 1892 dans une œuvre intitulée « L’art et la nature :
« Dans le parfum d’une seule violette, on respire l’odeur et l’ivresse de plusieurs printemps. »
Remarquable par la qualité de son encadrement d’époque XIXe, le tableau présenté ici nous interpelle avec cette question : quel amour secret se cache derrière ce bouquet de pensées ?

Porte-courrier XIXe siècle

Porte-courrier ancien

Bronze à patine dorée

Décor feuillagé avec rosace centrale

Deux poignées latérales et trois compartiments

Chiffrage sur la face avant

Style Napoléon III

Epoque Fin XIXe

Base 28 x 15 cm / Hauteur 22 cm

Prix de vente : 85,00 € 

Notre porte-courrier, ancien et probablement d’époque fin XIXe siècle, s’inscrit dans le style Napoléon III.

Avec ses deux poignées latérales et ses trois compartiments, il présente un décor feuillagé, richement travaillé et rehaussé par une rosace centrale sur la paroi du dernier compartiment.

Son originalité réside dans son chiffrage sur sa face avant, en lettres striées et finement exécutées, ce qui lui confère une réelle rareté.

Très jolie pièce ancienne, ce porte-courrier apportera une touche finale à la décoration d’un bureau de style Second Empire. Il pourra apporter également une note traditionnelle à un intérieur contemporain.

Lampe Style Tiffany 

Pied en métal à patine Bronze

Abat-jour en vitrail, signé à l’intérieur

Style Art Nouveau

Epoque XXe siècle

Hauteur 57 cm / Diamètre abat-jour 44 cm

Prix de vente : 150,00 € 

A la fin du XIXe siècle, après avoir créé la société Louis Tiffany Company spécialisée dans les vitraux d’église, Louis Comfort Tiffany fonde la Tiffany Studios qui se fera connaître mondialement par la fabrication des lampes Tiffany.

Issue des techniques de vitraux, les abat-jours sont en verre, bordés de feuille de cuivre. Les premières lampes, qui apparaissent vers 1895 aux USA, sont créées par Clara Driscoll, artiste designer du verre et qui travailla pendant plus de 20 ans au sein de la Tiffany Studios. Un premier modèle est présenté à l’exposition universelle de Paris en 1899.

Dès leur origine, les lampes Tiffany ont pour but d’être à la fois décoratives et utiles pour un éclairage intérieur. Elles sont déclinées en plusieurs modèles : lampes de bureaux, de tables ou lampes de chevet, avec des pieds en bronze de style Art Nouveau. Plusieurs types d’abat-jour existaient avec différentes décorations, principalement des dessins géométriques ou des décors floraux.

Aujourd’hui, le style Tiffany est repris mondialement pour la réalisation de lampes décoratives.

Le modèle que nous présentons ici s’inscrit totalement dans ce style, avec un pied en métal patiné et un abat-jour Vitrail à motifs géométriques de différentes couleurs. L’abat-jour qui porte une signature sur sa partie intérieure inférieure, diffuse une lumière chaude qui participera pleinement à la quiétude et au bien-être d’un intérieur.

Louis Moreau (1855-1919)

   « Le défi »

Statue représentant un guerrier vêtu d’un pagne, tenant une épée dans la main droite

Régule à patine Médaille

Signée « Louis Moreau » sur la base, en lettres cursives

Œuvre exposée au Salon des Beaux-Arts de Paris en 1909

Epoque Début XXe

Hauteur: 55 cm 

Prix de vente : 85,00 € 

Notre sculpture en régule représente un guerrier en pagne, avec une parfaite patine de couleur Médaille, conférant à la statue un réel aspect Bronze.

Les informations dont nous disposons nous permettent d’affirmer que cette œuvre reposait initialement sur un socle en bois qui portait un cartel avec le tite « Le Défi » et l’’inscription suivante : « par Louis Moreau, Salon des Beaux-Arts de Paris 1909 ».

Il est à noter que l’artiste a su parfaitement mettre en relief la puissance et la force du guerrier, par la finesse et le détail de la musculature.

Louis Moreau (1855-1919)

Louis Moreau (1855 – 1919), fils d’Auguste Moreau (1834-1917) et neveu de Mathurin Moreau (1822-1912), est un sculpteur français qui s’inscrit dans la lignée de la famille Moreau. Formé par son père et son oncle, élève des Beaux-Arts de Paris, il acquiert rapidement une notoriété certaine pour ses œuvres s’inscrivant dans le style classique, avec de nombreuses références à l’Histoire Antique. Cela lui permettra d’exposer régulièrement au Salon des Artistes français entre la fin du XIXe siècle et le début du XXe siècle.

Remarquable par la finesse de ses détails et la perfection de sa patine, notre statue témoigne de l’excellence de la sculpture et des œuvres de Louis Moreau.

Louis Moreau est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Simone Bellin-Klément (XXe)

« Automne »

Huile sur toile

Représente une scène automnale, animée de deux personnages

Signée et datée « 1966 » en bas à droite

Titrée, signée et datée au dos par l’artiste

Titrée sur une étiquette d’exposition au Salon d’Hiver, avec l’adresse de l’artiste

Cadre d’époque, en bois sculpté et décor de coquilles

Dimensions : toile 46 x 55 cm / avec cadre 63 x 72 cm

Prix de vente : 90,00 €

Peu d’informations sont disponibles sur la biographie de l’artiste mais nos recherches ont permis d’attribuer notre tableau à Simone Bellin-Klément.

Notre tableau représente une scène automnale, animée de deux personnages féminins occupés à des travaux de jardinage. La luminosité du tableau est exceptionnelle, rehaussée par des touches de couleurs vives conférant au feuillage des arbres des teintes chaudes probablement dues à un soleil couchant qui illumine les murs de l’habitation.

Une particularité de notre tableau repose sur son étiquette d’exposition au Salon d’Hiver, qui mentionne l’adresse de l’artiste. Nos recherches ont permis de montrer que cette adresse figure régulièrement sur les œuvres de l’artiste, qu’elles soient signées «Simone Bellin» ou «Simone Bellin-Klément».

Il est à noter que plusieurs informations sont présentes au dos de la toile, l’artiste ayant apposé elle-même à l’encre noire sa signature et indiqué le titre et l’année du tableau.

Une étiquette ancienne mentionne également le nom de l’auteur et le titre « Automne », très joliment écrits à la plume.

Simone Bellin-Klément est une artiste cotée dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art. 

Gong au dragon tibétain 

Gong aux 5 cloches, en bronze et laiton ciselés

Potence à corps et tête de dragon tibétain

Maillet en bois

Epoque XXe siècle

Hauteur: 48 cm

Prix de vente : 120,00 € 

Le dragon dans la culture tibétaine est un symbole de paix, de sagesse et de prospérité.

Sa présence sur notre gong confère à notre objet une possibilité d’accompagnement à la méditation, renforcée par la pureté des sons différents de chacune des 5 cloches lorsqu’elles sont frappées par le maillet en bois accroché sur le côté de la potence.

Au-delà de cette dimension de recueillement, notre gong est un réel objet de décoration dont la rareté agrémentera un intérieur de façon insolite.

Claude Mourier ( né en 1930 )

« Honfleur, le vieux bassin: le port de pêche et la Lieutenance »

Huile sur toile, encadrée

Située « Honfleur » au dos

Signé au dos de la toile et en bas à gauche

Epoque Années 1970

Dimensions : toile 55 x 46 cm / avec cadre 70.5 x 62 cm

Prix de vente : 80,00 €

Claude Mourier (né en 1930)

Né en 1930 et originaire de la région Loire, Claude Mourier est un artiste peintre français associé à l’école postimpressionniste. La technique et la lumière de ses tableaux ne sont pas sans rappeler les œuvres des Maîtres de ce mouvement.

Claude Mourier est réputé pour ses réalisations de paysages, qu’ils soient urbains, campagnards ou maritimes et il réalise ses premières expositions dans les années 1960. C’est au début des années 1970 qu’il acquiert une renommée internationale qu’il a toujours aujourd’hui.

Plusieurs de ses toiles s’inspirent de la Normandie, plus particulièrement par la ville d’Honfleur, dans le département du Calvados.

Notre tableau s’inscrit donc totalement dans cette période d’activité de l’artiste, avec la représentation de bateaux de pêche dans le vieux bassin du port de Honfleur, situé au centre de la ville et créé à la fin du XVIIe siècle.

La place Hamelin est au centre du tableau et Le Quai des Passagers est visible sur la partie droite. Sur la partie gauche, se dresse la « Lieutenance », logis du Lieutenant du Roi au XVIIe siècle. En arrière-plan à droite, émerge le clocher de l’église Sainte-Catherine. Erigée pendant la seconde moitié du XVe siècle, l’église Sainte-Catherine se trouve derrière le vieux bassin. Classée « Monument historique » depuis 1879, elle reste aujourd’hui la plus grande église de France construite en bois.

Très prisé par les peintres, le vieux bassin a régulièrement été représenté par de nombreux artistes tels que Gustave Courbet ou Claude Monet. Avec ses touches de couleurs et de lumière, notre tableau n’est pas sans rappeler le style impressionniste et s’inscrit donc totalement dans la continuité de l’Ecole de Honfleur, regroupant au XIXe siècle des artistes à l’origine de ce mouvement.

« Bouddha Rieur »

Statue en bronze massif 

Représente le Bouddha Rieur, à la main droite levée

Hauteur: 23 cm 

Prix de vente : 80,00 €

Le titre de bouddha désigne une personne qui atteint le Nirvana, notamment par sa sagesse.

Le bouddha peut être qualifié de différents qualificatifs tels que « Bienheureux » et faire référence à plusieurs personnes.

Chaque position du bouddha a sa symbolique. Il peut être en méditation, assis en position du lotus, les yeux fermés, la main droite posée sur sa main gauche (position appelée « Dhyani mudra »).

Quand il est en position couchée sur le côté, cela rappelle les derniers instants de sa vie sur terre, avant d’atteindre le « Nirvana final ». Il est toujours allongé sur le flanc droit, parfois avec la tête posée sur un coussin, mais le plus souvent, il s’appuie sur son coude droit avec sa main soutenant sa tête. Le bouddha couché se rencontre particulièrement en Thaïlande où le temple de Wat Pho lui est dédié.

Il peut également être assis sur le corps d’un serpent à plusieurs têtes, réparties de part et d’autre de la figurine. La légende veut que cet animal mythique, appelé « Mucalinda », aurait protégé le bouddha pendant une tempête.

Notre statue représente le Bouddha Rieur, toujours incarné sous la forme d’un homme souriant, bedonnant et chauve arborant un sourire jovial, évoquant le Bouddha à la fin de sa vie. Il symbolise l’accueil, l’abondance, le bonheur et le bien-être.

Forte de sa symbolique positive, notre statue participera ainsi pleinement à l’harmonie et au bien-être d’une décoration d’intérieur.

Masque africain en bronze 

Masque africain à l’image d’un homme

Bronze à patine brune

Présence de scarifications stylisées sur le visage

Epoque XXe siècle

Dimensions: 20 x 30 x 13 cm

Prix de vente : 85,00 € 

 Notre masque en bronze, d’origine africaine, présente un visage très élégant, délicatement sculpté, avec des scarifications stylisées de part et d’autre du nez et de la bouche. La coiffure est finement exécutée et descend de part et d’autre du visage.

D’après nos recherches mais sans certitude avérée, ce masque pourrait être associé à ceux réalisés par la tribu des Baoulés, se rencontrant principalement au Centre et à l’Est de la Côte d’Ivoire. Il présente effectivement deux éléments caractéristiques des sculptures de cette tribu, d’une part un nez long et fin, et d’autre part des scarifications traditionnelles sur le visage. Ceci n’est pas sans rappeler les «masques-portraits» dits «ndoma».

Nos recherches ne nous ont pas permis de certifier précisément l’époque de réalisation de notre masque mais il pourrait dater du milieu du XXe siècle. Cependant, l’usure de la corde tressée entourant le masque sur sa partie arrière pourrait témoigner d’une époque antérieure.

Même s’ils sont fréquemment utilisés en objet de décoration, il ne faut pas oublier que les masques africains ont tous une signification fortement symbolique. C’est le cas de celui que nous présentons ici et qui amènera une véritable aura de mystère à tout style d’intérieur.

 » Chemin en bord de forêt »

Huile sur toile, encadrée

Tableau ancien représentant un chemin de campagne, animé d’un personnage

Signé « Bénin » en bas à droite

Ecole de Barbizon

Cadre d’époque en bois sculpté, à décor de feuilles de lauriers, de feuilles d’acanthes et de perles

Epoque 2nde moitié du XIXe siècle

Dimensions : toile 41 x 33 cm / avec cadre 57 x 49 cm

Prix de vente : 80,00 €

L’école de Barbizon désigne les peintres paysagistes du XIXe siècle, installés dans la région de Barbizon, commune française du département de Seine-et-Marne, en région Île-de-France. L’inspiration de ces peintres les amène à représenter de nombreuses scènes de plein air ou forestières, ces dernières étant fréquemment peintes en forêt de Fontainebleau.

Jean-François Millet (1814-1875) est l’un des peintres les plus réputés de l’Ecole de Barbizon, avec par exemple son tableau intitulé « Des Glaneuses » et réalisé en 1857. Il passera les dernières années de sa vie à Barbizon jusqu’à son décès en 1875.

Il est à noter que l’école de Barbizon est considérée comme ayant participé à l’émergence du courant impressionniste de la seconde moitié du XIXe siècle.

Créé en 1995, le Musée de l’école de Barbizon, installé dans l’auberge Ganne où ont séjourné de nombreux peintres, permet de présenter aujourd’hui aux visiteurs plusieurs tableaux caractéristiques de cette école. C’est dans ce même musée qu’il est possible de découvrir l’atelier du peintre Théodore Rousseau (1812-1867), avec une exposition d’œuvres de cet artiste, décédé à Barbizon en 1867, et qui a joué un rôle majeur dans le développement de cette commune.

Notre tableau ancien porte une signature « Bénin » mais à ce jour, nos recherches n’ont pas permis d’identifier l’artiste avec certitude. En revanche, il s’inscrit totalement dans les œuvres de l’école de Barbizon, avec la représentation d’un chemin de campagne en bordure de forêt.

Le cadre d’époque de ce tableau, en bois sculpté, est également caractéristique de l’époque Barbizon avec un décor de feuilles de lauriers et d’acanthes, associé à une frise intérieure de perles.

Ghanu Gantcheff ( ? – 1950)

« Danseuse nue »

Statue en terre cuite, représentant une danseuse nue 

Signée en creux par l’artiste « Gantcheff »

Cachet en creux « Terre cuite d’Art »

Cachet sous la terrasse « AEFD Made in France »

Art Déco des années 1920 -1930

Dimensions: base 48 x 11 cm / hauteur 23 cm 

Prix de vente : 145,00 €

Etude en terre cuite du sculpteur Ghanu Gantcheff ( ? – 1950), artiste d’origine bulgare de l’Ecole de Paris et très réputé pour ses sculptures en bronze, notre statuette est typique de l’époque Art Déco, entre les années 1920 et 1930. Elle est remarquable par sa finesse et le mouvement donné par l’artiste au corps de la danseuse.

La signature du sculpteur est inscrite en creux sur la terrasse, associée à une mention « Terre cuite d’Art ».

Notre statuette s’inscrit pleinement dans le style des célèbres sculptures de femmes réalisées dans le style Art Déco par le sculpteur français Louis Octave Maxime Le Verrier, plus communément appelé Max Le Verrier (1891-1973).

Pour rappel, l’appellation « Art Déco » apparaît notamment après l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels qui s’est tenue à Paris en 1925.  Dans les « années folles » de l’entre-deux guerres, l’Art Déco se caractérise alors par une volonté de modernité tout en créant un style épuré qui va chercher parfois son inspiration dans les œuvres antiques.

Ghanu Gantcheff est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Piédestal « Eléphant »

Important piédestal en forme d’éléphant 

Céramique avec décor japonais de style Satsuma

Epoque Milieu XXe siècle

Dimensions: base 42 x 25 cm / longueur  mi-hauteur 56 cm /  hauteur: 46 cm 

Prix de vente : 110,00 €

En forme d’éléphant, notre éléphant en céramique se caractérise par un riche décor japonais de style Satsuma, finement détaillé et à base d’émaux très colorés représentant des scènes de campagne animées de différents personnages, geishas et samouraïs. Il est à noter que la totalité de la surface de l’objet est décorée.

De grandes dimensions, idéal en tant que porte-plante ou piédestal d’intérieur, les ornements de notre éléphant en font un objet de décoration rare et particulièrement remarquable.

Boîte chinoise ancienne

à miroir intérieur

Décor au feuillage

Plaque circulaire de jade ajourée et sculptée en arabesques sur le couvercle

Incrustation de pierres rouges et vertes sur le pourtour du couvercle 

Miroir intérieur

Métal argenté 

Probablement d’époque Fin XIXe siècle Début XXe siècle

  Dimensions: diamètre 10 cm / hauteur 4 cm 

Prix de vente : 90,00 € 

 La boîte que nous présentons ici est ancienne et probablement d’origine chinoise de la fin du XIXe siècle ou du début du XXe siècle.

Elle est remarquable par la finesse de ses ciselures et la présence sur le couvercle de pierres de couleurs vertes et rouges en alternance.

La plaque circulaire de jade sur le dessus du couvercle, ajourée et sculptée en forme d’arabesques, est caractéristique des coffrets anciens chinois.

 En métal argenté, notre objet, avec son miroir intérieur, pourrait être une ancienne boîte à maquillage particulièrement rare et très originale.

« Jeune femme à l’antique »

Représentation d’une femme assise, tenant un poignard

Sculpture en bronze à patine brune

Signé sur la terrasse

Epoque 2nde moitié du XIXe siècle

Dimensions: base 25 x 14 cm / hauteur: 22.5 cm 

Prix de vente : 135,00 €

Notre statue en bronze à patine brune s’inscrit totalement dans les œuvres de style antique réalisées à la fin du XIXe siècle. Elle représente une jeune femme drapée assise, tenant un poignard dans la main droite. La lyre posée près de la même main peut être une référence à la poésie dramatique.

Pleinement dans le goût de l’œuvre réalisée par le sculpteur James Pradier (1792 – 1852) et représentant Sappho, la poétesse grecque de l’Antiquité, notre statue est un réel témoignage de l’art bronzier de la seconde moitié du XIXe siècle.

Une signature est présente sur la base de la sculpture mais nos recherches n’ont pas permis à ce jour d’identifier l’artiste avec certitude.

Assiettes « Nos Gloires militaires » 

Série complète de 12 assiettes à thème numérotées

Faïence polychrome Creil et Montereau, à marli doré

Signatures du graveur « LANTZ SC » sur certaines assiettes

Titre « Nos Gloires Militaires » au dos de chaque assiette

Cachet « Creil et Montereau » et Marque en creux au trèfle

Epoque fin XIXe siècle

  Diamètre de chaque assiette: 20.5 cm 

Prix de vente : 110,00 € 

Fondée en 1797, la manufacture de Creil s’est surtout développée au XIXe siècle. Quant à la manufacture de faïence fine de Montereau, elle a été créée en 1749 et prend le titre de « Manufacture de la Reine » en 1775.

Sous la raison sociale « Lebeuf, Millet et Cie » (cachet L.M. et Cie), les faïenceries « Creil et Montereau » sont créées en 1840 par la fusion des manufactures de Creil et de Montereau.

Le XIXe siècle, principalement dans sa seconde moitié, marque l’expansion des faïenceries qui vont remporter de nombreux prix et médailles aux expositions universelles.

Suite à un incendie, la manufacture de Creil est fermée en 1895 et son activité est reprise par la faïencerie de Montereau, tout en gardant le nom « Creil et Montereau » (cachet « CM » aux lettres entrelacées).

Hippolyte Boulenger (1863-1892) reprend la faïencerie en 1920 (cachet HBCM pour Hippolyte Boulenger – Creil et Montereau) mais cette dernière ferme définitivement ses portes en 1955.

Aujourd’hui, Le musée Gallé-Juillet de Creil présente plusieurs salles d’exposition dédiées à l’histoire de la faïencerie de Creil et plusieurs centaines de céramiques y sont exposées. A Montereau, le Musée municipal de la faïence dévoile une collection permanente de pièces couvrant deux siècles de production de la faïence de Montereau.

La série complète d’assiettes (n° 1 à 12) que nous présentons ici est caractéristique des assiettes parlantes de Creil et Montereau de la fin du XIXe siècle.

Dans la lignée des sujets patriotiques très en vogue à cette époque, nos assiettes nous montrent douze tableaux représentant les principaux personnages de l’histoire militaire française, de Vercingétorix à Alésia (assiette n°1) à l’Empereur Napoléon 1^er à Montereau (assiette n°12).

A noter que certaines d’entre elles portent la signature des graveurs à l’origine des décors, notamment celle du graveur Lantz.

Ancienne porte de tabernacle

Bois sculpté en bas-relief, cintré en partie haute

Plaque murale, en bronze

Représente le Christ ressuscité

Traces d’emplacement pour serrure et gonds

Epoque XVIIe siècle XVIIIe siècle

Dimensions:  hauteur 35 cm / largeur 16 cm 

Prix de vente : 100,00 €

Réalisé généralement en bois, en marbre ou en métal doré, le tabernacle est une petite armoire fermant à clef, présente dans les églises et les chapelles. Destinée à contenir le ciboire et les hosties consacrées, elle est le plus souvent placée au mileu de l’autel.

Dans l’histoire liturgique des Hébreux, le tabernacle représentait initialement le sanctuaire itinérant où se trouvait Dieu, le tabernacle originel désignant la tente qui abritait l’Arche d’Alliance dans laquelle le prophète Moïse avait déposé les tables de la Loi.

La porte de tabernacle que nous présentons ici est ancienne, probablement d’époque XVIIIe siècle, voire même XVIIe siècle. Elle est caractéristique des tabernacles anciens réalisés en bois et elle porte toujours les traces des emplacements pour la serrure et pour les gonds.

Ornée d’une sculpture en bas-relief du Christ ressuscité, notre porte de tabernacle est un authentique témoignage de l’histoire de la religion chrétienne.

« Moulin à eau en bord de rivière »

Huile sur toile, encadrée

Représente un moulin avec sa roue à eau, en bord de rivière

Cadre ancien, en bois doré, de style Louis XV

Signée « Y. Gallez » en bas à droite

Dimensions : toile 55 x 46 cm / avec cadre 72 x 63 cm

Prix de vente : 100,00 €

Nos recherches n’ont pas permis d’identifier l’artiste qui a signé ce tableau, qui nous amène au bord d’une rivière, surplombée par un moulin à eau, niché au cœur des arbres.

L’œuvre réalisée fait preuve d’une réelle richesse picturale, par son détail et par l’ensemble de ses couleurs printanières.

Son éclat est particulièrement rehaussé par un cadre en bois ancien doré, de style Louis XV, appelé « Rocaille » et qui se caractérise par un décor riche tout en volutes.

A pourtour perlé et à décor de feuilles et de fleurs se répétant aux angles et aux centres, notre cadre, avec sa couleur dorée et ses lignes courbes, met particulièrement en valeur notre paysage au moulin.

Sandrine Hesbé (1969)

« Jardin fleuri »

Huile sur toile, encadrée

Peinture au couteau représentant un jardin fleuri

Signée en bas à droite « HESBE »

Dimensions : toile 55 x 46 cm / avec cadre 71.5 x 62.5 cm

Prix de vente : 90,00 €

Sandrine Hesbé (1969)

Sandrine Hesbé, née en 1969 dans le Nord de la France, est une artiste peintre française qui s’est formée à la peinture à l’huile et au couteau auprès de son père, Roger BOLZONELLO (né en 1944). 

Installée depuis 1994 au village de Saint-Paul de Vence, elle commence à exposer ses œuvres dès 25 ans et participe ensuite à de nombreuses expositions, en France et à l’étranger, notamment aux Etats-Unis, en Europe et au Japon.

Aujourd’hui, Sandrine Hesbé continue à mettre son art hérité de l’impressionnisme au service de la représentation des paysages fleuris de la Provence, région à laquelle elle est particulièrement attachée.

Au cœur du village de Saint-Paul de Vence, la visite de l’atelier et de la Galerie Hesbé – Bolzonello permet de se plonger dans le monde de l’impressionnisme, avec des œuvres invitant à la détente et à la découverte des chemins fleuris de Provence.

Le tableau que nous présentons ici est caractéristique de l’œuvre de Sandrine Hesbé et nous emmène en promenade au milieu des fleurs de Provence.

Sandrine Hesbé est une artiste cotée dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Etienne Vilotte (1881 – 1957) 

« Sainte-Bernadette Enfant »

Vase en grès peint de Ciboure

Situé à Lourdes

Cachet VE CIBOURE (pour Etienne Vilotte)

  Hauteur: 10 cm 

Prix de vente : 85,00 € 

Etienne Vilotte (1881 – 1957)

Créée officiellement sur la côte basque en 1922 par Etienne Vilotte, la poterie de CIBOURE est réputée à ses débuts pour son style antique, associant l’Art Déco et la culture basque locale. Elle propose alors des objets décoratifs en grès, matériau très en vogue depuis la fin du XIXe siècle.

La poterie est rachetée par Rodolphe Fischer en 1945. Le cachet historique de la marque « VE CIBOURE » est alors remplacé par « RF CIBOURE ». L’activité se développe fortement, notamment avec les grands magasins parisiens.

Max Fischer, fils de Rodolphe Fischer, prendra ensuite la direction de la poterie at apposera alors son cachet « MF CIBOURE ».

La poterie Ciboure doit également sa réputation aux principaux décorateurs qui y ont été actifs, notamment Louis Floutier, des débuts de l’entreprise jusqu’en 1922. Après 1945, Marie Fernandez est présente de 1946 à 1952, Maurice David de 1948 à 1958 et Roger Berne, de 1951 à 1968.

Le vase que nous présentons, datant probablement de l’époque pendant laquelle Etienne Vilotte a dirigé l’entreprise, typique de la production CIBOURE, se caractérise par la représentation de Sainte-Bernadette enfant gardant ses moutons.

Etienne Vilotte est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.

Perroquet en cristal de Baccarat

Perroquet en cristal

Porte l’estampille Baccarat sous la base

Hauteur: 18 cm / Longueur: 23 cm

Prix de vente : 160,00 € 

Cristallerie mondialement connue, la société Baccarat est située en Lorraine, dans la commune de Baccarat (Meurthe-et-Moselle).

Ses origines remontent au XVIIIe siècle, avec la création en 1764 des Verreries de Ste-Anne qui deviendront rapidement connues en Europe. Après la révolution française, l’entreprise ferme ses portes au début du XIXe siècle, suite à de nombreuses difficultés financières.

Rachetée en 1816, la société prend le nom de Compagnie des Verreries et Cristalleries de Baccarat et sera reconnue pour la qualité de son cristal. De nombreuses médailles viendront récompenser la production de la cristallerie jusqu’au milieu du XIXe siècle, notamment la médaille d’honneur de l’exposition universelle de Paris en 1855.

Dès 1860, Baccarat identifie ses productions par une étiquette collée sur chaque pièce, puis par une estampille qui représente une carafe entourée d’un verre à pied et d’un gobelet. L’inscription Baccarat France complète cette estampille. La marque Baccarat est alors officiellement déposée.

A noter que depuis le milieu du XXe siècle, l’estampille est remplacée par une marque gravée sur l’objet.

Au début du XXe siècle, la réputation de l’entreprise s’accroît considérablement par la fabrication de flacons de parfums, notamment à destination de l’Asie. Cela permet également à Baccarat de se développer aux Etats-Unis dès les années 1950.

Dans les années 1990, Baccarat se diversifie dans la bijouterie, tout en maintenant la création de lustres qui reste emblématique de la production historique de la cristallerie.

Aujourd’hui, la cristallerie Baccarat reste internationalement connue pour ses légendaires collections de carafes ainsi que ses sculptures d’animaux et d’oiseaux en cristal.

S’inscrivant totalement dans cette évolution de la cristallerie, notre perroquet illustre parfaitement la diversification de Baccarat vers les sculptures d’animaux.

« Paysage de campagne »

Huile sur toile

Peinture au couteau

                           Signée « T. Gandola » en bas à droite

Certificat d’authenticité signé par l’artiste

Dimensions : 40 x 30 cm (toile) / 60 x 50 cm (avec cadre)

Prix de vente : 90,00 €

Réputé pour ses réalisations de tableaux classiques, T. Gandola est parmi les rares artistes italiens à réaliser ses œuvres au couteau ou à la spatule.

La polychromie et le clair-obscur de ses paysages confère une profondeur et un réel relief à ses œuvres.

Notre tableau, parfaitement encadré, est accompagné d’un certificat d’authenticité signé par l’artiste et émis par la Galerie d’Art Barj Buzzoni, qui transmet depuis 3 générations la tradition de la peinture italienne dans le monde entier.

Bouddha couché

Sculpture en bois doré 
Epoque début XXe

Inclusion de pierres et verres colorés

Longueur 90 cm / Hauteur : 28 cm

Prix de vente : 150,00 €

Le Bouddha couché, œuvre statutaire importante du Bouddhisme, symbolise le lit de mort de Bouddha et représente son entrée dans le Nirvana.

Il est toujours allongé sur le flanc droit, parfois avec la tête posée sur un coussin, mais le plus souvent, il s’appuie sur son coude droit avec sa main soutenant sa tête.

Le bouddha couché se rencontre particulièrement en Thaïlande et le temple de Wat Pho lui est dédié. Temple le plus ancien de Bangkok, il a été fondé au VIIe siècle. Quasiment entièrement reconstruit à la fin du XVIIIe siècle, il a été agrandi au milieu du XIXe siècle et de nouveau restauré en 1982.

Le temple est particulièrement renommé grâce à son bouddha allongé, mesurant 45 mètres de longueur et 15 mètres de hauteur. La statue, constituée de plâtre recouvert d’or, est abritée dans une chapelle qui lui est dédiée. Les pieds de la statue, chaussés de sandales sont incrustés de nacre représentant les 108 états de Bouddha.

La statue présentée ici, incrustée de pierre et de verres colorés, est une représentation fidèle du bouddha couché.

« Sources »

Statuette en grès vernissé, datée « 9-1943 »
Signée en creux avec cachet « C-Mio »

Titrée « Sources – esquisse d’essai »

Longueur : 12 cm

Prix de vente : 125,00 €

 Maurice Charpentier-Mio (1881 – 1976)

Maurice Charpentier-Mio est né le 1er octobre 1881.
La quasi-totalité de son œuvre a été consacrée à la représentation de la danse : croquis de gestes de danse, plaques de bronze représentant des ballets russes, sculptures représentant danseurs et danseuses.
En 2008, une partie des œuvres de Maurice Charpentier-Mio a été présentée dans l’exposition « Images de la danse » organisée par le musée de l’opéra de Paris.
Maurice Charpentier-Mio est décédé le 27 juin 1976.
L’originalité de la statuette présentée ici tient au fait qu’il s’agit probablement d’une esquisse d’œuvre en préparation au cours de l’année 1943. On y retrouve toute la grâce et la féminité des œuvres de Maurice Charpentier-Mio.

« Jean-qui-pleure et Jean-qui-rit »

Paire de bustes en bronze ciselé, à patine noire
Représente deux enfants, l’un qui pleure et l’autre qui rit

Socles en marbre

Hauteur : 21 cm

Prix de vente : 210,00 €

L’expression « Jean qui pleure et Jean qui rit » vient du poème « Jean qui pleure et qui rit », écrit au XVIIIe siècle par Voltaire (1694 – 1778).
Dans ce poème, Voltaire évoque la versatilité de l’être humain, capable de souffrir de dépression le matin et d’aller festoyer le soir.
Ce petit poème fut adressé à l’abbé de Voisenon, qui le fit imprimer en juillet 1772 dans le Mercure de France, revue française fondée en 1672.
La paire de bustes présentée ici, « Jean-qui-pleure et Jean-qui-rit », est remarquable par la qualité de sa patine.

« Modèle de mode »

Statuette en bronze, à patine noire
Représente une figurine de mode des années 50

Dans le style Art déco

Hauteur : 29 cm

Prix de vente : 150,00 €

Pour la présentation de certains de ses modèles, le monde de la mode s’est appuyé sur des figurines de mode permettant de présenter très concrètement les nouvelles créations. Au cours du temps, ces figurines ont été réalisées en pierre ou en bois. Beaucoup plus rarement, certaines d’entre elles ont été faites en bronze.

La statuette présentée ici, « Modèle de mode » en est un parfait exemple. 

L’élégance du mouvement donné au personnage est accentuée par la mise en valeur des accessoires, notamment le chapeau des années 50 porté par le modèle.

« Modèle de mode »

Statuette en bronze, à patine noire
Représente une figurine de mode des années 20

Dans le style Art déco

Hauteur : 29 cm

Prix de vente : 150,00 €

Pour la présentation de certains de ses modèles, le monde de la mode s’est appuyé sur des figurines de mode permettant de présenter très concrètement les nouvelles créations. Au cours du temps, ces figurines ont été réalisées en pierre ou en bois. Beaucoup plus rarement, certaines d’entre elles ont été faites en bronze.

C’est le cas de la statuette présentée ici, « Modèle de mode ». Figurine très rare, elle est remarquable par le mouvement donné au personnage.

L’élégance et l’impression de « vie » de la statuette sont accentuées par la mise en valeur des accessoires portés par le modèle.

Coupe « Longwy »

Coupe sur piedouche, à bord festonné 
Emaux de Longwy, Modèle « Chevreuse »

Décor émaux vert et or, sur fond vert, marli avec liseré doré 
Cachet sous la base, marqué « Décor de M.P. Chevallier »
Diamètre : 25 cm

Prix de vente : 95,00 €

Maurice Paul Chevallier (1892 – 1987)

La faïencerie de Longwy a été fondée en 1798. Elle va fortement prospérer pendant tout le XIXe siècle. Très marquée par le style Art déco au début des années 20, la production de la faïencerie verra sa renommée se développer fortement avec des participations régulières aux expositions, notamment à celle des Arts Décoratifs en 1925. A partir des années 30, l’activité de la faïencerie va décliner pour rependre après la seconde guerre mondiale, sous la direction artistique de Maurice Paul Chevalier.

Il y a peu d’informations disponibles sur ce décorateur.

Neveu de Raymond Chevallier (1900-1959), il est devenu directeur artistique des Faïenceries et Emaux de Longwy en 1931. Il devra sa réputation aux célèbres vases « boule » qu’il va créer. Les pièces majeures sont connues sous les noms de « Vase Boule Atlas » ou « Vase Boule coloniale ». C’est ce dernier modèle qui a été primé à l’Exposition Coloniale de 1931.

La coupe présentée ici est typique des décors réalisés par Maurice Paul Chevallier dans les années 30. Sa particularité essentielle réside dans l’utilisation de la couleur verte dominante, ce qui est rare dans les émaux de Longwy.

Maurice-Paul Chevallier est un artiste côté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.