Les Sculptures
VENDU
Cipriano Cipriani (XIXe-XXe)
« Buste de jeune femme »
Buste en albâtre
Représente le visage d’une jeune femme, coiffée d’un voile
Signature en cursives en creux « C. Cipriani » au dos
Base octogonale en marbre
Epoque Fin XIXe siècle Début XXe siècle
Dimensions: hauteur 30 cm / base 27.5 x 13 cm
Prix de vente : 120,00 €
Notre buste en albâtre représente avec une estrême finesse le visage d’une jeune femme aux cheveux bouclés, coiffée d’un voile. La sculpture repose sur une base en marbre hexagonale.
La douceur de l’ensemble de l’œuvre pourrait faire penser à la représentation du visage d’une Madone italienne, mais nos recherches ne nous ont pas permis de le confirmer avec certitude. En revanche, le buste s’inscrit pleinement dans un style « Renaissance italienne ».
La sculpture est signée en creux au dos en cursives « C. Cipriani », signature de l’artiste italien Cipriano Cipriani, actif de la fin du XIXe siècle au début du XXe siècle. Ce sculpteur est réputé pour ses œuvres toujours empreintes d’une réelle délicatesse et s’inscrivant dans l’art italien du début du XXe siècle.
La sérénité du visage de notre jeune femme et la transparence de l’albâtre face à un éclairage indirect apportera une réelle note de douceur dans une décoration intérieure.
Cipriano Cipriani est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
« Déesse à l’amphore »
Statue en biscuit de porcelaine
Représente une déesse à l’antique, portant une amphore
Epoque Début XXe siècle
Hauteur: 36.5 cm
Prix de vente : 25,00 €
Evocation du marbre blanc des sculptures antiques, le biscuit de porcelaine est obtenu par cuisson à haute température de porcelaine blanche naturelle, sans émaillage et sans décor de couleurs. Son usage est fréquemment utilisé dans la création de statues décoratives telle que celle que nous présentons ici.
Notre statue en biscuit s’inscrit totalement dans les œuvres de style antique réalisées au début du XXe siècle. Elle représente une jeune femme drapée, en position debout et tenant une amphore sur son épaule gauche. Le socle, également en biscuit, est intégré à la statue.
Apparue dans l’Antiquité, l’amphore était fréquemment utilisée pour transporter ou stocker des liquides, tels que le vin ou l’huile d’olive. Il en existait de différentes formes et de différentes tailles mais elles se présentaient très souvent en forme de jarre ovoïde à deux anses, reposant sur une pointe qui permettait probablement un rangement plus aisé. L’étanchéité était assurée par un revêtement interne de poix (colle à base de résines végétales ou de goudrons de bois) et un bouchon de liège recouvert d’argile.
A la base des échanges commerciaux maritimes en mer Méditerranée, l’amphore a été particulièrement utilisée sur les navire Phéniciens et Grecs au milieu du deuxième millénaire avant Jésus-Christ.
Le style antique de notre sculpture est souligné par le mode de coiffure du personnage, les cheveux en chignon et ornés d’un bandeau.
La finesse des plis du drapé et la douceur du visage féminin participent pleinement à l’impression de sérénité qui émane de la statue.
VENDU
« Sapho à la lyre »
Statue ancienne représentant la poétesse grecque Sapho
Epreuve en plâtre polychrome avec dorures
Cartel « Sapho » sur le devant de la terrasse
Numérotée 101 sur l’arrière de la terrasse
Style à l’Antique
Epoque « Année 1900 »
Hauteur 65 cm
Prix de vente : 110,00 €
Née sur l’île de Lesbos au VIIe siècle avant notre ère, Sapho est une poétesse lyrique grecque connue pour ses chants et ses compositions musicales à la lyre. Elle est également réputée par son animation d’un cercle pour l’éducation des jeunes femmes basée principalement sur la musique.
Figure de la poésie lyrique grecque entre la fin du VIIe siècle et le début du VIe siècle avant notre ère, seuls quelques fragments de son œuvre existent encore aujourd’hui, notamment un texte dédié à la déesse Aphrodite. Il est admis qu’une grande partie de ses écrits a été détruite par les autorités religieuses à la fin du XIe siècle. En revanche, certaines références aux textes de Sapho peuvent se retrouver dans les textes ou citations d’auteurs de l’Antiquité tels que Platon.
Les premières représentations de Sapho apparaissent sur les céramiques grecques du Ve siècle avant notre ère mais très peu de sculptures lui sont dédiées.
Dès la fin du XVIIIe siècle, la poétesse Sapho est associée aux grandes figures du romantisme, ce qui va perdurer tout au long du XIXe siècle. Dans cette mouvance romantique, en 1884, Alphonse Daudet (1840-1897) publie un livre intitulé « Sapho, mœurs parisiennes », qui décrit la vie d’un couple vivant dans la bohême artistique parisienne de la fin du XIXe siècle et qui s’inspire de la légende de Sapho.
Au début des années 1900, l’admiration sera encore plus forte pour la poétesse Sapho et de nombreux opéras lyriques lui seront consacrés.
D’époque 1900, notre statue s’inscrit donc pleinement dans cette tendance du début du XXe siècle, avec la représentation de Sapho, dont la main gauche repose sur un vase à la lyre, instrument mythique de la légendaire poétesse grecque.
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« Personnification de la Connaissance »
Statuette en biscuit de porcelaine
Représente un putto assis, lisant un livre
Porte une signature au dos de la base
Epoque Début XXe siècle
Hauteur: 21 cm
Prix de vente : 25,00 €
Inspiré de la Grèce antique, puis de l’art romain, le « putto » est un personnage qui a été repris au XVe siècle en Italie.
Elément essentiel de l’ornementation architecturale italienne, il représente initialement un angelot nu et ailé. Il évolue ensuite vers un nourrisson joufflu, quasiment toujours de sexe masculin.
Les monuments de la renaissance italienne ont particulièrement mis en valeur les « putti » et ces derniers sont cités comme étant caractéristiques de l’art baroque sicilien.
Allégorie de la connaissance, notre putto, en biscuit de porcelaine, est une réelle personnification du lecteur en position assise.
La pièce présentée ici porte une signature au dos de sa base, mais nos recherches n’ont pas permis d’identifier avec certitude le sculpteur mentionné.
Evocation du marbre blanc des sculptures antiques, le biscuit de porcelaine est obtenu par cuisson à haute température de porcelaine blanche naturelle, sans émaillage et sans décor de couleurs. Son usage est fréquemment utilisé dans la création de statuettes décoratives, comme dans le cas de notre putto « lecteur ».
« Moine Bouddhiste »
Sculpture ancienne en bois sculpté et doré
Représente un moine bouddhiste agenouillé, en méditation
Robe monastique avec inclusion de verroteries colorées et réfléchissantes
Probablement d’origine birmane
Epoque Début XXe siècle
Dimensions: base 25 x 21 cm / hauteur: 26 cm
Prix de vente : 40,00 €
Notre sculpture en bois doré est très probablement d’origine birmane.
Elle est la représentation fidèle d’un moine bouddhiste, agenouillé, dans une position de méditation, les yeux fermés.
Il porte une robe monastique traditionnelle, ornée avec des inclusions de verroteries colorées et réfléchissantes.
D’époque début XXe siècle, notre statue est particulièrement originale et d’une réelle rareté.
Véritable témoignage de l’art bouddhiste birman, elle apportera une note très lumineuse dans la sérénité d’une ornementation d’intérieur.
« Jeune femme à l’Antique »
Sculpture en fonte de fer, à patine Bronze
Représente une femme assise, tenant un parchemin
Drapé à l’Antique
Epoque Début XXe siècle
Hauteur: 16 cm
Prix de vente : 90,00 €
Alliage de fer et de graphite, la fonte de fer se développe principalement pendant le XIXe siècle et elle est particulièrement appréciée pour les pièces d’ornement telles que les sculptures. Les œuvres créées sont regroupées sous le nom « Fonte d’art ».
Probablement d’époque début XXe siècle et élément de décor d’une pendule, notre statue en fonte de fer à patine Bronze s’inscrit totalement dans la continuité des œuvres de style antique réalisées à la fin du XIXe siècle. Elle représente une jeune femme assise, tenant un parchemin dans la main droite, portant un vêtement drapé à l’Antique.
La finesse du drapé et le raffinement de la sculpture témoignent pleinement de l’esthétique des fontes d’art du début du XXe siècle.
L’impression de douceur qui émane du personnage apportera une réelle note de sérénité dans une décoration d’intérieur.
VENDU
« Bouddha assis »
Statuette asiatique en bronze patiné
Figurine représentant un bouddha assis
Probablement Ecole thaïlandaise ou birmane
Epoque XXe siècle
Hauteur: 22 cm
Prix de vente : 25,00 €
Probablement d’origine d’Asie du Sud-Est, thaïlandaise ou birmane, notre statuette représente un bouddha, les yeux mi-clos, assis en position du lotus, la main droite effleurant le sol et la main gauche tournée vers le ciel.
La symbolique des statues de Bouddha repose sur deux principes majeurs : la position du personnage et les gestes des mains.
Par exemple, la position couchée sur le côté du bouddha rappelle les derniers instants de sa vie sur terre avant qu’il n’atteigne le « nirvana final ».
La position du lotus, comme celle de notre statuette, symbolise pleinement la méditation et la contemplation.
Les gestes des mains, appelés « Mudras », sont toujours en lien avec la méditation et permettent de préciser les pensées spirituelles bouddhistes associées.
L’un des plus fréquents gestes représentés sur les statues est appelé « Bhumisparha ». Il est caractérisé par les doigts de la main droite qui effleurent le sol, symbolique de la prise à témoin de la terre pour prouver la réussite du chemin spirituel aboutissant à l’éveil de la connaissance et à l’illumination.
C’est le geste le plus fortement synonyme de la détermination, de la victoire sur l’ignorance et sur les forces obscures. Il est également significatif de la grandeur de la pratique spirituelle.
En bronze patiné, notre bouddha sera synonyme de sérénité dans la décoration d’un intérieur placé sous le signe du bien-être et de l’harmonie.
VENDU
« Jeune femme au lévrier »
Sculpture en régule patiné, sur socle en marbre
Représente une jeune femme assise, caressant son lévrier
Socle en marbre veiné
Epoque Art Déco
Années 1910-1930
Dimensions: hauteur statue 19 cm / longueur statue 59 cm / socle marbre 58 x 14 cm
Prix de vente : 35,00 €
D’époque Art Déco sur son socle en marbre veiné, notre statue en régule patiné représente une femme assise, caressant son chien.
L’œuvre que nous présentons ici est typique des sculptures Art Déco des années 1930, style qui est apparu notamment après l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels qui s’est tenue à Paris en 1925.
Dans les « années folles » de l’entre-deux guerres, l’Art Déco se caractérise alors par une volonté de modernité tout en créant un style épuré qui va chercher parfois son inspiration dans les œuvres antiques.
Avec une coiffure au bandeau typique des années 1920, notre jeune femme est représentée avec une grande finesse, que ce soit son visage ou le drapé du vêtement qu’elle porte. Elle n’est pas sans rappeler les célèbres sculptures de femmes réalisées dans le style Art Déco par le sculpteur français Louis Octave Maxime Le Verrier, plus communément appelé Max Le Verrier (1891-1973) et par Claire Colinet, sculptrice belge bruxelloise (1880-1950), avec leurs œuvres inspirées de l’univers artistique des années « folles ».
En dépit de quelques altérations à la patine, la statue est remarquable par sa délicatesse et la tendresse qui se dégage entre la jeune femme et son chien, ce qui confère une réelle élégance à notre sculpture.
« Couple breton du Pays Bigouden »
Paire de statuettes en terre cuite
Représente un couple breton du Pays Bigouden
Fait à la main
Signé en creux sur la base « Sylvette Amy »
Epoque XXe siècle
hauteur Femme 19 cm / hauteur Homme 17 cm
Prix de vente : 25,00 €
C’est en 1966 que les époux Sylvette et Raymond Amy fondent leur atelier de création de santons. Installé à Aubagne dans les Bouches-du-Rhône, l’essor économique de l’atelier leur permet de connaître une renommée internationale et d’exporter leurs réalisations dans le monde entier. Aujourd’hui, la société «Santons Sylvette Amy» est toujours active à Aubagne dans les Bouches-du-Rhône.
Au-delà des figurines caractéristiques de l’art provençal, la production de l’atelier peut s’élargir à d’autres personnages et notre paire de figurines en est un exemple.
Réalisé en terre cuite et portant la signature «Sylvette Amy» sur la base, notre couple de statuettes illustre les tenues vestimentaires de la Bretagne, notamment le personnage féminin qui porte une coiffe bigoudène. Cette coiffe vestimentaire, qui peut atteindre jusqu’à 40 centimètres de hauteur, est caractéristique du Pays bigouden qui s’étend au Sud-Ouest du Finistère.
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Charles Ruchot (1871-1954)
« Jeux innocents »
Statue en régule à patine brune, signée en creux « Ch. Ruchot » sur la base
Représente un couple de personnages s’amusant,
Porte un cartel d’époque « Jeux innocents, par Ruchot »
Epoque Début XXe siècle
Hauteur 55 cm
Prix de vente : 75,00 €
Charles Ruchot (1871-1954)
Peu d’informations sont disponibles sur le sculpteur français né en 1871 et décédé en 1954.
Plutôt actif de la fin des années 1880 jusqu’au début des années 1920, il est très influencé par l’Art Nouveau, puis l’art Déco. Sa renommée s’appuie sur ses créations de statues décoratives en bronze ou en régule, qui sont parfois des éléments de décoration de pieds de lampes ou de pendules anciennes.
Notre statue représente deux personnages s’adonnant à un jeu de balle, sur un socle en bois rouge, façon marbre. L’œuvre n’est pas sans rappeler le style des scènes galantes du XVIIIe siècle, montrant des personnages de l’aristocratie s’adonnant à des jeux de séduction.
Portant une signature en creux « CH. Ruchot » sur sa base, elle est titrée « Jeux Innocents », titre confirmé par le cartel d’époque présent sur le devant du socle.
Véritable témoignage de l’art sculptural du début du XXe siècle, notre statue est un parfait objet de décoration intérieure.
Charles Ruchot est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
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Teppanom musicien thaïlandais
Statue thaïlandaise en bronze, à patine noire et or
Représente un Teppanom assis, jouant du luth
Ecole thaïlandaise du milieu du XXe siècle
Hauteur: 26 cm
Prix de vente : 70,00 €
Dans la culture Thaïlandaise, le terme Teppanom, ou Thepphanom, fait référence à un ange, protecteur et gardien du temple. Associé étroitement à la religion bouddhiste, le Teppanom est venu sur terre quand Bouddha a atteint l’Illumination. Il est devenu ainsi son protecteur avant d’être ensuite le gardien des temples religieux.
Parfois en position agenouillée, le Teppanom est également représenté en position assise comme le montre notre statue. Le personnage est richement décoré, orné de bijoux et de vêtements de couleur or.
Porteur d’une coiffe traditionnelle cérémoniale, notre musicien est joueur d’un luth à trois cordes, à long manche, appelé « sanxian ». Originaire d’Asie, cet instrument s’est propagé dans tout l’Extrême-Orient, pour accompagner de musiques traditionnelles des spectacles de théâtre classique.
Symbole de bienvenue et de respect des traditions, notre statuette incitera à la quiétude et à la méditation dans un intérieur empreint de calme et de sérénité.
« Enfant au bonnet »
Marie-Anne Cranney-Franceschi
(1883 – XXe)
Terre cuite, signée en creux au dos
Cachet de l’éditeur Susse Frères
Hauteur 14 cm
Prix de vente : 160,00 €
Très peu d’informations sont disponibles sur l’artiste Marie-Anne Cranney-Franceschi. Née en 1883, sa date de décès n’est pas connue.
Son œuvre est essentiellement composée de sculptures en terre cuite et l’enfant au bonnet reste à ce jour la plus connue.
L’objet que nous présentons ici est une édition en terre cuite de cette sculpture, réalisée par la société Susse Frères, ce qui en fait son originalité (cachet sur la base au dos).
Marie-Anne Cranney-Franceschi est une artiste cotée dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
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« Couple galant à la joueuse de viole »
Groupe en porcelaine émaillée et dorée
Représente une scène musicale galante, à la joueuse de viole
Cachet sous la base
Style « Porcelaine de Saxe »
Epoque Début XXe siècle
Dimensions: base 22 x 17 cm / hauteur 19 cm
Prix de vente : 20,00 €
Porteur d’un cachet sous sa base, notre groupe en porcelaine représente une scène musicale galante, animée de deux personnages formant un couple uni. L’homme écoute sa compagne qui joue de la viole. La note romantique de l’œuvre est accentuée par le décor à la colonne tronquée et la présence d’un petit chien au milieu d’un parterre de fleurs.
Fréquemment associée aux fêtes champêtres du XVIIIe siècle, la scène galante s’illustre par des personnages d’époque représentés au milieu de la nature et s’adonnant à des jeux de séduction.
Avec ses ornementations dorées sur le pourtour de sa base, notre sculpture s’inscrit pleinement dans le style des porcelaines de Saxe par la finesse de représentation des personnages et la richesse des couleurs émaillées.
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« Diane chasseresse »
Statuette en biscuit de porcelaine, sur socle
Représente la Déesse Diane, armée de son arc
Epoque XXe siècle
Hauteur: 17.5 cm
Prix de vente : 20,00 €
En biscuit blanc de porcelaine, notre statuette représente la Déesse Diane, assise et armée de son arc.
Fille de Jupiter et de Latone (respectivement Zeus et Leto dans la mythologie grecque), sœur jumelle d’Apollon, Diane (Artémis dans la mythologie grecque), est traditionnellement associée à la lune, à la différence de son frère qui est associé au soleil. D’un caractère volontaire et farouche, elle est la déesse de la chasse et de la nature.
S’inscrivant dans un style très antique, notre Déesse Diane est représentée nue, les cheveux noués en arrière, le visage légèrement de profil.
Le biscuit de porcelaine est obtenu par cuisson à haute température de porcelaine blanche naturelle, sans émaillage et sans décor de couleurs. Son usage est fréquemment utilisé dans la création de statuettes décoratives, comme dans le cas de notre « Diane Chasseresse ».
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« L’apôtre Saint-Pierre »
Sculpture en bronze, à patine foncée
Représentation de l’apôtre Saint-Pierre, assis, tenant un livre et une paire de clés
Signé « J. Gout » sur le pied du tabouret
Epoque 2nde moitié du XIXe siècle
Dimensions: base 32 x 10 cm / hauteur 28 cm
Prix de vente : 85,00 €
Datant probablement de la seconde moitié du XIXe siècle, notre statue en bronze patiné représente un homme barbu, assis sur un tabouret bas. La main droite posée sur un livre, il tient dans sa main gauche une paire de clés.
Ces différents éléments de sculpture nous permettent de considérer que ce personnage est une représqentation de l’apôtre Saint-Pierre.
Il est aujoud’hui admis que Pierre serait né au début du 1er siècle avant Jésus-Christ et qu’il serait décédé vers le milieu du 1er siècle après Jésus-Christ. Prénommé Simon, il est été appelé Pierre par Jésus-Christ et fait partie des douze apôtres. Le Christ lui confie la mission d’être le fondateur de l’Eglise catholique avec cette parole présente dans l’évangile selon Saint-Matthieu: » Et moi, je te dis que tu es Pierre, et que sur cette pierre je bâtirai mon Église ».
A la mort du Christ, Pierre prend la parole au nom des autres apôtres et porte la parole du Christ dans plusieurs pays. L’évangile de Saint-Pierre, moins connu que les quatre autres évangiles canoniques (évangiles selon St-Marc, Saint-Matthieu, Saint-Jean et Saint-Luc), est réputé comme étant celui qui décrit plus particulièrement la Passion du Christ et sa résurrection.
Présenté comme le premier pape de la chrétienté, Saint-Pierre est le détenteur de deux clés, lui permettant de « lier et délier » sur terre (clé en argent) et dans les cieux (clé en or). Ces deux clés, qui lui auraient été confiées par le Christ, lui donne ainsi le pouvoir de maintenir « lié et délié » dans les cieux ce qui a été « lié et délié » sur terre.
Les deux clés sont devenues le symbole de la papauté et figurent sur les armoieries du Saint-Siège et du Vatican. Il est à noter qu’aujourd’hui il est considéré que la tombe de Saint-Pierre se serait trouvée dans une ancienne nécropole mise à jour lors de fouilles sous la basilique Saint-Pierre de Rome.
Notre sculpture est donc caractéristique de l’apôtre Saint-Pierrre, ce qui est confirmé par la présence du livre qui symbolise l’évangile et la paire de clés tenue dans la main gauche du personnage. Une réelle force émane de l’ensemble du groupe sculpté, confortée par la majesté de la posture et la noblesse du visage de l’apôtre.
Très probablement destiné à l’ornementetation d’une pendule du XIXe siècle, la sculpture porte la signature en cursives « J. Gout » sur l’un des pieds du tabouret bas sur lequel l’apôtre est assis.
Elle peut faire référence au sculpteur bronzier Jean Gout, dont plusieurs œuvres attestent de son activité au XIXe siècle. Nos recherches ne nous ont cependant pas permis de lui attribuer cette sculpture avec certitude.
Jean Gout est un artiste coté dans les bases mondiales d’information sur le marché de l’Art.
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Bas-relief ancien
« Déesse asiatique »
Bas-relief en terre cuite ancienne, à patine foncée
Représente probablement une déesse asiatique
Dimensions: 23 x 28 cm / épaisseur 6 cm
Prix de vente : 50,00 €
En terre cuite à patine foncée, notre bas-relief est probablement très ancien.
Possiblement d’origine asiatique, indienne, voire thaïlandaise, il représente une déesse entourée de divers personnages, au sein d’un décor floral.
Sculpture avec une réelle rareté, notre bas-relief apportera une note très originale dans une ornementation faisant référence à la symbolique sacrée.
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« Bouddha assis »
Statuette asiatique, en bronze patiné
Figurine représentant un bouddha assis
Probablement Ecole thaïlandaise ou birmane
Epoque Fin XIXe siècle
Hauteur: 20 cm
Prix de vente : 30,00 €
Probablement d’origine d’Asie du Sud-Est, thaïlandaise ou birmane, notre statuette représente un bouddha, les yeux mi-clos, assis en position du lotus, la main droite effleurant le sol et la main gauche tournée vers le ciel.
La symbolique des statues de Bouddha repose sur deux principes majeurs : la position du personnage et les gestes des mains.
Par exemple, la position couchée sur le côté du bouddha rappelle les derniers instants de sa vie sur terre avant qu’il n’atteigne le « nirvana final ».
La position du lotus, comme celle de notre statuette, symbolise pleinement la méditation et la contemplation.
Les gestes des mains, appelés « Mudras », sont toujours en lien avec la méditation et permettent de préciser les pensées spirituelles bouddhistes associées.
L’un des plus fréquents gestes représentés sur les statues est appelé « Bhumisparha ». Il est caractérisé par les doigts de la main droite qui effleurent le sol, symbolique de la prise à témoin de la terre pour prouver la réussite du chemin spirituel aboutissant à l’éveil de la connaissance et à l’illumination.
C’est le geste le plus fortement synonyme de la détermination, de la victoire sur l’ignorance et sur les forces obscures. Il est également significatif de la grandeur de la pratique spirituelle.
La base de notre statuette est ornée d’un bandeau à double décor symétrique inséré entre deux rangées de perles. Ajoutant à l’originalité de la sculpture, au dos du bandeau figure un texte gravé en écriture asiatique, possiblement extrait d’un rituel de consécration.
En bronze patiné, notre bouddha sera synonyme de sérénité dans la décoration d’un intérieur placé sous le signe du bien-être et de l’harmonie.
« La ronde de nuit »
Bas-relief en bronze
Représentation en relief d’un tableau de Rembrandt (1606-1669), titré « La Compagnie de Frans Banning Cocq et Willem Van Ruytenburch » dite « Ronde de nuit »
Référence à Rembrandt, inscrite en creux en bas à droite
Dimensions: 29 x 19.5 cm
Prix de vente : 70,00 €
Notre bas-relief en bronze représente un tableau de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, plus communément appelé Rembrandt (1606-1669).
Très célèbre peinture hollandaise du XVIIe siècle et considérée comme l’œuvre majeure de Rembrandt, ce tableau achevé en 1642 après 4 années de travail, est curieusement connu sous deux titres : « Compagnie de Frans Banning Cocq et Willem Van Ruytenburg » ou « Ronde de nuit ». C’est en raison de son aspect très sombre que le tableau avait été appelé par erreur « Ronde nuit » alors que l’on pense aujourd’hui qu’il s’agit plutôt d’une scène diurne.
Destiné à être accroché dans la Maison des Arquebusiers à Amsterdam, rénovée en 1638, l’œuvre représente une compagnie de mousquetaires en armes d’Amsterdam, commandée par Frans Banning Cocq. Plus de trente personnages sont présents, parmi lesquels plusieurs officiers et carabiniers.
Une anecdote concerne le personnage au chapeau visible à droite du porte-étendard. Il pourrait s’agir d’un autoportrait de Rembrandt mais ceci n’est pas encore totalement confirmé à ce jour.
Le tableau, de dimension très importante (3,6 x 4,4 mètres), est visible dans le Rijksmuseum à Amsterdam.
Paire de bas-reliefs,
formant pendant
Représentation d’un couple d’époque moyenâgeuse
Cuivre repoussé
Décors d’arches ogivales dans le style gothique
Epoque Fin XIXe siècle
Dimensions par cadre: cuivre 14 x 31.5 cm / avec cadre 18 x 35 cm
Prix de vente : 110,00 €
Notre paire de cadres est inspirée de l’époque gothique, avec la représentation d’un couple de personnages dans le style Moyen-Age. Le décor d’arches ogivales accentue l’esthétique Haute Epoque de nos deux bas-reliefs en cuivre repoussé.
Par la nature de leur bois, ces deux encadrements, probablement d’époque fin XIXe siècle et formant pendant, amèneront une réelle touche d’originalité dans une décoration d’intérieur faisant référence à l’histoire moyenâgeuse.
« Néréide à la source »
Sculpture en bronze à patine brune
Représentation d’une femme debout, à l’antique, retenant son drapé de sa main droite, la main gauche reposant sur une colonne « à la source d’eau »
Personnage symbolisant probablement une nymphe marine, appelée « Néréide »
Terrasse rectangulaire
Epoque 2nde moitié du XIXe siècle
Dimensions: base 6 x 5.5 cm / hauteur 22 cm
Prix de vente : 55,00 €
Notre statue en bronze à patine brune, présentée sur un socle intégré rectangulaire, s’inscrit totalement dans les œuvres de style antique réalisées pendant la seconde moitié du XIXe siècle.
D’inspiration mythologique et probablement d’époque Napoléon III, elle représente une jeune femme debout, sa main droite retenant la toge drapée dont elle est vêtue.
La main gauche est appuyée sur une colonne d’où émerge une source d’eau, rappelant le mythe antique de l’eau, symbole de la fertilité.
Les cheveux en chignon, ornés de fleurs, le personnage sculpté fait donc probablement référence aux néréides, nymphes antiques protectrices des sources d’eaux.
Témoignage historique de l’art bronzier de la seconde moitié du XIXe siècle, il émane de notre statue une impression énigmatique, associée à une réelle sagesse antique.
VENDU
« Le Discobole »
Bas-relief, en pierre reconstituée
Représente l’athlète antique grec, nommé « Le Discobole »
Porte un cachet au dos « Ergani Athena Greece »
Bas-relief Fait Main (cachet « Hand Made » au dos)
Epoque Milieu XXe siècle
Dimensions: 27 x 37 cm / épaisseur 8 cm
Prix de vente : 20,00 €
Représentant un homme nu se préparant à lancer un disque, le discobole est l’une des plus célèbres statues d’athlète de l’Antiquité, s’inscrivant pleinement dans le style classique grec antique.
Attribuée à Myron, sculpteur athénien du Ve siècle av. J.-C., la statue originelle, probablement en bronze, n’a jamais été retrouvée. Mais une description précise réalisée au IIIe siècle a permis de faire plusieurs copies à l’époque romaine. La plus célèbre d’entre elles a été retrouvée à Rome à la fin du XVIIIe siècle.
Dès sa création, le discobole a symbolisé l’apport du sport dans l’éducation des jeunes hommes dans la Grèce antique, pays à l’origine de la création des premiers Jeux Olympiques.
A l’initiative du Français Pierre de Coubertin (1863-1937), les premiers jeux de l’ère moderne ont lieu à Athènes en avril 1896. Le discobole devient à nouveau le symbole de ces jeux dits « modernes » et il est régulièrement présent au XXe siècle, par exemple sur l’affiche des Jeux de Londres en 1948.
Dans un passé plus récent, il orne la pièce grecque de deux euros, commémorant les Jeux d’Athènes de 2004. On le retrouve également sur les affiches officielles des Jeux « Paris 2024 ».
Notre bas-relief porte au dos un cachet circulaire, avec les inscriptions en relief « Ergani Athena Greece – Copy – Hand Made ».
« Jeune femme à l’antique »
Sculpture en bronze à patine brune
Représentation d’une femme debout, à l’antique, tenant une coupe dans sa main gauche et le bras droit reposant sur une colonne « à la tête d’homme »
Terrasse rectangulaire
Epoque 2nde moitié du XIXe siècle
Dimensions: base 6 x 5.5 cm / hauteur 21.5 cm
Prix de vente : 55,00 €
D’inspiration mythologique et probablement d’époque Napoléon III, notre statue en bronze à patine brune, présentée sur un socle intégré rectangulaire, s’inscrit totalement dans les œuvres de style antique réalisées pendant la seconde moitié du XIXe siècle.
Elle représente une jeune femme vêtue d’une toge drapée, en position debout, une coupe dans la main gauche et le bras droit appuyé sur une colonne dont la partie supérieure est sculptée en forme de tête d’homme rappelant les représentations des dieux de l’Antiquité.
Le style antique est également souligné par le type de coiffure du personnage, les cheveux en chignon et ornés d’une couronne de fleurs.
Par la finesse des plis du drapé et l’impression de sérénité qui en émane, notre statue est un réel témoignage de l’art bronzier de la seconde moitié du XIXe siècle.
« Couple galant, à l’oiseau »
Groupe en porcelaine émaillée et dorée
Représente une scène galante champêtre
Numéroté sous la base
Style « Porcelaine de Saxe »
Epoque Début XXe siècle
Dimensions: base 21 x 14 cm / hauteur 23 cm
Prix de vente : 25,00 €
Numéroté sous sa base, notre groupe en porcelaine représente une scène galante, animée de deux personnages formant un couple uni. L’homme tient dans la main droite un oiseau qu’il présente à sa compagne, ce qui accentue la note romantique de l’œuvre.
Fréquemment associée aux fêtes champêtres du XVIIIe siècle, la scène galante s’illustre par des personnages d’époque représentés au milieu de la nature et s’adonnant à des jeux de séduction.
Avec ses ornementations dorées sur le pourtour de sa base, notre sculpture s’inscrit pleinement dans le style des porcelaines de Saxe par la richesse de ses couleurs émaillées.
« Personnification de la Connaissance »
Statuette en biscuit de porcelaine blanche
Représente un putto assis, lisant un livre
Dans le style de Guglielmo Pugi (1850 – 1915)
Epoque Début XXe siècle
Hauteur: 30 cm
Prix de vente : 195,00 €
Inspiré de la Grèce antique, puis de l’art romain, le « putto » est un personnage qui a été repris au XVe siècle en Italie.
Elément essentiel de l’ornementation architecturale italienne, il représente initialement un angelot nu et ailé. Il évolue ensuite vers un nourrisson joufflu, quasiment toujours de sexe masculin.
Les monuments de la renaissance italienne ont particulièrement mis en valeur les « putti » et ces derniers sont cités comme étant caractéristiques de l’art baroque sicilien.
Allégorie de la connaissance, notre putto, en biscuit de porcelaine, est une réelle personnification du lecteur en position assise.
Il est à noter que la pièce présentée ici est identique à l’une des œuvres du sculpteur italien Guglielmo Pugi (1850-1915). Réputé pour ses représentations de bustes, plusieurs de ses sculptures sont exposées dans différents musées mondiaux.
Evocation du marbre blanc des sculptures antiques, le biscuit de porcelaine est obtenu par cuisson à haute température de porcelaine blanche naturelle, sans émaillage et sans décor de couleurs. Son usage est fréquemment utilisé dans la création de statuettes décoratives, comme dans le cas de notre putto « lecteur ».
« Putto allongé »
Bronze massif
Patine Médaille brillante
Représente un putto en position allongée
Epoque XIXe
Dimensions: longueur 33 cm / hauteur 10 cm
Prix de vente : 285,00 €
Le « putto » est un personnage inspiré de la Grèce antique, puis de l’art romain. Il est repris ensuite au XVe siècle en Italie où il devient un élément essentiel de l’ornementation architecturale italienne. A l’image à ses débuts d’un angelot nu et ailé, le putto évolue fréquemment vers la représentation d’un nourrisson joufflu, quasiment toujours de sexe masculin.
Les monuments de la renaissance italienne ont particulièrement mis en valeur les « putti » et ces derniers sont cités comme étant caractéristiques de l’art baroque sicilien.
Notre statue en bronze massif, à patine Médaille, représente un putto en position allongée. Le mouvement donné au personnage est accentué par la perfection et la brillance de sa patine.
Bronze d’une rareté certaine dans sa forme, notre statue apportera une note particulièrement originale qui se distinguera dans une décoration d’intérieur, qu’elle soit à tendance classique ou moderne.